Ecoutez Voir

Linn Majik DS, Naim HDX et Système Sonos : Les serveurs à l’honneur sur evmag.fr

2008-12-01T22:41:00.013+01:00

Voilà déjà près d’un mois qu’EcoutezVoir Magazine a ouvert ses pages et nous voulions vous remercier chaleureusement pour votre soutien et vos témoignages de sympathie !

Bien sûr, il nous reste encore beaucoup de travail pour remplir l’ensemble des rubriques que nous vous proposons de consulter, mais nous travaillons jour et nuit pour vous informer au mieux.

Cette semaine sur evmag.fr, vous pourrez découvrir le test du Linn Majik DS, le petit frère du déjà célèbre Klimax DS, dont le rapport qualité-prix nous a fortement impressionné !

À L’honneur aussi le premier serveur audiophile à disque dur le Naim Audio HDX. Une machine à l’interface utilisateur raffinée et conviviale, qui donne vraiment envie d’écouter de la musique.

Le système multipièce Sonos, des petites boites qui reprennent l’esprit d’Apple pour exporter vos morceaux préférés dans toutes les pièces de la maison !

Mais aussi…

Totem Acoustic fête ses vingt ans d’existence. L’occasion de passer en revue une partie de la gamme du constructeur et de se constituer un système 5.1 compact mais dynamique autour de ses enceintes polyvalentes.

Les Stones en concert vu par Scorsese … tout un programme en DVD et Blu-ray disc !

Et de nouvelles critiques de disque dans les jours à venir…

A bientôt sur www.evmag.fr ! Et merci encore pour votre soutien…

evmag.fr en ligne dès aujourd'hui !

2008-10-23T03:34:00.007+02:00

Cette fois-ci, ça y est ! Après plusieurs mois de travail intensif, evmag.fr, le site internet d'Ecoutez Voir, est enfin en ligne.

Ce nouvel espace se veut l'extrapolation du contenu de ce blog, avec de nouvelles rubriques, de nouveaux articles et beaucoup, beaucoup plus d'espace pour laisser s'exprimer nos passions : la musique et la haute fidélité du son et de l'image sous toute ses formes.

Retrouvez une approche différente du matériel et des contenus :

- des tests d'équipements audio, photo et vidéo
- notre sélection de disques et de fichiers musicaux
- des rencontres avec les artistes et les techniciens qui leur permettent de s'exprimer
- notre agenda concerts, expositions, festivals
- Et aussi... nos reportages en coulisses !

Comme tout les nouveaux nés, EcoutezVoir Magazine aura besoin de temps pour se développer, mais nous sommes déjà fier du résultat et nous espérons vous y retrouver nombreux pour accompagner ses premiers pas ! Vos suggestions seront les bienvenues !

A très bientôt donc sur www.evmag.fr

Antoine Gresland et Christian Izorce

La rentrée de tm+

2008-10-03T18:30:00.023+02:00

Concert de présentation de saison

de l'ensemble orchestral tm+

Samedi 11 octobre - 18 h 30

Auditorium Rameau de la Maison de la Musique

8 rue des anciennes mairies - 92 000 NANTERRE

par Christian Izorce

Comme nous vous l'annoncions lors de notre dernier article consacré à tm+, le concert de présentation de la nouvelle saison 2008/2009 aura lieu le 11 octobre prochain. Il permettra à Laurent Cuniot, directeur musical et chef de cet ensemble orchestral de détailler les étapes majeures de la saison qui commence...

Ce qui se fait traditionnellement au cours d'un concert dans le petit amphithéâtre Rameau de la Maison de la Musique et se conclut toujours de manière très conviviale, autour d'un verre. Occasion privilégiée pour le public de rencontrer les interprètes, leur chef, et les compositeurs associés.

Gratuit, mais à condition de réserver au 01 41 37 52 18 ou à l'adresse contact@tmplus.org.

Une saison inouïe

C'est sous ce qualificatif qu'est placée la programmation 2008/2009. C'est en tout cas une saison riche et variée que nous proposera l'ensemble. Tout d'abord en ce qui concerne les compositieurs joués. Un même concert pourra associer des noms aussi apparemment éloignés que ceux de Johannes Brahms, Jean-Philippe Rameau... Tristan Murail et Gérard Grisey. Nous découvrirons le moment venu quels liens les unissent... On y retrouvera également les talentueux Bruno Mantovani et Alexandros Markeas, compositeurs de notre temps avec lesquels Laurent Cuniot et l'ensemble ont développé au cours des années une véritable complicité.

Diversité aussi dans les lieux abordés : Nanterre bien sûr et quelques communes d'Ile de France, mais aussi la Finlande, le Danemark pour deux festivals (Odense et Copenhague), puis Tarbes, Reims, Beynes, Mâcon et Valenciennes...

Et il faut citer quelques rendez-vous qui s'annoncent majeurs : fin novembre, le programme Stupeur des Anges, libre association d'oeuvres en hommage à Olivier Messiaen ; Les 4 Jumelles, opéra-bouffe de Régis Campo, qui sera joué à plusieurs reprises et en plusieurs endroits, du 16 janvier au 10 mars ; Sprechcantando ou la couleur du point, soirée qui sera donnée le 9 avril à l'Espace de Projection de l'Ircam et qui associera le Pierrot Lunaire de Schönberg, ... sofferte Onde serene ... de Luigi Nono et une création d'Andrea Vigani. Enfin, signalons le programme très percussif du 29 mai, où le soliste Florent Jodelet sera une fois de plus mis à l'honneur.

A suivre assidûment !

ÉCOUTEZ VOIR PASSE À LA VITESSE SUPÉRIEURE !

2008-09-27T14:41:00.003+02:00

Comme vous avez pu le constater ces dernières semaines, mes écrits et ceux de mon ami Christian Izorce se font plus rares que d’habitude…

Pourtant, nous n’avons pas chômé pendant la période estivale et nous sommes désormais presque prêts à vous dévoiler les résultats de notre travail acharné ! C’est donc avec un plaisir non dissimulé que je vous annonce la naissance prochaine du site evmag.fr, un nouvel espace, plus riche et plus adapté aux passions qui nous animent.
Loin de disparaître, Ecoutez-Voir s’apprête donc à prendre une autre dimension, pour mieux vous informer et vous distraire, notamment grâce à la mise en œuvre d’un outil de navigation plus ergonomique et au développement de nombreuses rubriques : chroniques, news, reportages, rencontres et tests complets de matériel audio, vidéo et photo, en relation directe avec les musiques et les images que ces appareils sont censés sublimer !
J’ai toujours eu envie de construire un pont entre le monde artistique (création musicale, photographique et cinématographique) et les matériels nécessaires à en profiter dans les meilleures conditions. Cette approche, sans doute nouvelle sur le Net, va demander beaucoup d’énergie et de temps pour se concrétiser, mais c’est bien l’objectif que nous nous sommes fixés.
Vous trouverez donc sur evmag.fr, des rubriques inédites, des rencontres que nous espérons passionnantes avec les musiciens et les constructeurs, des critiques de disques et de concerts, ainsi qu’une nouvelle manière, justement, d’écouter et voir, que nous espérons plus en rapport avec vos souhaits et vos attentes.

Un vaste programme en somme, que nous prendrons plaisir à partager avec vous à partir du mois d’octobre. Nous espérons vous y retrouver nombreux… votre fréquentation sera notre meilleure récompense !

À très bientôt sur evmag.fr !

Antoine Gresland

Sony Alpha 900 : Le reflex numérique à 24,6 millions de pixels.

2008-09-12T20:34:00.009+02:00

Depuis le rachat de Minolta par Sony, les spécialistes attendaient avec impatience l’arrivée d’un vrai reflex de haut de gamme novateur dans la gamme du constructeur japonais. C’est désormais chose faite avec le nouvel Alpha 900, conçu pour se frotter directement à la concurrence du Nikon D700, et du Canon EOS 5D (en attendant son remplaçant). Ce boîtier au physique très pro utilise pour la première fois le nouveau capteur Sony CMOS Exmor plein format qui annonce fièrement 24,6 millions de pixels effectifs : un record ! Si la performance technique remarquable et le piqué qu’elle promet méritent d’être salués à sa juste valeur, on peut s’interroger sur la pertinence de cette démarche sur le terrain au vu des critiques formulées par certains professionnels à l’encontre du Canon EOS 1D Mark III et de ses 21 millions de pixels. Il ne s’agit pas tant de sa sensibilité en basse lumière (puisque ce dernier se débrouille très correctement dans ce domaine malgré la petite taille de ses photosites) que de problèmes liés à la diffraction de l’optique qui devient visible à faible ouverture.

Mais n’anticipons pas ! Car le Sony Alpha 900 bénéficie de toute façon d’une fiche technique particulièrement alléchante sur le papier. Cette nouvelle génération de capteur CMOS utilise la technologie Exmor qui assure d’une part la conversion des informations analogiques (la lumière) en numérique et d’autre part, d’une élimination du bruit numérique en deux phases, permettant de réduire ce dernier et de profiter au mieux des qualités de piqué des optiques Carl Zeiss de la gamme.

D’autant plus que le nouveau boîtier Sony inaugure aussi un double processeur Dual BIONZ encore plus puissant et doté d’algorithmes de réduction de bruit performants à 5 images/s, d’un viseur 100% ainsi que d’un stabilisateur d’image SteadyShot intégré qui permettrait de réduire la vitesse d’obturation de 4 paliers (ou de gagner 4 diaphs !) : une bonne nouvelle pour les amateurs de concerts. En matière d’ergonomie aussi, le Sony promet beaucoup en embarquant un bel écran LCD Xtra fine de 3 pouces et de 921 000 pixels (comme sur un Nikon D300), d’un autofocus à 10 points que l’on nous annonce très performant et peut être équipé d'un grippe vertical qui rallonge son autonomie.

Le châssis de l’Alpha 900 est en aluminium renforcé, alors que le boîtier proprement dit est en alliage de magnésium et profite de joints d’étanchéité en silicone. Sans flash ni objectif, le Sony pèse 850 grammes, ce qui confirme sa finition « Expert ».

Un look très "pro" avec sa poignée ergonomique optionnelle

Reste à savoir si ce boîtier, qui peut compter non seulement sur la très belle gamme d’optique Carlz Zeiss, mais aussi sur les anciens objectifs Minolta à monture G, saura imposer sa résolution exceptionnelle face au tout nouveau D700, puisqu’ils sont proposés au même prix : 2800 euros.

Nous allons vérifier ça pour vous dès que possible.

Nikon VS Canon: la lutte sans merci continue

2008-08-30T19:26:00.006+02:00

Nouveaux Canon EOS 50D et Nikon D90: les deux leaders de la photo numérique fourbissent leurs armes avant la Fotokina

Cette fois-ci, les choses paraissent claires chez les deux leaders japonais du reflex numérique : les boîtiers d’entrée de gamme et expert devraient rester fidèles aux capteurs dits APS-C, qui permettent d’obtenir un excellent compromis entre encombrement, poids et qualité d’image, alors que les professionnels se voient proposer des boîtiers dotés de capteurs plein format, équivalant 24 x 36, pour profiter d’une meilleure sensibilité dans les basses lumières et d’un piqué d’image exceptionnel.

Si Canon est longtemps resté en tête des ventes grâce à une gamme de reflex bien positionnée dans tous les secteurs, Nikon a fait plus que réagir ces derniers mois à travers le D300, un reflex doté d’un capteur APS-C de haut de gamme qui se place à la frontière entre les gammes pro et grand public, et le fameux nouveau D700, qui propose un capteur plein format et la quasi-totalité des avantages du D3 à moitié prix. En attendant l’arrivée probable d’un 5D Mark II à la Fotokina pour concurrencer le D700, Canon se devait de réagir pour résister au D300 dont les ventes s’envolent sur le marché français comme à l’étranger.

Voici donc venu le temps du Canon EOS 50 D. Ce nouveau boîtier propose un capteur APS-C comptant 15,1 mégapixels, soit 50% de pixels en plus que le 40D, le tout pour un prix conseillé de 1499 euros. Ce capteur haute définition est accompagné d’un nouveau processeur baptisé Digic IV qui traite les images sur 14 bits tout en offrant _ du moins sur le papier _ une sensibilité impressionnante de 12 800 ISO et une cadence rafale de 6,3 images par seconde sur 90 vues en mode JPEG. Comme sur le Nikon, on retrouve également un mode LiveView, qui permet de se servir de l’écran arrière pour viser et déclencher, sans passer par le viseur. Une fonction finalement peu utile, dès lors que l’on décide d’acheter un reflex, mais qui rassurera sans doute les néophytes… On restera moins impressionné par le système autofocus sur 9 capteurs, tout en saluant sa totale compatibilité avec les accessoires du 40 D, modèle qui reste d’ailleurs au catalogue. Enfin, le 50D est offert en kit avec un EF-S 17-85 IS USM à 1799 euros et à 2099 euros avec le nouveau et très performant EF-S 18-200 IS, qui présente sans doute le meilleur choix pour un premier équipement.

Sur le papier, le Canon EOS 50D possède donc de nombreux arguments pour convaincre. Seulement voilà, il semblerait que Nikon ait bien préparé sa rentrée, en dévoilant au même moment un nouveau boîtier expert, le D90, qui vient remplacer le vieillissant D80 de fort belle manière pour concurrencer le 40 D et offrir ainsi une alternative convaincante à chaque boîtier de son concurrent.

Le Nikon D90 reprend le même design que son prédécesseur, mais remet les pendules à l’heure en matière de résolution avec un capteur APS-C comptant 12,3 mégapixels, directement issu de son grand frère D300 (vous suivez toujours ?!) pour un tarif de 949 euros boîtier nu. Mais la grande nouveauté vient surtout de sa capacité à réaliser de la vidéo, une première pour un reflex, avec son mode LiveView qui, combiné à un prisme spécifique qui peut rester en position haute pour filmer en 1280 x 720 pixels en profitant du petit micro intégré. Évidemment, il ne s’agit pas du seul argument de ce nouveau boîtier, mais gageons que cette fonction amusante donnera peut-être envie à certains photographes amateurs de passer à un boîtier reflex plutôt que de se contenter d’un « vulgaire » bridge… d’autant que l’on pourra profiter des belles optiques grand-angle interchangeables qui caractérisent le système reflex pour capturer des films dans les meilleures conditions.
Pour le reste, le D90 fait évidemment mieux que le D80 qu’il remplace, et ce dans tous les domaines. Avec notamment une cadence « moteur » poussée à 4,5 images par seconde, un autofocus sur 11 points Multi-CAM 1000, la dernière version du processeur Expeed, qui offre une sensibilité de 6 400 ISO comme sur le grand frère D300, le D-Lightning actif, qui offre une correction automatique et efficace des sous-expositions et surexpositions en JPEG, mais aussi, ce qui est plus original, un mode de correction de la distorsion des objectifs de la marque, qui facilitera la vie au jour le jour.

Parallèlement à la sortie du D90, Nikon annonce l’arrivée d’un nouveau zoom trans-standard stabilisé, dédié aux capteurs DX (c'est-à-dire APS-C) baptisé Nikkor AF-S DX VR ED 18-105 mm (ouf !) dont la plage de focale est équivalente à un zoom 24 x 36, 27-157 mm, et qui offre une ouverture maximale comprise entre f 3,5 et f 5,6, le tout pour seulement 299 euros. Offert en Kit avec le D90 à moins de 1300 euros, ce zoom permet à Nikon de se maintenir au meilleur niveau dans la bataille sans merci que se livrent les deux spécialistes du reflex numérique… pour le plus grand bénéfice du consommateur !

Deux coffrets consacrés à John Cage chez Brillant Classics

2008-08-29T16:27:00.006+02:00

Who is afraid of John Cage ?

par Christian Izorce

John Cage au travail dans les années 40

Brilliant Classics, jeune label néerlandais désormais bien connu pour ses monumentales monographies à prix économique (Bach, Mozart, Beethoven, Brahms), s’intéresse également à l’œuvre de certains compositeurs contemporains.

Il en va ainsi de John Cage (1912 – 1992) et de ses œuvres pour piano préparé, toutes rassemblées sur trois CD dans un pack paru en 2007. Plus récemment encore, l’intégralité de son œuvre pour piano et voix, et de son œuvre pour piano et violon ont fait l’objet d’un même traitement chez cet éditeur.
Il convient de saluer cette initiative, assez étonnante d’ailleurs chez un éditeur qui vise initialement un assez large public.

Commençons notre parcours par le second coffret cité, qui propose un panorama d’œuvres finalement assez abordables, par contraste avec les pièces pour piano préparé dont la découverte nécessite sans doute une petite mise en condition.

Four Walls - Complete works for piano & voice and for piano & violin

Brilliant Classics 8850 – DDD (3 CD)

Réécoutés aujourd’hui, les "Four Walls" composés par Cage en 1944 ont quelque chose de prémonitoire. Il émane en effet de ces plages rythmées et dramatiques une impression d’autorité et de sobriété que l’on peut retrouver, quelques décennies plus tard, dans les improvisations d’un certain … Keith Jarrett, pour ne citer que lui. Le pouvoir de conviction immédiat que développe cette suite fait rapidement oublier que l’on écoute l’un des compositeurs les plus hardis de toute l’histoire de la musique. Toute de force contenue ne demandant qu’à se sublimer, l’interprétation de Giancarlo Simonacci est d’une majestueuse et sombre évidence.

Plus brillant et démonstratif que les "Four Walls", le Cage des "Seasons" (1947) joue ostensiblement dans la cour des Ravel et des Debussy. Le propos naturaliste y est sans doute pour quelque chose. Une très belle pièce, elle aussi susceptible d’enchanter de nombreuses oreilles.

"Nocturne" (1947) et "Six Melodies" (1951) se situent dans la même veine que celle du fameux "Quatuor à Cordes" où Cage abandonne notamment l’emploi du vibrato, ornementation typique de cette forme et qu’il considère comme totalement superflue, voire relevant du pur pathos. Il ne reste donc des instruments à cordes (ici, du seul violon) qu’une ligne pure et souvent délicate, d’une intemporelle et fragile beauté. Cette caractéristique est mise en exergue par le jeu fin et presque plaintif de David Simonacci. Ces "Melodies" possèdent un pouvoir d’envoûtement manifeste. Certaines d’entre elles évoquent naturellement quelque folklore dont on ne saurait précisément situer l’origine : ce n’est ni balkanique, ni celte, ni indien… mais peut être un peu de tout cela à la fois ? D’autres plages luisent doucement d’une belle lumière diffusant une quiétude sans limite. De magnifiques pièces, hypnotiques, invitant à la méditation et à l’introspection. Somptueux et évanescent.

Plus statiques encore que les plus calmes des pièces précédentes, "Two4" (1991) et "Two6" (1992) sont deux objets célestes aux pulsations d’une extrême lenteur. En quelque sorte, le minimalisme fait musique. Le jeu du violon en quart de tons confère à ces morceaux une saisissante étrangeté. Si Satie est le père assumé de la «musique d’ameublement», alors Cage est sans nul doute celui de la «musique du dénuement».

Les "Melodies" distillaient des climats propices à la méditation ; "Two4" et "Two6" confinent résolument au transcendental.

Commentaire technique :

Le piano est ici merveilleusement consistant et bien enveloppé de résonnances qui dramatisent encore son expressivité. Il affiche sur toutes les plages une pureté minérale et une rigueur harmonique poussées, dans le cadre d’une prise de son au spectre très étendu.
Le violon est enregistré de très près, ce qui lui donne un caractère tonal tout à fait particulier (à la fois mat et parfois presque grinçant), assez peu souvent rencontré au disque, et rarement perçu de cette manière en concert. De ce point de vue, la toute première écoute peut dérouter. Les bruits de frottement de l’archet, indispensables, sont particulièrement bien mis en relief.

Complete Music for Prepared Piano
Brilliant Classics 8189 – DDD (3 CD)

Les pièces pour piano préparé sont évidemment d’un abord plus difficile que celle citées ci-dessus. Rappelons que John Cage, esprit rebelle et avant-gardiste, sorte de dadaïste en musique, seul ou au sein du mouvement Fluxus, fût l’un des premiers, immédiatement à la suite d’Henry Cowel, à vouloir détourner – pervertir ? - la structure harmonique de l’instrument en insérant ou en posant sur ses cordes des objets de toute nature. Cette pratique a ensuite été reprise par d’autres compositeurs ou performers, de manière ponctuelle ou plus systématique, et ce dans des répertoires variés. On peut notamment citer le compositeur russe Alfred Schnittke, assez coutumier du fait, ou encore le guitariste Fred Frith, auquel nous avons récemment consacré un compte-rendu de concert relevant justement de cette pratique.
Pour le jeune Cage des années 40, outre la démarche purement iconoclaste s’apparentant à un sabotage de l’instrument et du répertoire qui lui était jusqu’alors associé, il s’agissait aussi de créer des musiques et sonorités originales (évoquant celles du gamelan indonésien) pour accompagner notamment les ballets de Merce Cunningham, chorégraphe américain dont il était très proche.

On ne soulignera ici que le caractère totalement inouï du résultat sonore (pour l’époque en tous cas… mais sans doute encore aujourd’hui !), qui met en exergue les aspects percussifs du jeu pianistique, tout en écourtant la durée des notes et en "acidifiant" ou en "métallisant" les timbres. Les obstacles constitués par les points de contact des objets avec les cordes contribuent en effet à décaler les fréquences de résonnance des cordes vers l’aigu, à freiner leurs modes de vibration libres, et à faire apparaître des toniques liées à la nature et à la forme mêmes des objets déposés. Il reste que cette dégradation du contenu harmonique des notes et accords vers une espèce de fausseté tonale - la matière sonore semblant comme «évidée» - peut ne pas être du goût de tout le monde…

Et le piano préparé le plus ultime, le plus définitif, est sans nul doute celui de l’installation "Infiltration-homogen for grand piano", réalisée en 1966 par son acolyte de Fluxus Joseph Beuys, et qui est lui totalement réduit au silence puisqu'entièrement enveloppé d'une épaisse ganse de feutre !
Un silence d'ailleurs cher à Cage.

Mais revenons au tryptique édité par Brilliant Classics, qui regroupe donc la totalité des compositions de Cage pour piano préparé, c'est-à-dire plus de trois heures de musique au total, dans les interprétations compétentes et précises de Giancarlo Simonacci, décidément grand spécialiste de Cage.
A l’étrangeté des sonorités se combine l’originalité de la composition des pièces, souvent de forme miniature, en une espèce de tout où forme et fond s’avèrent absolument indissociables.

Pour aborder ce répertoire que l’on peut qualifier de difficile, on commencera tout naturellement par les premières pièces du CD n°1, composées entre 1940 et 1943, et qui sont d’une matière puissamment rythmique. Leur construction affirmée présente des motifs bien dessinés et récurrents - à défaut d’être parfaitement "mélodiques" -, auxquels l’oreille pourra assez facilement s’agripper. Un souffle jazzy parcoure même certains titres tels que «Primitive», et pourront par exemple faire penser au jeu martelant développé par le pianiste Ahmad Jamal dans ses plus récents disques ... ou même de plus anciens. On pourra également évoquer le caractère ludique et drôle de la majorité des scènes de la suite "The Perilous Night" (1943-1944), ou de "A Valentine Out of Season" (1944) et de "Mysterious Adventure" (1945).

Dans un second temps, les "Sonates et Interludes" pourront être appréciés en dépit du – ou plus justement pour le – délitement manifeste de la structure musicale qu’elles affichent. Cette esthétique rejoint finalement l’attirance de Cage pour le vide, la déconstruction des schémas établis, l’émergence du hasard dans l’œuvre musicale – et dans l’œuvre d’Art tout court. Même si ces pièces sont rigoureusement écrites et ne peuvent donner lieu qu’à de relatives variations d’interprétation, il est indéniable que l’impression d’écoute globale et spontanée qu’elles génèrent les place sur des terres incertaines, chaotiques, dont le relief semble se dérober sous les pieds à mesure qu’on les parcoure. Leur exploration reste donc délicate.
A l’instar d’autres œuvres contemporaines qui présentent un caractère ostensiblement provocateur (que ce soit dans l’instrumentation choisie ou l’écriture ou les deux), il faut aborder ce répertoire sans a priori, dans une disposition d’esprit s’interdisant tout jugement immédiat. Au final, on reste évidemment libre de ne pas apprécier ce que l’on entend !

Commentaire technique :

Ce second coffret de 3 CD très bien réalisés est réellement un must pour qui souhaite découvrir et approfondir ce pan si particulier de la musique du XXe siècle. Il jouit d’une qualité d’enregistrement qui fait bien ressortir tout ce que ces sonorités ont de particulier, avec une excellente notion de matière. On profite également d’une très bonne spatialisation des sons suivant l’arc correspondant à l’extension physique réelle du piano.

Christophe - Aimer ce que nous sommes : un album différent et personnel

2008-08-17T16:30:00.010+02:00

Pour beaucoup, à commencer par votre serviteur, Christophe est longtemps resté le symbole d’une certaine forme de variété douce-amère, acidulée à souhait par des claviers d’un autre âge. Un porte-drapeau d’une culture qui me fit danser et flirter à mon adolescence, aux accents de ces yeux bleus délicieusement kitch pour lesquels je garde forcément une tendresse particulière.

Et puis Christophe a disparu, comme s’il refusait de se cantonner à sombrer dans la nostalgie de ses succès pour faire bouillir la marmite, comme certains de ses confrères. En 2001, il refait surface avec Comme si la terre penchait, un album sombre et subtilement arrangé par un artiste pluriel et singulier, marqué par une vraie inspiration, des textes et des compositions troublants et ambigûs, la sensibilité à fleur de peau.

Il aura fallu sept ans de plus pour donner naissance à Aimer ce que nous sommes. Des rencontres, sans doute beaucoup de nuits blanches comme il les affectionne, une envie de se projeter plus loin encore, un peu à la manière d’un Bashung dans son Imprudence, vers ce mélange original et inattendu de poésie simple, d’arrangements parfois flamboyants, sans oublier pourtant le côté « néon juke-box lino » qui caractérise son univers crépusculaire et sensuel.
Si « aimer ce que nous sommes », c’est assumer toutes les facettes de sa personnalité, alors Christophe peut se venter d’avoir brillamment réussi son pari en mélangeant des morceaux d’une rare sophistication formelle – profond et sensible à la fois dans ses textes et ses partis pris artistiques –, à des plages plus ludiques, consciemment kitch, tel « Tonight Tonight » dont raffolera son public habituel.
Pourtant, Christophe échappe facilement aux clichés en mélangeant les genres et les cartes, en jouant du vocodeur et des synthétiseurs, d’un piano qui pleure sous les sentiments ambigus, sombres et lumineux à la fois, pour nous faire plonger dans son univers, oreilles et cœurs aux aguets à la découverte d’un personnage attachant dans sa complexité et son ambivalence assumée. Influences ethniques et guitare électrique en bandoulière, exaltation des montées en puissance des violons, voix écorchée par ce mélange de modernisme et de mélancolie, Christophe se livre et se délivre tout entier, amoureux fou et transi, romantique, pudique et provocateur à la fois pour toucher son auditoire.
Certains y verront peut-être, par manque de référence ou de vécu, l’expression d’un ego démesuré ou d’un jeu de miroir pseudo intellectuel. J’y ai vu pour ma part une envie d’exister complètement, totalement, à travers des mélodies souvent belles et pas si faciles, servies par des textes que l’on prend plaisir à décrypter sous la production luxueuse qui les habille.
Et puis il y a ces amis, ces visites qui habitent le disque en filigrane, comme la voix d’Isabelle Adjanie sur « Wo wo wo wo », le premier morceau, la trompette au timbre tellement personnel d’Erik Truffaz sur le magnifique « Odore di femina », les gitans qui entourent Moraito Chico ou le piano de Carmin Appice quand Christophe ne se met pas lui-même à l’instrument.
Aimer ce que nous sommes est un album troublant, séduisant, sombre et différent, sensible et puissant, que l’on prend plaisir à écouter tout entier, pour entrer complètement dans l’univers d’un artiste qui mérite largement sa place dans une discothèque d’aujourd’hui. En tout cas dans la mienne !

Un peu de technique :

Il suffit d’écouter la dernière plage du disque pour prendre conscience du nombre impressionnant de personnalités, de techniciens, d’artistes et d’instrumentistes mis à contribution pour réaliser cet objet sonore complexe. Enregistré dans huit studios situés dans trois pays différents (France, Angleterre et Espagne), Aimer ce que nous sommes aurait pu se révéler moins convaincant techniquement que musicalement. Mais il faut croire que Christophe et Christophe Van Huffel, responsables de la production, savaient ce qu’ils faisaient au moment de rejoindre en un tout cohérent les délires et les voyages d’un artiste qui préfère visiblement la courbe à la ligne droite. Aimer ce que nous sommes est un album étonnant, pas toujours parfait, mais remarquablement abouti compte tenu de cette complexité viscérale. Tout le monde semble y trouver sa place au sein d’un espace sonore électroniquement très travaillé, qui ne manque pas de mettre en valeur chaque interprète. Mélange d’ambiances électroniques et acoustiques, le disque nous emmène en voyage, nous ballade dans les rues sombres d’une ville la nuit ou sous les feux des projecteurs d’une boîte de nuit, emporté par des basses profondes et contrôlées, un haut du spectre tour à tour rustique et croustillant de détails, mais toujours dans l’emphase d’une mise en scène qui ne ménage rien pour impressionner l’auditeur. Evidemment, les réverbérations exacerbées, surtout sur les voix, et les effets stéréo feront leur petit effet sur n’importe quel transducteur, même si la compression omniprésente étouffe parfois un peu la dynamique dont sont capable les plus gros systèmes.

Christophe
Aimer ce que nous sommes
Chez Universal Music

A écouter aussi: Comme si la terre penchait

Une heure chez Pierre Henry - musique concrète

2008-08-03T23:17:00.058+02:00

Du 4 au 15 Août 2008 - Séances à 16 h 30 et 18 h 30

Une production Festival Paris Quartier d'Eté & Son/Ré

Pierre Henry tel qu'en lui-même

par Christian Izorce

Pierre Henry chez lui - crédit photo Geir Egil Bergjord

Quatre-vingt-un ans déjà, figure singulière et chenue, le regard parfois ailleurs mais encore acéré, il reçoit de nouveau le public en sa demeure, comme il l’a fait à déjà trois reprises au cours des dernières années. Quatre éditions de " Pierre Henry chez lui " au total, plusieurs douzaines de séances, bien moins onéreuses qu’une psychanalyse – alors que l’immersion dans pareil environnement sonore et créatif peut assurément conduire le visiteur très loin à l’intérieur de lui-même !

Des séances où nous sommes donc admis à investir la maison de Pierre Henry pour une heure environ. Séances qui commencent par la visite d’un lieu littéralement hors-norme, et se poursuivent par la projection in situ de pièces de musique concrète. Séances qui s’accompagnent de la possible déambulation dans ce merveilleux capharnaüm (que tout inconscient normalement constitué rêve d’avoir en permanence pour cadre de vie). Le public est en effet invité à s’installer, qui à la cave, qui à la cuisine ou dans une chambre, et à changer de pièce à l’intermède s’il le désire.
Des conditions qui suscitent l’écoute rapprochée et attentive, forcément concentrée, d’un événement musical exceptionnel, au sens propre du terme.

Inlassable sculpteur sonore

En effet, comment mieux appréhender le travail d’inlassable sculpteur sonore de Pierre Henry, qu’en se rendant directement à son domicile ? Comment mieux se laisser pénétrer de ses plus intimes pensées, qu’en s’immergeant un (trop) court moment dans son propre univers, peuplé d’objets et d'œuvres hétéroclites ? Comment mieux abolir la distance et le voile posés par toute forme de mise en scène, qu’en acceptant cette invitation au plus près ? Tout en sachant le compositeur présent, juste dans la pièce à côté (dans laquelle il ne se retranche ni ne s’expose).

Pierre Henry à la table de mixage - crédit photo Geir Egil Bergjord

Bien entendu, l’absence de mise en scène est aussi mise en scène. Et comme aiment également à le souligner les physiciens, quoi que l’on fasse pour éliminer les obstacles et les filtres, la mesure (ici, l’écoute) influe singulièrement sur l’objet et la quantité à mesurer. Oui mais, là, nous sommes au contact le plus direct qui soit avec la matière acousmatique créée par Pierre Henry, nichés bien au cœur de ce petit accélérateur de quanta sonores qu'est sa maison. L’instant est pure musique, pure création, car posé à la source même du jaillissement sonore.
Mais il est aussi éloigné que faire se peut d’une quelconque forme de " work in progress " - formule devenue ces derniers temps assez convenue, pour ne pas dire galvaudée. Car ce qu’a diffusé Pierre Henry " chez lui " au cours de ces années, ce furent des créations nouvelles et finies (que l’on a d’ailleurs retrouvé éditées in extenso au disque aussitôt projetées).

Une redécouverte de l'œuvre

Ainsi l’a voulu l’auteur, ainsi se déroulera, du 4 au 15 Août, le millésime 2008 d’ Une heure chez Pierre Henry : premières parties constituées de pièces anciennes et moins anciennes – et en seconde partie, la projection de " Miroir du Temps ", composé pour la circonstance. Une heure pendant laquelle le Maître (et quand même démiurge) officie, mais sans cérémonial particulier, assis derrière sa table de mixage, tout au contrôle de son travail, qu’il qualifie lui-même d’artisanat. Il y est secondé par Bernadette Mangin, son assistante musicale de toujours, et projette ses pièces à travers un réseau dépareillé de haut-parleurs, disséminés dans toutes les pièces de ce petit édifice du XIIe arrondissement de Paris.
Cinquante œuvres au total, et l’auteur qui déclare : "J’ai tenté dans ce miroir temporel de retracer les jalons de toute mon œuvre depuis soixante ans". L’occasion de (re)découvrir ce travail est donc unique, car la quasi-totalité des compositions majeures de Pierre Henry y seront données, du moins sous forme de séquences, mais dans un programme qui change de séance en séance…

Face au miroir, que voit-on ?

" Miroirs du temps ", seule création de ce cycle de séances, contient à l’évidence l’essence même de l'œuvre de Pierre Henry. A commencer par cette lente introduction aux accents surannés de piano préparé, organisés en une belle et progressive consonance… Nous y retrouvons ensuite, plongés dans un futurisme brut parcouru à rebours - sorte de régression salutaire vers une poésie bruitiste un peu " datée " mais toujours hypnotisante -, une forme très construite qui compose la bande-son du ballet désormais presque familier des particules élémentaires de cette curieuse physique.
Ballet qui prit naissance il y a une bonne soixantaine d’années.

Une audace folle à l'époque. Une singulière étrangeté aujourd'hui encore.

La visite s’impose.

Discographie du cycle " Pierre Henry chez lui "

Voici ce qu’écrivait Anne Rey il y a quelques années : " Pierre Henry n’est pas un compositeur de musique contemporaine, au sens quelque peu restrictif du terme. Il n’a jamais trouvé sa place dans les avant-gardes officielles, n’a jamais suscité d’exégèses savantes, et s’il a des disciples, ce n’est pas de son fait ".

Effectivement, il a des disciples, il n’en a même jamais tant eu ! Pierre Henry a produit une œuvre finalement séminale, consciemment ou non. Tout d’abord à l’aide de simples microphones, de magnétophones à bande (voir la collection des vieux Telefunken de son studio) et probablement de plusieurs paires de ciseaux. Cet amateur d’anachronismes travaille depuis quelques années à partir de sons reportés sur DAT (Digital Audio Tape), format issu du monde professionnel mais aujourd’hui " dépassé ", sans l’aide de l’outil informatique. La manipulation concrète des sons sur bande lui reste en effet indispensable. Le traitement et la visualisation des signaux sur station informatique, tout à fait superflus.

Intérieur/Extérieur (1996)

Composé pour la première édition du cycle, dans le cadre du Festival d’Automne à Paris. Un disque dense, qui réclame tout de même une disponibilité d’esprit particulière. Mais alors ! Une œuvre où les riffs de guitare du groupe américain Violent Femmes (entre autres éléments) se dissolvent dans un bouillonnant bain d’huiles sonores essentielles, parfois hérissé d’objets contondants.

Dracula (2003)

Bande son imaginaire d’un film qui n’existe pas mais que tout le monde a pourtant vu. Pierre Henry explore le thème fantastique en s’appuyant sur la Tétralogie de Wagner. Une illustration particulière de ce que peut être la musique concrète telle que définie à ses débuts par Pierre Schaeffer, c'est-à-dire une sorte de métaprocessus compositionnel faisant feu de tout bois, en s’autorisant aussi l’utilisation de séquences et d'œuvres musicales préexistantes. Composé pour la deuxième édition du cycle.

Voyage Initiatique (2005)

Titre ambitieux, mais bien dans l’esprit de l'œuvre du compositeur, qui comporte tout de même des pièces intitulées Le Livre des Morts Égyptien, Apocalypse de Jean, ou encore Dieu. Ce " Voyage… ", plus de quarante ans après le premier " Voyage " (1962), est aussi une merveilleuse manière, sereine et envoûtante, d’aborder ces territoires sonores. Le troisième volet.

Et pour poursuivre l'exploration, se reporter à l'édition Philips en quatre coffrets :

Mix 01.0

Mix 02.0

Mix 03.0

Mix 04.0

L'auteur remercie Elisabeth Le Coënt (MYRA)

Nouvelle gamme de compacts Panasonic: pixels et grand-angle à tous les étages

2008-07-31T12:57:00.021+02:00

Panasonic s’apprête à lancer sur le marché une nouvelle gamme d’appareils photo numériques qui profitera pleinement de son association avec Leica, le spécialiste allemand des optiques de très haut de gamme, bien connu des amateurs avertis et des professionnels.
Outre l’augmentation de la résolution des capteurs, ces nouveaux appareils se caractérisent surtout par l’apparition d’optiques zoom offrant une vraie position grand angle, traditionnel point faible des compacts, ainsi qu’une ouverture importante facilitant la prise de vue en faible lumière.

- Le Panasonic DMC-FX37 est le successeur de l’adorable FX35 dont il reprend les contours et la taille, associé à un nouveau zoom optique Leica 25-125 mm stabilisé ouvrant à f/2,8 à 25 mm. Avec une résolution de 10,1 mégapixels, un autofocus dynamique amélioré et la possibilité de filmer au format 1280 x 720 pixels (à 30 images par secondes), il devrait rapidement devenir le chouchou de tous ceux qui cherchent un ultra-compact performant à glisser dans la poche en toute occasion. Le DMC-FX37 sera disponible en septembre, en finitions noire, chocolat ou blanche, au prix de 299 euros.

- Le Panasonic DMC-FX150 est un compact aux formes élégantes, destinés aux amateurs experts. Il offre une résolution de 14,7 millions de pixels associé à un zoom optique stabilisé Leica 28-100 mm doté d’une ouverture intéressante de f/2,8 à 28 mm. Outre le mode optimisé « tout automatique », le FX150 dispose également d’un mode manuel qui permettra à chacun d’effectuer ses propres réglages, et aussi d’un mode bracketing sur l’exposition et les couleurs. Ce dernier mode enregistre simultanément une version couleur, monochrome et sépia de la même image. L’ensemble de ces fonctions est géré par un nouveau processeur d’image baptisé Venus Engine IV, doté d’un réducteur de bruit que le constructeur annonce très performant, y compris à des sensibilités ISO allant jusqu’à 6400 ISO. Le DMC-FX150 profite enfin d’un mode vidéo HD qui permet d’enregistrer des films au format 1280 x 720 pixels à 20 images par seconde ainsi qu’en VGA (640 x 480) et WVGA (848 x 480) à 30 images par seconde. Un ensemble de caractéristiques qui met l’eau à la bouche ! Le DMC-FX150 sera disponible courant septembre au prix de 399 euros. Un tarif élevé mais logique, compte tenu de cette fiche technique « expert ».

- On retrouve le même processeur d’image et les mêmes possibilités de traitement d’image sur le nouveau bridge Lumix DMC-FZ28, doté pour sa part d’un capteur 10,1 millions de pixels associé à un zoom optique 18 fois ! Il s’agit d’un objectif Leica DC Vario-Elmarit 27-486 mm (en équivalent 24 x 36) d’ouverture f/2,8 - 4,4, stabilisé, qui offre une belle flexibilité dans un boîtier encore relativement compact. Ce dernier devrait être proposé en septembre à 429 euros.

- Enfin, avec le DMC-LX3, Panasonic a pensé aux amateurs de reflex, mais qui cherchent un appareil photo compact haut de gamme aux caractéristiques proches de ces derniers. Il est équipé d’un « grand » capteur CCD 1/1.63 pouces de 10,1 mégapixels, conçu pour offrir d’excellentes performances en basse lumière, ainsi qu’une qualité d’image élevée. Les pixels de ce capteur sont environ 45% plus grands que ceux que l’on trouve sur les appareils compacts traditionnels, ce qui permet d’augmenter la sensibilité de 19% et la saturation de 15% par rapport à un Lumix DMC-FX35.
Mais la nouveauté réjouissante vient surtout de l’arrivée d’un nouveau zoom stabilisé 24-60 mm (en équivalent 35 mm) : le Leica DC Vario-Summicron, qui affiche une ouverture de f/2 à 24 mm ! Voilà qui devrait réjouir celles et ceux qui aiment jouer avec la profondeur de champ et prendre des photos de concert à la volée dans la pénombre. D’autant que LX3 profite du processeur Venus Engine IV pour enregistrer des images en pleine résolution à 3200 ISO, et même à 6400 ISO en utilisant le mode haute sensibilité. Selon nos sources, il déclencherait en 0,005 seconde !
Comme un bonheur n’arrive jamais seul, le LX3 peut enregistrer les fichiers en RAW afin de faciliter le post-traitement des images au sein d’un logiciel expert.
En matière d’utilisation, Panasonic dote ce bel objet au physique très « pro » d’un écran LCD 3 pouces de 460 000 pixels qui adapte son rétro-éclairage en fonction de la luminosité ambiante. Comme ses petits frères, son mode vidéo permet de capturer des petits films en format 1280 x 720 pixels, en WVGA et en VGA avec une fluidité de 20 images / seconde.

En option, le LX3 pourra bénéficier d’une lentille de conversion optionnelle de 18 mm, de filtres gris neutre et polarisant, d’un viseur optique externe en aluminium et d’un flash compact et puissant.
Le DMX-LX3 sera proposé à son lancement (en Septembre également) au prix de 499 euros. Nous ne manquerons pas de vérifier sur le terrain les avantages de cette fiche technique particulièrement alléchante !

Rokia Traoré - Tchamantché

2008-07-22T17:59:00.008+02:00

Rokia Traoré est une artiste hors du commun. Cette auteur- compositrice- interprète malienne a su développer un style bien à elle en mêlant la tradition griot de son pays à des influences occidentales tout à fait contemporaines. Elle sort aujourd’hui un quatrième album, Tchamantché, qui mérite notre attention, tout du moins sur le plan artistique.

Bomboï, le précédent album de Rokia Traoré, reposait entièrement sur un concept acoustique porté par les traditions de l’Afrique, et cette voix, « impliquante » plus que sensuelle, qui la différencie clairement de ses compatriotes. Servi par une réalisation hors norme (un vrai délice à écouter sur un système haut de gamme, fort, bien sûr, de préférence !), il me sert toujours de référence lorsqu’il s’agit de juger des qualités de timbres et de la capacité de mise en espace d’un appareil hi-fi.

Avec Tchamantché, l’artiste dévoile une nouvelle facette de sa personnalité. On y retrouve, bien sûr, l’Afrique à travers ces chœurs maliens, le balafon, les percussions et la guitare typiques de ses compositions précédentes, mais aussi de nouvelles sonorités, à l’image des programmations, qui viennent habiller discrètement le background de « Douna », le premier morceau du disque. Dès le deuxième morceau, on éprouve aussi la volonté de l’artiste de se rapprocher de l’auditeur à travers un phrasé, une expressivité plus tendre et plus sensuelle, qui fait mouche dans sa simplicité.
« Zen », le troisième morceau, est chanté en français, un peu à la façon de Zazie, et profite du talent de Marcel Kanche qui en cosigne le texte avec Rokia. « Aimer », le quatrième, mêle le français et le malien, les instruments traditionnels africains et les ballets légers à la caisse claire, avant de se laisser porter par la voix de Rokia, rauque à l’occasion, toujours vibrante, qui nous entraîne dans une déclaration d’amour insoumise qui nous prend au ventre. Il ne doit pas être facile de capturer ce cœur-là !

"Kounandi" est une très belle ballade qui mêle la guitare de Sibi Koné à la harpe de Christophe « Disco » Minck. Une mélodie simple et lumineuse à laquelle la chanteuse apporte une sensibilité que l’on ne lui a pas toujours connue.
Cette magnifique princesse, qui porte sa fierté sur son visage comme un diadème, semble se dévoiler un peu plus au fur et à mesure que l’album avance, comme si elle se donnait complètement aux émotions qui l’habitent à travers une tendresse qui vient caresser l’oreille de l’auditeur.
Avec « Koronoko », on revient à quelque chose de plus conforme à ce que la chanteuse nous avait donné à entendre sur ses précédents albums. Servi par une mélodie qui avance, « Tounka » nous entraîne sur les pistes de terre rouge à un train d’enfer et toute l’expressivité sauvage dont Rokia est capable, à la fois rauque et fulminante comme une lionne.

Tchamantché profite du talent de Steve Shehan, impérial aux percussions. Un talent que l’on retrouve dans la lumière cuivrée du hang qui ouvre « A ou ni sou » (composé par Steve Shehan et Rokia Traoré) pour souligner avec subtilité la voix de Rokia jusqu’à l’extinction des notes des deux instruments.

L’album n’est pas fini pour autant, et il nous faudra attendre 30 secondes dans le silence pour découvrir une étonnante reprise de « The man I love » de Gershwin, portée par deux guitares, une basse puissante et la voix haut perchée de Rokia qui se laisse aller au swing langoureux de la mélodie avant de nous propulser vers l’Afrique : quand l’anglais se fait malien… Le bonheur du mélange des cultures à son paroxysme !

Un peu de technique :
Si la démarche artistique du disque constitue pour moi une réussite, tant on sent la chanteuse investie dans son désir de faire passer l’émotion à l’auditeur, on ne pourra que regretter la production du précédent album à l’écoute de Tchamantché. Pourtant servi par une brillante équipe constituée de Phill Brown (et Patrick Jauneaud pour certaines voix) à l’enregistrement, du même Phill Brown au mixage et du grand Bob Ludwig (excellent sur le dernier Radiohead !) au mastering, Tchamantché déçoit un peu techniquement, notamment en ce qui concerne la mise en espace et le timbre des instruments. Constituées de lignes claires et épurées, les mélodies auraient mérité une meilleure lisibilité à travers une neutralité mieux maîtrisée sur l’ensemble du spectre. C’est particulièrement flagrant sur la voix de Rokia, affectée d’une bosse dans le haut médium qui pourra apparaître fatigante, voire franchement agaçante sur un système audio haut de gamme. La scène sonore manque un peu de profondeur et le bas du spectre d’aplomb, alors que la dynamique est gérée avec un conservatisme qui étonne de la part de ces pointures, pourtant capables du meilleur. Si l’aspect technique du disque n’a donc rien d’exceptionnel, l’album mérite toutefois d’être écouté pour le talent, indéniable, de son auteur-compositrice-interprète.

Rokia Traoré
Tchamantché
Chez Universal Music

Retrouvez cette découverte musicale et bien d'autres sur EcoutezVoir magazine : www.evmag.f

A découvrir aussi:

Le précédent album de Rokia Traoré: Bomboï, dont les qualités techniques méritent à elles seules, déjà, le détour !

T-Bone Burnett – Tooth of Crime

2008-07-22T11:26:00.001+02:00

T-Bone Burnett – Tooth of Crime

Or The almost ordinary evening of a solitary critic,

by Christian Izorce

(English version of the paper posted on July 21st)

The other night, with Antoine – whom I warmly thank for having accomodated me on his blog -, I went for dinner at a another friend’s place. This guy is known for having recorded many jewels in today’s music (jazz, world, sophisticated singers, …) and owns a very impressive high-fidelity system. During the night, he made us hear two songs by T-Bone Burnett … of whom I had heard many times, without having the slightest knowledge of what he does (beyond the clever “Humans from earth” from Wender’s “Until the End of the World” soundtrack !).
I dare admit that, but with a kind of a pain in the chest.

Title of the album ? True-False Identity.

A real smash in the face ! Brilliant ! Huge ! (It means nothing but I only found this to say)
Bought as soon as heard ? Not quite, since on the day after, at my grocery store (although well-stocked), they no longer had it for sale. But they were solding the very last opus of the audacious bluesman, released last May. Waoow, recorded on NoneSuch Records ? That cannot be bad … Right in the shopping bag !

Once back home, I set myself in the right mood : Le Fil by Camille (and its final, half an hour long « Ooom », a mere marvel), then La Mort d’Orion by Gérard Manset (historically psychedelic), and then, T-Bone Burnett and its all-fresh Tooth of Crime.

‘Cause I have a hollow tooth.
The feast was not over.
Ten pieces of pure bravery.
I have to tell you …

1. This is a damn hammering rock’n’roll piece ! A syncopating jerk ! A pushing, trombone-fitted swing. And T-Bone himself seems to be giving everyone the push, too ! One can figure him self-satisfied, showing scornful lips and an arrogant posture. It is called Anything I can say can and will be used against you. And this is just self-explanatory.

2. A rolling balad for two, sung with innocently innocent voices. Say, with respect to the title, Dope Island, and the lyrics (We lived outside the law/we struck with wild desire/…/But now the night’s gone dead/The hours filled with dread). Rythmic foundations are abyssal and the sound, gorgeously cavernous. Despite the lyrics, this could be this summer’s slow dance prototype.
What ? … Errr ? … Have slow dances really disappeared in 1982 ?

3. The Slowdown. Come on ! A manner of McCartney song, fresh and dancey, but like thrown in a mincer : chopped up small with capers, a drop of Tabasco sauce well at the center … and, yes, a fried egg with a bleeding yoke on top of it ! Just a bit repetitive and enjoyable like a march of draft resisters.

4. Blind Man, to whom we hang, a superb and expressionist duet by singer Sam Philips and guitarist Marc Ribot. A genuine track from a mere song-writer, very static, but beautiful and moving. This guy has a deep heart, really !

5. Again ? A sort of McCartney patty, whith tons of almost infrasonic boom-booms, plus strings topped with maple syrup. And this is called Kill Zone. Heavens ! Dear, where are we, really ?

6. What is this now ? Is it the string due to hang us that we hear at the beginning ? Gee. Oh no, this is a guitar ! … As a fact, this is Rat Age, but nothing to see with oriental horoscope. The voice is from outer-sewer, guitar is sound but subterranean, percussion and metal tube noises displayed as a large rainbow scenery (over a dark sky, still). An anticipation song that will make you stay away from sci-fi for ever. It pushes, not at higher speeds, but with haughtiness and authority. I quote some lyrics (by courtesy of the Dean of the University for Necro-Futurology) : “I was conceived in a behaviour station/Light years from civilisation/…/As earthman battle for their skins/I come down with the aliens …/ we’ve broken the genetic code/ And left it bleeding by the road” …And I’ll let you discover the sequel and end. This is worth a scream of hatred yelled right at one’s face … the face of those who will buy this record, and who are already convinced. That’s true, but still, this is worth saying.

7. It crawls like a rattlesnake that would endlessely whisper « Swizzle stick, swizzle stick ». It squeaks, but here again it moves, like a rusted tune which squeals but goes forward. In the end, this is an ultra-binary thing, rythmically speaking, but it is … venomous and epide(r)mic.

8. Telepresence (Make the Metal Scream). Surprisingly quiet ! Well, quiet, apparently. Metalised and out-of-phase voice which wraps and leads in a threnody in minor and descending mode. Heartrending as “Heartbreak Hotel”, John Cale’s version of course. See what I mean ? Well, it’s even better, only worse.

9. Here Come the Philistines. A kind of a sitll denouncing anti-rap , build as a revanchist litany against today’s society … and its leaders. Spangled with bitter and sharp guitar riffs. What a treat !

10. Sweet Lulabby. Just a little sweet thing before going to sleep, in the shape of a gentle balad with antique instruments and oriental-like ornaments. The voice frightens a bit, still. Oh, so little.

The readers of Ecoutez-Voir, maybe scared now, will be relieved by learning that T-Bone Burnett has long been, with some other main characters of the world’s rock scene (Neil Young just to name one), reluctant to the rise of digital technologies in the field of audio engineering. He has long been advocating for taking the most “analog” precautions to capturing sound when recording an album. Hence, his records (at least the most recent ones) are produced and recorded with the highest quality standards, and they are worth listening to through a very good audio system. Full range and holographic reproduction are a must ! One will then enjoy the very accurate and pin-point sound imaging, which brings another level of understanding to the songs. And for even more fear, the bass response of the system has to be exemplary. If theses conditions are respected, the thrill is garanted.

Did you get it ? One refers to T- Bone Burnett as we speak of the likes of John Cale, Dylan, Zappa, Captain Beefheart, Tom Waits. And the missing Waren Zevon, too.
And rigth after that, observe silence.

And many thanks to Philippe, who gave me the first bite.

The other steps of the journey :

Camille – Le Fil

Gérard Manset – La Mort d’Orion

Special note for our English speaking readers :

Camille is a very inventive young french singer who blends all sorts of vocal performances (from tibetan singing to gospel), often in a cappella titles. Her world is rich and very, very original. Her songs are generally highly delightful and relaxing too.

Gérard Manset has been in music for forty years and more. He is a sort of a hidden and desperate lonesome cowboy in the land of french singers. He never appears live, and his albums are exclusively and entirely manufactured by himself (from composition, play, to recording and mixing). La Mort d'Orion (1970) is a bewildering collage of pure cosmic inspiration. A jewel in a black velvet case.

T-Bone Burnett - Tooth of Crime

2008-07-21T23:06:00.038+02:00

T-Bone Burnett – Tooth of Crime
Ou Une soirée presque ordinaire de journaliste solitaire, par Christian Izorce.

Retrouvez cette découverte musicale et bien d'autres sur EcoutezVoir magazine : www.evmag.f

L’autre soir, avec Antoine - qu'au passage je remercie chaudement de m’avoir accueilli sur son blog -, je vais dîner chez un ami commun qui fait profession d’enregistrer de nombreux bijoux de l’actualité musicale (jazz, world, variété inspirée, …) et qui possède un très gros système haute-fidélité.

Ce dernier nous fait écouter deux morceaux de T-Bone Burnett … dont j’avais maintes fois entendu parler, mais dont je ne connaissais rien (à part l’excellent Humans from Earth de la BOF d’ «Until the End of the World» de Wenders). Je l’avoue sans vergogne, mais avec une petite boule dans la gorge tout de même.
Le titre de l'album ? True-False Identity.

La claque ! Génial ! Énorme ! (Ca ne veut rien dire mais je n’ai trouvé que ça)
Aussitôt entendu aussitôt acheté ? Et bien non, car le lendemain, chez mon épicier (pourtant bien approvisionné), ils ne l’avaient plus. Mais ils avaient le tout dernier opus, paru en Mai dernier, de cet audacieux bluesman. Tiens, gravé chez NoneSuch ? Ca ne peut point être mauvais … Et hop, dans le cabas !

Rentré chez moi, je me mets en condition : Le Fil de Camille (et son « Oooom » final d’une demi-heure, une merveille), puis La Mort d’Orion de Gérard Manset (historiquement psychédélique) et enfin, T-Bone Burnett et son tout récent Tooth of Crime.

Car j’ai une dent creuse.
Le festin n’était pas terminé.
Dix morceaux de pure bravoure.
Il faut que je vous raconte …

1. Il martèle, ce rock’n’roll ! Il syncope, ce jerk ! Il balance, ce swing à trombone ! Et le T-Bone, il a l’air de balancer tout le monde, aussi ! On l’imagine content de lui, lèvre dédaigneuse et basculé de tête arrogant. Ca s’appelle Anything I can say can and will be used against you. Et je crois que tout est dit.

2. Balade-duo chaloupée aux voix innocemment innocentes au regard du titre, Dope Island, et des paroles (We lived outside the law/we struck with wild desire/…/But now the night’s gone dead/The hours filled with dread). Fondations rythmiques abyssales et sonorités délicatement caverneuses.

N’étaient les lyrics, le prototype du slow de l’été.
- Hein ? … Ah bon ? … Ca n’existe plus depuis 1982 ?

3. The Slowdown. Tiens donc ? Une manière de McCartney frais et dansant, mais un peu passé à la machine à tartare : haché-menu-quelques-câpres-une-goutte-de-Tabasco-bien-au-centre … et, allez, un œuf à cheval jaune mollet posé dessus ! Un rien jouissivemment répétitif, comme une marche militaire d’objecteurs de conscience.

4. Blind man, auquel on se raccroche, superbe duo expressionniste de la chanteuse Sam Philips et du guitariste Marc Ribot. Une vraie chanson de song-writer (comme ça, j’évite en apparence toute répétition dans la même phrase), statique, belle et émouvante. Il a du cœur cet homme-là, quand même !

5. Re-tiens ! Une sorte de McCartney reconstitué, à grand renfort de jolis boum-boums très très graves et de cordes nappées de sirop d’érable. Et ça s’appelle Kill Zone. Mon Dieu, mais où sommes-nous donc, ma chère ?

6. Et ça, c’est la corde qui doit nous pendre qu’on entend au début ? Gloups. Ah non, c’est une guitare ! … Effectivement c’est Rat Age, mais rien à voir avec l’horoscope oriental. Voix d’outre-égout, guitare bien présente mais également souterraine, percussion et bruits de tuyaux déployés en grand arc-en-ciel sonore (ciel très couvert, toutefois). Une chanson d’anticipation qui va vous faire passer le goût de la science-fiction. Ca déménage, pas à grande vitesse, mais avec morgue et autorité. Je cite les paroles (avec l’aimable autorisation du doyen de la Faculté de Nécro-Futurologie) : "I was conceived in a behaviour station/Light years from civilisation/…/As earthman battle for their skins/I come down with the aliens/…/We’ve broken the genetic code/And left it bleeding by the road …". Et je vous laisse découvrir suite et fin. Ca vaut son pesant de cri de haine balancé à la face … des seulement quelques uns qui vont acheter ce disque, et qui, déjà, sont convaincus. C’est vrai mais, quand même, ça va encore mieux en le disant.

7. Ca rampe comme un serpent à sonnette qui susurrerait « Swizzle stick, swizzle stick » en permanence. Ca grince, mais là aussi, ça pousse, comme une rengaine rouillée qui couine mais qui roule. Finalement c’est ultra-binaire, je veux dire le rythme, mais c’est … venimeux … et épide(r)mique. Pour la petite histoire un swizzle stick c'est un agitateur (pour cocktails). Explosif, non ?

8. Telepresence (Make the metal scream). Étonnamment calme pour un titre ! … Enfin calme, en apparence. Voix métallisée déphasée, qui enveloppe et entraîne dans une mélopée en mode mineur et descendant. Déchirant comme un Heartbreak Hotel, façon John Cale bien entendu. Vous voyez ? Et bien, c’est encore mieux, mais en pire.

9. Here come the philistines. Sorte d’anti-rap à caractère néanmoins dénonciateur, construit comme une litanie revancharde sur la société d’aujourd’hui … et ses dirigeants. Parsemé de riffs amers et tranchants. Un régal !

10. Sweet Lulabby. Et pour finir, une petite douceur pour la nuit en forme de gentille balade avec instruments anciens et accents orientaux. La voix inquiète un peu, tout de même. Oh, si peu.

Le lecteur d’Ecoutez-Voir sera soulagé d’apprendre que T-Bone Burnett, à l’instar de quelques autres personnages du rock mondial tels que Neil Young, a plutôt vu d’un mauvais œil l’arrivée des technologies numériques dans l’audio, et prône depuis de longues années l’application de précautions toutes analogiques à l’enregistrement d’un album. Ses disques (les récents, au moins) sont donc d’une très haute qualité de production et d’enregistrement, mais dont on ne profitera pleinement qu’avec un très bon système hyper-résolu. L’écoute avec un matériel « full range » et apte à reproduire un espace tri-dimensionnel très aéré s’impose ! On appréciera alors le positionnement précis et détouré des éléments de la scène sonore, ce qui en l’occurrence apporte une dimension supplémentaire de compréhension des morceaux. Et pour se faire un peu plus peur encore, il convient d'écouter ce disque sur un système descendant très bas et très fermement dans le grave. Si ces conditions sont réunies, le frisson est garantit.

Bon, vous avez compris ? On parle de T-Bone Burnett comme on parle de mecs de la trempe de John Cale donc, de Dylan, Zappa, Captain Beefheart, Tom Waits. Et du regretté Waren Zevon, aussi.

Rien que ça ?
Oui. Et juste après on fait silence.

Et un grand merci à Philippe, grâce à qui j’ai bien entamé le T-Bone.

Les autres étapes du parcours :

Camille – Le Fil

Gérard Manset – La Mort d’Orion

Enghien Jazz Festival 2008: Une grande année pour les oreilles et les yeux !

2008-07-11T19:56:00.045+02:00

Reportage photographique réalisé par Antoine Gresland et Christian Izorce du 2 au 6 juillet 2008.

Retrouvez ce reportage musicale et bien d'autres sur EcoutezVoir magazine : www.evmag.f

Pour la neuvième édition de son Festival de jazz, la ville d’Enghien et le groupe des casinos Lucien Barrière avaient bien fait les choses. Sa directrice artistique, Blandine Harmelin, a voulu, comme à l’habitude, remettre le jazz vocal à l’honneur, et c’est bien ce qui fût fait à travers un bouquet impressionnant de voix féminines et masculines.

Cette année plus encore que les précédentes, le Festival proposait un large éventail de musiques et d’artistes venus des quatre coins de la planète pour bercer les oreilles des auditeurs. Avec 250 artistes répartis sur cinq scènes, des concerts gratuits et des têtes d’affiche prestigieuses, nous nous sommes régalés au cours de cinq jours et cinq nuits de musique non-stop, organisés de main de maître par de vrais amateurs de jazz.

Évidemment, avec une telle abondance, il était impossible de tout voir et de tout entendre, mais nous avons tout de même pris le temps de nous promener dans les rues de la ville thermale pour picorer ça et là quelques-uns des 30 concerts « off » proposés en marge des soirées prestigieuses du Casino, sous un ciel parfois changeant, mais toujours dans la bonne humeur.

Le soir, la grande salle du casino d’Enghien recevait une première partie en forme de découverte, suivie d’artistes de notoriété internationale qui pouvaient s’exprimer dans des conditions remarquables, grâce aux efforts émérites d’une équipe technique très compétente.
C’est donc le jazz vocal féminin qui était à l’honneur des débuts de soirée du casino. Au milieu de ces performances de haut niveau, nous retiendrons d’abord Annabelle Askinn, une jeune femme d’à peine 20 ans qui a su toucher le cœur des spectateurs par la richesse de sa voix et son implication totale dans la musique. Accompagnée de deux violonistes (Olivier Leclerc et Frédéric Ammann, complices et talentueux), du guitariste Didier Bégon et du contrebassiste Grégoire Dubruel, elle réussissait sans mal à envoûter son auditoire avec une maturité étonnante pour son âge. On retiendra notamment deux reprises qu’il fallait avoir le courage d’entonner à la suite de leurs précédents interprètes : l’« Alleluia » de Léonard Cohen, façon Jeff Buckley, et une version particulièrement inspirée d’« Angie » des Rolling Stones. Gageons que cette jeune femme au visage d’ange trouvera bientôt un producteur qui l’aidera à se faire connaître du grand public. Devant un tel talent, les chanteurs de la Star Ac’ n’ont plus qu’à retourner à leurs chères études…

Annabelle Askinn ou la preuve que le talent n'attend pas le nombre des années !

Dans un style totalement différent, nous sommes également tombés sous le charme de Shanna Waterstown, une chanteuse américaine venue du gospel, bercée par la Motown et les negro spirituals, et qui développait un répertoire centré sur le blues et la soul autour de son premier album Inside My Blues, dont nous aurons bientôt l’occasion de vous reparler. Dotée d’une voix puissante et pénétrante, d’un physique de déesse et d’un charme naturel confondant, elle réussissait à retenir l’attention d’une salle venue écouter Buddy Guy, grâce à une performance de haute volée qui ne laissa personne indifférent. Une future (déjà) grande que nous suivrons de très près dans les mois et les années à venir.

http://www.blogger.com/www.shannawaterstown.com

http://www.blogger.com/www.myspace.com/shannaterstow

Quant à l’affiche principale de cette neuvième édition, elle avait fière allure et réservait quelques très beaux moments de musique à travers la présence d’artistes de classe internationale.

John McLaughlin, impressionnant techniquement, profite d'une relation privilégiée avec ses compagnons pour développer une musique inventive. À réserver aux initiés !

Jeudi 3 juillet, John McLaughlin nous propulsait dans sa quatrième dimension avec un groupe de superhéros musiciens tutoyant les frontières du jazz et du rock, comme à la belle époque du Mahavishnu Orchestra. Si le guitariste britannique n’a rien perdu de son exceptionnelle virtuosité technique, il pouvait compter sur le batteur Mark Mondesir, explosant littéralement d’énergie pure, le clavier (et batteur à ses heures) Gary Husband et l’incroyable bassiste français Dominique Di Piazza, pour développer une sophistication formelle de tous les instants pendant près de deux heures. Un concert en forme de coup de poing dont on retiendra notamment le duo entre Mark Mondesir et Gary Husband (impressionnant derrière ses percussions), les solos inspirés et modulés de Dominique Di Piazza et la bonne humeur communicative de John McLaughlin qui n’hésitait pas à sortir du cadre pour subjuguer le public à coups de riffs tendus et de mélodies audacieuses.

Dominique Di Piazza ne s'est pas ménagé pour être à la hauteur du maître !

Mark Mondesir, petit par la taille, immense par le talent !

Gary Husband, inventif aux claviers et totalement déjanté aux percussions ! Un vrai bonheur quand il s'agit de répondre aux prouesses de Mark Mondesir.

http://www.blogger.com/www.johnmclaughlin.com

http://www.blogger.com/www.myspace.com/johnmclaughlinofficial

Vendredi 4 juillet, c’était au tour de Buddy Guy d’entrer en scène pour faire découvrir à celles et ceux qui ne le connaissaient pas encore le son de Chicago et du blues électrique qui fit la renommée de la ville au début des années 60. Inspiré à ses débuts par le grand Muddy Waters, ce jeune homme de 72 ans n’a rien perdu de cette facilité guitaristique virevoltante qui fit de lui un musicien de studio très demandé avant que ne démarre sa carrière en solo. Au cours d’une heure et demie (et pas une minute de plus, malheureusement !) de musique inventive et délurée, n’hésitant pas à investir la salle, à monter au balcon ou à s’asseoir à côté des spectateurs, il délivrait une performance en tout point fidèle à sa légende et mettait tout le monde debout. Avec sa voix rocailleuse et cette aisance qui n’appartiennent qu’aux grands showmen américains, il démontrait une fois de plus la richesse d’un blues lourd et puissant, soutenu par des musiciens de très grande classe. On retiendra de cette performance l’autre guitariste du groupe, Ric Hall, qui affichait sans forcer un talent digne de son maître, le bassiste Orlando Wright pour son jeu tout en nuances (pas facile derrière de tels monstres de se faire entendre !) et la frappe légère et rapide du batteur Tim Austin contrastant avec son physique de catcheur. Un petit clin d’œil aussi au clavier Marty Sammon, dont la gentillesse et la disponibilité ont su conquérir les faveurs d’un photographe limité par le temps…
Nous reviendrons très bientôt en détail sur la carrière de ce grand artiste à l’occasion de la sortie de son nouvel album.

Buddy Guy dans tous ses états confirme qu'il reste l'un des plus grands guitaristes de blues de la planète... Et quelle voix !

http://www.blogger.com/www.buddyguy.net

http://www.blogger.com/www.myspace.com/buddyguy

Al Jarreau ou le plaisir de chanter fait homme ! Un bonheur qu'il sait partager avec le public...

Dernier coup de cœur de l’équipe d’Écoutez voir : Al Jarreau faisant vibrer la salle du casino, Samedi 5 Juillet, de cette voix inimitable qui lui a valu d’être récompensé au cours de sa longue carrière de cinq Grammy Awards dans trois catégories différentes (jazz, pop et R&B). Éclectique et séduisant, virevoltant sur scène, captivant l’auditoire de sa voix modulée et de ses longues mains fines aux mouvements élégants, Al Jarreau nous a donné tout ce qu’il avait sur lui ce soir-là. Un personnage émouvant et sensible, doté d’un groove ahurissant, tant il excelle à poser sa voix avec intelligence et sensibilité sur les mélodies d’un groupe de musiciens confirmés, entièrement dédiés à sa cause. Autour de Joe Turano, claviers, saxophoniste et directeur musical de la formation, on retrouvait Mark Simmons à la batterie, le très bon guitariste John Calderon, Stan Sargeant à la basse, Larry Williams aux claviers et la brillante et séduisante Debbie Davis, dont les vocalises venaient discrètement soutenir le talent d’Al Jarreau. Une très belle soirée, marquée par un artiste de 68 ans qui n’a rien perdu de sa fraîcheur ni de sa générosité.

http://www.blogger.com/www.aljarreau.com

Toujours charmeur, le vieux lion n'a pas dit son dernier mot !

Au final, cette neuvième édition du Festival d’Enghien-les-Bains a largement répondu aux attentes des amateurs de musique, venus nombreux dans cette petite ville d’eau située à une quinzaine de kilomètres de Paris pour écouter du jazz dans les meilleures conditions. En programmant de jeunes artistes talentueux dans la ville et sur la scène du casino (sans même évoquer le Jazz Club en fin de soirée où nous avons siroté avec plaisir quelques coupes de champagne), il a joué son rôle de révélateur, au service de tous les jazz, sans concession ni compromis. Avec des têtes d’affiche prestigieuses, des styles aussi différents que ceux de Térez Montcalm et de Madeleine Peyroux, de Buddy Guy ou de John McLaughlin, sa remarquable organisation et sa régie technique parfaite, Enghien vient encore de consolider sa réputation, pour rejoindre celles de manifestations prestigieuses telles que Montreux, qui nous font rêver depuis notre adolescence.

Nous ne manquerons pas d'y revenir l’été prochain pour une dixième édition qui s’annonce déjà sous les meilleurs auspices.

Nous tenons à féliciter toute l'équipe du Festival et à remercier tout particulièrement Blandine Harmelin, sa directrice, ainsi que Karl Salmon-Foucher, son attaché de presse, qui ont tout mis en œuvre avec une rare gentillesse pour nous recevoir dans les meilleures conditions possibles.

Téléviseurs Plasma Pioneer PDP-LX5090H et PDP-LX6090H : Une nouvelle génération de noir encore plus noir que noir !

2008-07-09T03:51:00.012+02:00

Comme tous les fans d’écrans plats, j’ai toujours eu une petite faiblesse pour les plasmas Pioneer. Il faut dire que le constructeur japonais a fait des miracles ces dernières années pour résister à la montée en puissance de la technologie LCD. Avec la gamme G8 et son rapport de contraste natif de 1:20 000, je n’étais pas loin de penser que Pioneer avait créé LA gamme ultime d’écrans plasma, avec une qualité d’image, de couleur et de noir inégalés.

Sur le papier comme dans la réalité, Pioneer n’a donc plus rien à prouver en matière d’image et l’on aurait pu croire que l’innovation majeure de la Génération 9 tiendrait à son nouveau design slim réduisant l’épaisseur totale de l’écran à moins de 10 cm (94 mm pour être exact) . Pourtant, force est de reconnaître que l’équipe d’ingénieurs en charge du projet KURO (noir en japonais) s’est encore surpassée pour donner naissance à une nouvelle gamme de téléviseurs Plasma encore plus performante avec laquelle j’ai pu passer tout un après-midi dans les meilleures conditions de test possibles.

En matière de design, on retrouve la présentation noire laquée qui caractérise les écrans plats du constructeur depuis quelques années. A défaut d’être discret ou original, le Pioneer ne manquera pas de classe dans un intérieur contemporain, et la faible épaisseur de l’écran facilitera grandement son intégration, que ce soit au mur, ou sur le pied livré d’origine.

50 ou 60 pouces... difficile à dire sans repère, tant les deux écrans se ressemblent.

Pour l’instant, la nouvelle gamme Kuro se compose de quatre modèles : deux 50 pouces (127 cm de diagonale) et deux 60 pouces (152 cm de diagonale), tous Full HD. La différence se fait principalement au niveau de l’électronique embarquée, du tuner TNT (pas de TNT HD pour les moins chers) et de la compatibilité avec la norme DLNA (pour Digital Living Network Alliance) qui permettra d’intégrer son téléviseur dans un réseau informatique domestique sensé faciliter l’échange de médias audio et vidéo au sein du foyer.

Qu'est ce que le Digital Living Network ?

Mais revenons à l’essentiel. J’ai pu tester les deux modèles haut de gamme : le 60 pouces PDP-LX6090H (6990 euros) et le 50 pouces PDP-LX5090H (3990 euros) qui ont su me convaincre sur l’ensemble des sources que je leur ai donné en pâture.

En matière de caractéristiques techniques, la principale nouveauté vient bien sûr de la 9e génération d’écrans Plasma qui annonce un rapport de contraste natif 5 fois supérieur à celui de la précédente avec : 100 000 :1 ! Ce chiffre peut paraître abstrait dans l’absolu, surtout lorsque l’on s’était déjà extasié devant les noirs profonds et les couleurs éclatantes dont étaient déjà capable les téléviseurs de la gamme précédente. Pour mettre en valeur cette prouesse technique, Pioneer ne s’est pourtant pas arrêté à ce fameux rapport de contraste. Les modèles PDP-LX6090H et LX5090H profitent également d’un nouveau filtre acrylique frontal exclusif « Direct color Filter 3+ » qui supprime les réflexions parasites indésirables tout en optimisant les couleurs, la luminosité et le contraste en condition d’éclairage ambiant. Sa conception a aussi participé à la diminution de l’épaisseur et du poids de l’écran.

En matière d’électronique aussi, on bénéfice d’un nouveau circuit baptisé « Optimum mode » qui est chargé de vérifier la bonne synchronisation de l’image et du son, et d’adapter l’image à chaque type de programme (TV SD ou HD, DVD, Blu-ray Disc, etc…) ainsi qu’aux conditions d’éclairage de la pièce.
La gamme G9 reçoit en outre un tuner satellite SD et HD en plus du nouveau tuner TNT HD (MPEG-4) qui permettra aux fanatiques de TV de profiter dans les meilleures conditions de leurs séries préférées et des images de sport Haute Définition que l’on nous promet pour bientôt.
Pour le reste, comme l’on pouvait s’y attendre, Pioneer a doté ses porte-drapeaux de tout ce que l’on est en droit d’attendre d’un téléviseur de ce niveau de gamme. Entrées mutlimédia USB 2, trois entrées HDMI 1.3, mode 24p pour une lecture optimale des Blu-ray Disc, tout est là, complété comme il se doit par un menu riche et à la présentation novatrice, que je n’ai pas pu voir cette fois, car il n’était pas encore intégré à l’appareil.

Un piqué d’image et une lisibilité dans les basses lumières exceptionnels.

Même si Pioneer a fait de gros efforts sur les tarifs de sa nouvelle gamme, il fallait plus qu’une fiche technique alléchante pour convaincre un œil critique face à une concurrence qui n’a cessé de s’améliorer aussi bien sur le plan technique qu’au niveau des prix !.

À titre de comparaison, Pioneer avait mis à ma disposition un modèle 50 pouces de la génération précédente, installé exactement dans les mêmes conditions. Objectivement, sur une émission de la TNT (en SD) la différence est visible mais ne remet pas en cause les performances de l’ancienne génération. L’amélioration du contraste offre une sensation de piqué supplémentaire, un peu plus de lisibilité dans les basses lumières et une densité des couleurs impeccable qui rend l’image appétissante et agréable à regarder. Comme souvent chez Pioneer, le contrôle du bruit n’est pas aussi bon en PAL qu’en NTSC, ce qui donne lieu à quelques traces d’aliasing et un peu de rémanence, notamment sur les mouvements rapides. Mais cette petite faiblesse (due au fait que les japonais privilégient clairement le marché américain au marché européen) est largement compensé par une sensation de profondeur, une épaisseur des premiers plans qu’aucun LCD n’est en mesure de reproduire pour l’instant.

Sur un DVD, la différence entre les deux générations d’écrans 50 pouces apparaît avec plus d’évidence. Encore une fois, l’ancêtre se défend pourtant très bien ! Mais sur un master sans prétention, tel que celui du film de Sofia Coppola Lost in translation, le LX5090H délivre une image plus nuancée, avec des couleurs encore plus naturelles et une sensation de piqué qui ne tombe jamais dans le côté numérique. Le traitement d’image n’a d’ailleurs pas évolué et cette précision supplémentaire doit être mise sur le compte d’un contraste encore mieux maîtrisé. Dans les deux cas de figure, les lèvres rouges et pulpeuses de Scarlett Johansson sont belles à se damner, mais le surcroît de nuances dévoile avec plus d’évidence encore sur le nouveau venu cette bouche légèrement ourlée d’un dégradé de couleur chair qui donne cette fraîcheur juvénile au visage de l’actrice.

Mais c’est en introduisant un Blu-ray Disc dans le tiroir du lecteur mis à ma disposition que les performances de la Génération 9 prennent leur vraie dimension. Sur le BD de Gothika (film de Mathieu Kassovitz avec Halle Berry) on prend soudain conscience de la différence de contraste qui existe entre les deux écrans. Dans la scène finale, lorsque Halle Berry pénètre dans la grange et descend dans la cave à la recherche de la vérité, la différence de lisibilité dans les basses lumières est impressionnante. En fait, elle offre carrément au spectateur des détails invisibles sur l’ancienne génération ! En améliorant le contraste et l’adressage des pixels de la dalle, Pioneer a libéré tout le potentiel de l’image HD.
En jouant un peu avec le menu d’optimisation d’image, on pourra de plus adapter cette dernière à ses goûts personnels. Les fonctions préprogrammées permettent d’aller encore plus loin dans la recherche de neutralité en alignant l’espace couleur soit sur celui, natif, de la dalle (Gamut 1) soit sur celui de la norme PAL (Gamut 2) qui m’a semblé plus proche du naturel. On peut aussi jouer avec le contraste dynamique, à travers la fonction image DRE, qui privilégie soit le détail soit la douceur d’un rendu plus « cinéma ».

Si le 50 pouces impressionne dans ce domaine, que dire de son grand frère ! Le 60 pouces PDP-LX6090H et son mètre cinquante de diagonale paraît idéal pour celui qui cherche à se constituer une petite salle de cinéma à domicile. Dans cette dimension, on apprécie particulièrement de disposer d’une résolution Full HD… même si la mise au format d’un DVD est tout à fait remarquable. Sur le générique de Casino Royale en Blu-ray Disc, la sensation de relief est bluffante alors que la première scène de poursuite du film, au milieu d’un chantier de construction donne presque le tournis tant on se sent happé par l’image. Que ce soit en matière de détails, de température de couleur et bien sûr de contraste, le nouveau Pioneer domine clairement son prédécesseur et … largement la concurrence ! Il reste encore des petites saccades lorsque le film est diffusé en 1080p / 24 images seconde mais elles sont inhérentes au mode de diffusion et non pas à l’écran.
Dans tous les cas de figure, on se trouve en face d’une image saisissante de réalisme, qui combine précision, contraste et naturel comme aucun autre écran, et ce quel que soit son prix. Car finalement, devant une telle maîtrise technologique, il ne peut rester que cet élément pour vous retenir de craquer pour le 50 ou le 60 pouces de neuvième génération que propose désormais Pionner à son catalogue. Chapeau bas !

Petite exclusivité :

J’ai pu jeter un oeil sur le KRL-37V, le premier écran LCD 37 pouces du constructeur, fruit de l’alliance de Pioneer avec Sharp. A la base, ce téléviseur est donc doté d’une dalle LCD Sharp de dernière génération, d’un filtre couleur Pioneer et d’une électronique mixte. Au premier abord, et en comparaison directe avec certains de ses concurrents (Samsung et Sony) le résultat est plutôt convaincant, notamment en termes de piqué et de couleurs. En matière de contraste, le nouveau venu s’aligne sur ce qui se fait de mieux en LCD, sans que je puisse vous communiquer de chiffre précis. Reste qu’à 1990 euros, sans tuner TNT HD, le Pioneer aura fort à faire face à une concurrence particulièrement incisive

LCD ou plasma, le noir est de rigueur !

Nikon D700 : un nouveau reflex numérique plein format qui fait très mal !

2008-07-02T17:23:00.007+02:00

Nikonistes convaincus et amateurs experts de photo numérique, réjouissez-vous : Nikon annonce l’arrivée d’un nouveau boîtier reflex, le D700, petit frère du D3 qui couronne la gamme du constructeur japonais depuis l’année dernière. Ce nouvel appareil, qui apparaît seulement quelques mois après l’arrivée du D300 au capteur APS, se distingue justement par l’emploi d’un capteur plein format 24 x 36 qui le place en concurrence directe avec le Canon EOS 5D annoncé en fin de vie.
L’occasion surtout pour les amateurs experts de retrouver la focale naturelle de leurs objectifs Nikon (le D300 appliquant un coefficient multiplicateur de 1,6), de gagner en sensibilité grâce à des photosites de plus grandes dimensions que ceux d’un capteur APS et de mieux maîtriser sa profondeur de champ.

Dans le détail, le D700 se présente comme un croisement entre un D300 et un D3, pour un prix que l’on annonce à 2800 euros, boîtier nu. À la base, on retrouve un capteur CMOS FX (plein format) comptant 12,1 millions de pixels qui permet de grimper jusqu’à 6400 ISO dans les meilleures conditions et même jusqu’à 25400 ISO pour les amateurs de concert. Il faudra vérifier sur le terrain que cette sensibilité est véritablement exploitable. Le processeur d’image embarqué est un modèle maison baptisé Expeed qui convertit les données en numérique sous 14 bits avant de les traiter sous 16 bits.

En termes d’encombrement, on est plus près du D300 que du D3 et on reste symboliquement sous le kilogramme (merci pour le dos en reportage), mais le D700 est en magnésium et tropicalisé, comme son grand frère et s’équipe d'un beau viseur haut de gamme type D3 qui offre une couverture de champs de 95%. Pourquoi pas 100% ? Parce qu’il faut faire de la place au système anti poussière piézo-électrique du D300… que ne possède pas le D3.

Question convivialité, le D700 apparaît bien conçu et même très attirant, avec un large écran de 3 pouces et 920000 pixels reprenant la même ergonomie de menus que ses deux frères et surtout de viser avec, ce qu’il n’est pas possible de faire avec le D3. La cadence de prise de vue en rafale est de 5 vues par seconde d’origine mais peut monter jusqu’à 8 images par secondes avec l’aide de la poignée optionnelle qui offre une meilleure prise en main, un deuxième déclencheur vertical mais rajoute quelques centaines de grammes à l’appareil.

Le D700 est équipé d’un autofocus à 51 collimateurs, dont 15 centrés en croix, afin de conserver l’excellente sensibilité de ses frères en basse lumière. Enfin, et contrairement au D3, le D700 est équipé d’un flash intégré, comme le D300, qui lui offrira la possibilité de piloter d’autres flashs séparés de la marque sans l’aide d’un module externe.

Sur le papier comme sur les photos, le Nikon D700 apparaît donc particulièrement séduisant, malgré son prix très sensiblement supérieur à celui de l’EOS 5D que l’on trouve aujourd’hui à moins de 1700 euros sur le Net. Il faut dire qu’en termes de construction, les deux appareils n’ont pas grand-chose à voir, le Canon semblant beaucoup moins costaud que le Nikon. Reste que pour les propriétaires d’un vaste parc d’optiques Nikon récentes ou plus anciennes ( telles que les optiques Ais), le D700 apparaît comme LA solution attendue pour passer enfin au numérique plein format.

Propriétaire d’un D200 depuis quelques années, je ne manquerai pas de tester ce nouveau venu avec toute l’attention d’un amateur de photos de concert, un peu frustré par le manque de sensibilité des capteurs APS de cette génération d’appareils.

La sortie officielle du Nikon D700 est annoncée début juillet... c'est-à-dire maintenant ! Gageons qu'il va y avoir un peu de bousculade au comptoir des officines spécialisées.

Alanis Morissette - Flavors of Entanglement

2008-06-28T03:55:00.009+02:00

Alanis Morissette fait partie de ces petits génies de la scène pop rock que j’apprécie tout particulièrement pour la qualité de ses textes et sa capacité à m’étonner à travers une spontanéité qui la démarquent clairement de la compétition anglo- saxonne traditionnelle.

C’est pourquoi j’attendais avec plaisir la sortie de son nouvel album « Flavors of Entanglement » (Littéralement « saveurs d’enchevêtrement »… Quel titre !) qui signe son grand retour après quatre années d’absence.

Mais que s’est-il donc passé pendant ces quatre années pour que la petite Canadienne aux cheveux longs et à la verve inimitable, disparaisse de la scène internationale ? Elle est tombée amoureuse, tout simplement ! Et comme elle s’est faite plaquée, elle a retrouvé son inspiration dans la douleur, forcément !

Flavors of Entranglement n’est donc pas, à proprement parlé, un album réjouissant (pour celles et) ceux qui auront le plaisir de savourer ces textes, parfois naïfs, souvent touchants, qui parlent de la séparation, de l’amour, du manque… Autant de thèmes abordés à travers des mélodies avec une sensibilité à fleur de peau et un vrai sens poétique qu’on lui attribuerait les yeux fermés.

Pourtant, Alanis Morissette ne s’est pas contentée de composer des ballades sentimentales, comme dans le très beau « Not as we », où elle raconte le difficile retour de la pensée du couple à la solitude du célibataire pour captiver son auditoire.
Elle a aussi fait appel à Guy Sigsworth pour cocomposer et produire un album qui renouvelle son style à travers un virage électro pop comparable, dans l’esprit, à celui effectué voici quelques années par Madonna avec l’aide de Mirways. Le musicien de Frou-Frou, bien connu pour son travail sur les premiers disques de Bjork (« Post », « Homogenic » et « Verspetine » quand même !) et son succès planétaire avec Madonna « What it feels like for a girl » est d’ailleurs crédité sur pratiquement tous les morceaux, que ce soit aux programmations, aux arrangements, au piano, à l’orgue…

Et pour finir de se démarquer, Alanis a placé aux manettes Andy Page, à un ingénieur du son un peu fou pour enregistrer, mixer et masteriser un disque qui ne manque certes pas d’énergie, même si ça ne va pas toujours dans le sens de la subtilité. Pour dire les choses simplement, les amateurs de compression intelligente, mais aussi de basses profondes et de dynamique ahurissante vont être servis !

Sur le premier morceau un peu démago « Citizen of the planet », les effets sonores, mis en valeur par de violents changements de phases vous sautent littéralement à la figure… avant que le niveau ne fasse un bon fulgurant de 3 dB pour vous surprendre sur le refrain. « Underneath », déjà bien connu des radios est beaucoup moins original, mais démontre une programmation des percussions intéressantes. « Strait Jacket » laisse un arrière-goût de déjà-vu, « Versions of violence » vaut plus pour ses paroles que pour le soin de sa mélodie, « Not as we » est une belle balade au piano alors que « In praise of the vulnerable man…» vous fait exploser les oreilles à coup de basses profondes et compressées. Le suivant joue sur l’espace et ainsi de suite pour créer une ambiance spécifique comme un écrin aux textes d’Alanis. Le dernier morceau, « Incomplet », laisse entendre à dessein que le disque n’est pas terminé… et ce sera le cas pour celles et ceux qui acquerrons l’édition limitée de l’album, qui contient quelques morceaux supplémentaires, pas forcément indispensables.

Au final, Flavors of Entanglement n’est pas le meilleur album d’Alanis Morissette, mais il démontre avec un certain talent son désir profond de se renouveler musicalement, sans pour autant renier la sensibilité qui a construit son succès. Si les mélodies en elles-mêmes manquent parfois un peu d’originalité, la qualité des textes et la manière dont ils ont été mis en scène, méritent que l’on donne sa chance à cet album qui apparaît à la fois plus abouti et bien plus intéressant que la dernière pirouette d’une certaine Madonna…

Alanis Morissette
Flavors of Entanglement
Sortie le 2 juin dans les bacs chez Warner

Retrouvez cette découverte musicale et bien d'autres sur EcoutezVoir magazine : www.evmag.f

Enghien Jazz Festival

2008-06-20T14:27:00.045+02:00

Jazz dans la Ville !

Enghien Jazz Festival – Casino d’Enghien-les-Bains

Du 2 au 6 Juillet 2008

Par Christian Izorce

Passionnés de Jazz, à vos agendas ! Le mercredi 2 juillet prochain, le Festival Jazz d’Enghien-les-Bains ouvrira ses portes sur cinq jours de musique pour célébrer dignement le début d'un été qui s'annonce chaud.

En neuf annnées d’existence et grâce à une intelligente programmation, cette manifestation a permis de révéler de nombreux espoirs du jazz vocal féminin, invité à profiter de l'aura de leurs ainés pour se faire connaitre, en première partie des soirées organisées au Casino.

Nous avons ainsi pu découvrir, au fil des années, des personnalités talentueuses et désormais reconnues telles que

Lisa Doby,

Pietra Magoni,

China Moses,

Susanne Abbuehl.

Mais ce sont aussi les plus grands noms du jazz et du blues qui fréquentent assidûment la ville d’eau (en assurant la seconde partie des concerts), pour le bonheur d’un public dont la fidélité est désormais assurée.

Ahmad Jamal lors de l’édition 2004

Lucky Peterson face au public en 2005

Toujours un futur d’avance :
Herbie Hancock en 2006

Biréli Lagrène au sommet de son art (2007)

On se souviendra également avec émotion des prestations remarquables de Solomon Burke en 2005, de Carla Bley en 2006, de Dee Dee Bridgewater en 2007, pour ne citer qu’elles.

Cette année, les organisateurs ont encore frappé un grand coup puisqu’ils sont parvenus à programmer Térez Montcalm, John McLaughlin, Buddy Guy, Al Jarreau, et Madeleine Peyroux. Peut-on imaginer plus prestigieuse affiche en l’espace de cinq soirées consécutives ?

Il est conseillé de réserver, car la très belle salle du casino d’Enghien affiche un gabarit de 700 places seulement. Mais précisons qu’elle jouit d’un excellent confort et d’une acoustique très agréable, moelleuse sans être étouffée. En règle générale, la sonorisation de ces concerts est de grande qualité, avec un niveau sonore réaliste mais pas exubérant. Il s’agit donc de conditions assez exceptionnelles, qui permettent également au visiteur de profiter d’une fin de soirée au bord de l’eau … ou de se restaurer au Jazz-Club situé non loin (uniquement sur réservation), pour un dernier set de proximité donné dans une très belle ambiance lounge.

La scène du Jardin des Roses, idéalement située au bord du lac face
au Casino, accueillera trois concerts par jour (à 14 h, 17 h et 20 h).

Comme à l’habitude, Enghien vibrera donc pendant cinq jours au rythme ternaire grâce à l’abondance de manifestations quotidiennes. Le Festival Off s’y déploie en effet sur cinq scènes différentes et proposera en alternance de jeunes groupes de jazz. Ces concerts sont gratuits. Une fanfare parcourera également la ville et se laissera sans doute aller à quelques sets improvisés.

Pour tous renseignements : .:: Enghien Jazz Festival ::.

Crédits photo : Francis Barrier (couleur) et Christian Izorce (noir & blanc)

Coffret Deutsche Harmonia Mundi 50ème anniversaire

2008-06-07T20:06:00.009+02:00

Par Christian Izorce

A l’occasion du 50ème anniversaire de sa création, le célèbre label Deutsche Harmonia Mundi publie un coffret reprenant un échantillonnage varié du répertoire principalement baroque enregistré par l’éditeur. Ce coffret de 50 CD est proposé au prix très attractif d’une cinquantaine d’Euros.

On y trouvera rien moins que 47 compositeurs différents, de Giovanni Battista Degli Antonii à Jan Dismas Zelenka, en passant par les beaucoup plus fréquentés Bach, Rameau et Vivaldi. Le coffret couvre en outre une période de plus de six siècles, grâce à la présence (d’ailleurs presque incongrue) de quelques compositeurs médiévaux ! Le plus ancien d’entre eux est Pérotin le Grand (1160 - 1230), tandis que le plus moderne, Luigi Boccherini, naît en 1743 pour s’éteindre en 1805. Mais 90 % du coffret sont consacrés à des compositeurs nés après 1500. Ce coffret fait également une place de choix au maître des maîtres, Johan Sebastian Bach, dont les œuvres (les Variations Golberg, l’Offrande musicale, la Messe en si, les Suites pour violoncelle, …) occupent plus de 7 CD. Rameau et Vivaldi y sont également bien représentés. Mais des compositeurs beaucoup moins connus sont aussi présents. Les œuvres incontournables côtoient donc des plages moins connues du répertoire baroque, à l’instar de ces magnifiques Pièces pour viole et clavecin d’Antoine Forqueray, des Sonates de Jean-Fery Rebel ou du Requiem à 15 de Heinrich Biber.
Les experts pourront peut être critiquer l’absence de certains compositeurs (on pense par exemple à Marc-Antoine Charpentier, Heinrich Schütz, Thomas Tallis, pour ne citer qu’eux), et le choix des œuvres présentées. Mais pour une dépense modique, il serait dommage de passer à côté de cette collection, qui présente un large éventail d’œuvres, dans des interprétations généralement de très haut niveau - voire historiques - et d’une qualité d’enregistrement s’échelonnant manifestement de très bon à exceptionnel. Les gravures ont été réalisées entre 1986 et 1998.
A titre d’illustration, nous vous livrons ici nos impressions d’écoute des tout premiers disques que nous avons écoutés …

Johan Sebastian Bach (1685- 1750) – Suites pour violoncelle
Hidemi Suzuki
Date d’enregistrement : 1996 – DDD

Il n’est pas facile de captiver son auditoire en enchaînant les Suites pour violoncelle, même si le public est a priori acquis à la cause. Si l’on craint la saturation, on peut évidemment choisir de n’en écouter que quelques unes à la fois. Mais l’écoute prolongée de ce disque permet justement de se rendre compte à quel point Hidemi Suzuki fait vivre ces suites sans entraîner la moindre lassitude … Le caractère humain de l’interprétation est ici superbement mis en valeur par l’enregistrement lui-même, riche en micro-informations de jeu et de respiration, et qui situe l’instrument et son maître au cœur d’une belle acoustique réverbérante. Le violoncelle présente un grain magnifique, offre une palette de sonorités tendues et boisées, et jouit d’une brillance très éloquente. La prise de son contribue à bien matérialiser l’instrument, et l’on perçoit sans difficulté tout le travail de salle, qui tend à le défocaliser légèrement. L’instrument, qui ici descend très bas, est restitué de manière un peu plus corpulente qu’au naturel. Et encore … Toujours est-il que l’écoute de ce disque sur un système de qualité est un ravissement permanent … qui incite l’auditeur même hésitant à découvrir ces très belles pages sans aucune retenue.

Antoine Forqueray (1671 – 1745) – Pièces de violes et de clavecin
Jay Bernfield – Viole de Gambe
Skip Sempé – Clavecin
Date d’enregistrement : 1991 – DDD

Merveilleusement captées, ces pièces pour viole et clavecin sont un délice pour l’oreille. Forqueray n’est que d’une vingtaine d’années le cadet de Marin Marais et cela s’entend ! Mais pourquoi bouder notre plaisir ? Ces pièces cumulent tout à la fois expressivité, légèreté et solennité. La Cottin, pour clavecin seul, et La Portugaise, toute en scansion tendue, sont de pures merveilles. Finalement, ce recueil fait sans conteste de Forqueray l’égal d’un Sainte-Colombe. La prise de son est magnifique de naturel du point de vue tonal. Elle est charnelle à souhait et met en relief le jeu et la respiration mêmes des interprètes. Elle propose des instruments au corps bien matérialisé, avec une véritable extension dans le grave. Les amateurs d’authenticité écouteront ces pièces sous un volume modéré, comme il sied avec ces instruments anciens au registre naturellement peu puissant.

Christoph Willibald Gluck (1714 – 1787) – Le Cinese (Les Chinoises)
Anne-Sofie Von Otter – Schola Cantorum Basiliensis – Direction : René Jacobs
Date d’enregistrement : 1986 – DDD

C’est une distribution prestigieuse que l’on retrouve dans cet opéra de chambre (créé en 1754), qui n’est certes pas le plus connu du compositeur. Il s’agit s’il on veut d’un exercice de style à quatre : trois femmes chinoises dont Lisinga, et Silango, son frère, s’emploient à se chanter mutuellement des airs, sur fond de rivalité amoureuse légère. La scène conclusive, qui met en scène les quatre chanteurs, épilogue sur les défauts respectifs des différents styles musicaux évoqués au cours de la soirée …
L’opéra est bien le domaine de prédilection de ce compositeur cosmopolite. Né en Allemagne, le jeune Gluck entreprend à 17 ans des études de philosophie à Prague, puis de composition musicale auprès de Sammartini à Milan. Déjà auteur de plusieurs opéras, il émigre à Londres en 1745, où sa rencontre avec Haëndel tourne au sûr. Cela ne le détourne pas de ses projets artistiques. Après avoir encore parcouru l’Europe, Gluck s’installe à Vienne auprès de la famille princière de Saxe-Hildburghausen à partir de 1752, et y compose, entre autres œuvres, son séminal Orfeo ed Eurydice (1762) qui marque la « réforme de l’opéra ». Moins que le sujet peut-être, la forme des Chinoises est ici relativement classique.
On ne peut que regretter que l’enregistrement ne soit pas de meilleure qualité encore. Si les timbres des chanteurs et leur positionnement dans l’espace sont plutôt bien rendus, le reste de l’orchestre affecte malheureusement une sonorité de tonneau et une dynamique un peu tassée. Le millésime « ancien » de l’enregistrement y est peut être pour quelque chose.

Antonio de Literes (1673 – 1747) – Los Elementos
Al Ayre Espanol – Direction Eduardo Lopez Banzo
Date d’enregistrement : 1998 – DDD

Pratiquement plus connu pour ses zarzuelas (ancêtres de l’opéra comique) dont il fut un maître, Literes n’a finalement composé que deux opéras, un Didon et Enée (dont la paternité lui est d’ailleurs discutée) et les présents Elementos. Le sous-titre de cette œuvre (Opera armonica al estilo ytaliano) en indique clairement l’inspiration, à une époque où, chef de la Chapelle Royale à la cour de Philippe V, la concurrence avec les musiciens italiens invités par le nouveau roi et la suppression des salaires l’oblige à une abondante production.
Los Elementos est un opéra très agréable à entendre, qui malgré son inspiration italienne revendiquée est relevé de rythmes et airs tirés de danses typiquement ibériques. Il est de plus intégralement chanté en espagnol. L’action y est en fait assez réduite. Aux quatre éléments (El Ayre – La Aurora, La Tierra, El Agua, El Fuego) s’ajoute un cinquième personnage (El Tiempo). A l’exception des interventions ponctuelles d’un contre-ténor, ces cinq rôles sont ici tenus par des femmes. Les Éléments, tour à tour opposés puis unis dans leur action sur le monde, finissent par réveiller le Temps, qui leur rappelle sa constance, son éternité, et s’allie avec L’Air (ici associé à L’Aurore) dans la création d’un jour nouveau qui repousse les ténèbres.
L’interprétation par Al Ayre Espanol, très enlevée, a fait l’objet de nombreuses critiques dithyrambiques. Outre les chanteurs, l’effectif rassemble trois violons, une viole de gambe, un violoncelle, une contrebasse, deux guitares, un théorbe et des castagnettes. La prise de son sert à merveille cet ensemble coloré et vivant. On notera notamment une belle impression de profondeur de la scène sonore, ainsi qu’une présentation instrumentale très riche et réaliste.

Retrouvez cette découverte musicale et bien d'autres sur EcoutezVoir magazine : www.evmag.f

Josh Roseman - New Constellations: Live in Vienna

2008-06-07T19:23:00.009+02:00

Josh Roseman est un tromboniste, et rien que ce fait explique beaucoup de son parcours. Le trombone est un instrument difficile, ingrat à bien des égards, tout du moins quand il n’est pas motivé par un souffle puissant. De ce côté là, il n’y a rien à craindre : j’ai déjà eu l’occasion de raconter ici comment la verve de cet homme pouvait faire trembler les micros ( cf le reportage sur l’enregistrement du prochain disque de Bojan Z) tout en étant capable de cette délicatesse que l'on ne retrouve que chez les musiciens qui maîtrisent parfaitement leur instrument.

L’homme est donc un excellent musicien, mais il est aussi compositeur, improvisateur de talent et même réalisateur, comme le prouve son dernier album : « New constellations : live in Vienna » qui exploite un concept assez peu utilisé : le concert réinterprété en studio.
Au premier abord, il s’agit bien d’un enregistrement live. Mais Joshua ne s’est pas contenté d’une captation: il n’a pas hésité à y ajouter après coup des effets spéciaux et spatiaux (échos, réverbérations et autres petites gourmandises électro) pour dépasser l’expérience du concert.
Qu’elles soient juste interprétées ou réinventées à l’envi, de lui ou d’autres (avec notamment une belle version d’une chanson de Beattles : I should have known better), les mélodies de cet album puissant, soutenu par des musiciens de talent, oscillent entre le reggae, le jazz et la pop, sans s’emmêler les pieds. Cette juxtaposition des rythmes de la Jamaïque et du gros son d’un saxophone ténor ou d’un trombone à coulisse donne effectivement parfois le vertige, et l’envie de se laisser emporter vers les constellations dont Josh Roseman nous ouvre la voie.
Et puis, ces étoiles savent se faire plus mélancoliques, moins brillantes, plus secrètes, comme sur le très beau purpled turtles liberations, qui commence comme une ballade au piano avant de se laisser gagner par la puissance d’un pied de batterie dévastateur ( Justin Brown, compact et solaire à la fois), la basse qui le soulève ( Jonathan Maron) et les éclats de lumière électrique qui entourent les improvisations de Josh Roseman.
Un ensemble qui constitue en tout cas une expérience pleine de bonnes surprises, une œuvre mélodique et accessible qui mérite plusieurs écoutes pour se laisser totalement découvrir dans la joie et la bonne humeur d’un album qui ne se prend pas la tête…

Deux brins de techniques :

New Constellations : live in Vienna a été entièrement revisité en studio à partir des pistes enregistrées pendant un concert donné le 14 juin 2005 au Joe Zawinul’s Birdland de Vienne. On ressent immédiatement la spontanéité des musiciens…et aussi le pied terrifiant du batteur sur certains morceaux ! Sans être d’une définition renversante, la partie purement acoustique est restituée avec une bonne présence et un publique plus que discret. Les effets ajoutés, surtout lorsqu’ils jouent sur l’espace stéréophonique, la profondeur et la largeur de la scène sonore, restent parfaitement intégrés tout en apportant une dimension supplémentaire que l’oreille appréciera à sa juste valeur sur un système Hifi digne de ce nom.

Josh Roseman
New constellations : live in vienna
Chez Accurate

Retrouvez cette découverte musicale et bien d'autres sur EcoutezVoir magazine : www.evmag.f

Alain Bashung en concert à Nanterre

2008-05-31T19:55:00.005+02:00

Nanterre, 30 mai 2008, Théatre des Amandiers, 21 heures 15...

Il arrive sur scène, un peu fragile dans son costume noir cintré et son col blanc, les yeux cachés par ses lunettes noires et ce chapeau qui ne le quitte plus. Il ne dit rien, il commence juste à la guitare, quel son ! Quelle allure !
Et puis il chante et le miracle a lieu. Bashung est là, avec sa voix inimitable et ce mélange unique de mélancolie et de lucidité qui caractérisent ses derniers albums. De l’énergie aussi, insufflée par des musiciens impeccables, guitare brillante, frappe lourde et dense du pied du batteur, basse puissante et modulée, et ce violoncelliste éclectique et électrique qui pose la mélodie quand il le faut.
Bashung, quoi qu’il en pense, possède la scène avec ses gestes, ses mains qui désignent ou décrivent presque maladroitement l’espace. Pendant deux heures, il va s’exprimer devant nous avec pudeur, magnifique et seul alors que le public n’a d’yeux et d’oreilles que pour lui. Un jeu de mime, d’ombre et de lumière, ou l’artiste revisite une vingtaine de titres extraits de son répertoire récent, Bleu pétrole en tête, mais aussi Malaxe, Osez Joséphine, Je m'incendie volontaire, une Fantaisie militaire percutante avant de faire frissonner la salle avec Madame rêve, comme à l’époque…
Au milieu de ces morceaux d’émotions sans fard, alors que le chapeau de Bashung révèle plus qu’il ne cache le danger qui guette l’artiste au tournant, on retiendra aussi l’harmonica de Je me dore, la voix brisée de Samuel Hall qui nous crie sa haine et ce rappel inattendu de Nights in white satin en forme d’aveu à peine voilé par la langue, qui clôt le concert pour nous donner envie de le retenir.

Merci Alain, nous aussi on t’aime.

Alain Bashung sera en concert à L’Olympia de Paris, le 10, 11, 14 et 15 juin prochain, avant de partir en tournée sur les festivals de l’été :

En juin :
Le 28 à Pechbonieu
En juillet :
Le 5 à Rouen (à l’Armada)
Le 6 à Bobital ( au Terra Nueva)
Le 11 au Francofolies de la Rochelle
Le 13 à Liège pour le Festival des Ardentes
Le 20 au Festival de Thau
Le 24 au Festival de Jazz de Nice
Le 26 à Paleo
Le 28 à Carcassonne pour le Festival de la Cité
En août :
Le 2 à Montpazier pour le Festival Bergerac
Le 8 à Aulnoye Aymeries pour les Nuits secrètes
Le 10 à Crozon pour le Festival du Bout du Monde

Bojan Z et le Tetraband en studio - Petite chronique d’un album en devenir

2008-05-26T21:08:00.001+02:00

Le Tetraband au complet, de gauche à droite: Bojan Z,
Josh Roseman, Seb Rocheford et Ruth Goller

Bojan Z et le Tetraband en studio

Ingénieur du son : Philippe Teissier du Cros
Assistant : Julien Bassères
Enregistrement : du 1er au 3 avril 2008 au studio de Meudon

Retrouvez ce reportage et bien d'autres sur EcoutezVoir magazine : www.evmag.f

Bojan Zulfikarpasic fait partie d’une nouvelle génération de musiciens qui n’hésite pas à bousculer les habitudes. A sa manière, il renouvelle le jazz à travers des expériences audacieuses qui mélangent les genres et les cultures à la recherche d’une vraie originalité. Loin de s’endormir sur les lauriers de son dernier album Xénophonia, il est rentré en studio le premier avril dernier, avec un tout nouveau groupe baptisé Tetraband. Pour accompagner son piano et ses Fender Rhodes, il s’est entouré d’un trombone à coulisse, d’une batterie et d’une basse électrique pour nous offrir un son différent qui fait la part belle au mélange des genres. Voici le journal de trois jours d’enregistrement qui devraient déboucher dans les mois qui viennent sur un album riche en promesses.

Un enregistrement, c’est avant tout une aventure humaine. Une histoire de passion et de création qui rassemblent sous le toit d’un studio des musiciens, un ingénieur du son et son assistant pendant plusieurs jours, à la recherche de l’inspiration et de ces moments de grâce qui vont finalement aboutir, après un long processus, à un objet musical fini et cohérent. Pour ces quelques heures de tête à tête avec les micros, le musicien a souvent passé des mois à se chercher, à essayer de comprendre et maîtriser le processus créatif qui va l’inspirer, pour laisser une trace digne de l’intérêt du public et de ses pairs. Ce n’est donc pas une mince affaire, que ce soit pour un jeune musicien qui fait son premier disque ou pour un calibre international tel que Bojan Z que de prendre la responsabilité d’enregistrer un disque.

Pour le nouvel album de Bojan Z, c’est le studio de Meudon qui a été retenu par la production. Un studio que l’ingénieur du son Philippe Teissier du Cros connaît bien pour y avoir déjà travaillé. Caché derrière la façade d’une maison d’apparence banale, l’endroit est calme et agréable, avec son petit jardin, sa grande cuisine/salle à manger et son studio principal lumineux dans lequel on trouve deux pianos : un Steinway et un Fazioli amoureusement entretenus et accordés par Bernard Faulon, le propriétaire des lieux.

Bernard Faulon, veille sur le Fazioli de Bojan comme une mère sur son enfant !

En antichambre de ce studio central, on trouve la cabine d’enregistrement, dotée d’un double sas et d’une large baie vitrée, également doublée, qui permet de rester en contact visuel avec les musiciens tout en les isolant des bruits ambiants. Cette cabine est assez confortable pour accueillir l’ingénieur du son et son assistant postés aux commandes, et comprend aussi un grand canapé qui permet aux musiciens d’écouter dans de bonnes conditions ce qui vient d’être joué. Autour des deux écrans de contrôle de la station d’enregistrement (un Pro Tools installé sur un gros Mac Pro), plusieurs racks reçoivent les préamplis micros et les égaliseurs, dont certains ont été choisis pour leur âge respectable et le son particulier qu’ils délivrent. Devant la console, deux enceintes ProAc Studio 100 sur pied servent de moniteur de contrôle. Une petite paire d’enceintes que je connais bien et que j’apprécie pour sa droiture et sa neutralité, peu flatteuse mais juste.
Dans le studio proprement dit, on trouve également deux cabines hermétiquement closes par une porte vitrée qui permettent d’isoler certains instruments afin d’éviter qu’ils ne perturbent l’enregistrement du piano. Au fond, un escalier conduit à une petite balustrade qui surplombe le piano et à un salon contenant un bar et un billard dans lequel on peut encore installer un instrument ou des cœurs, par exemple.

Mardi 1 avril. Premier jour.

Philippe Teissier du Cros et Bojan Z - Les deux hommes se
connaissent bien pour avoir fait plusieurs albums ensemble.

La première mission d’un ingénieur du son est de faire en sorte que les musiciens se sentent bien, débarrassés, dans la mesure du possible, de toutes les contraintes techniques qui pourraient freiner leur expression. Philippe est un grand professionnel qui connaît bien les musiciens. Il est arrivé tôt ce matin pour préparer le studio et organiser la séance. Il n’arrive pas les mains vides mais le coffre plein de ses micros personnels, patiemment choisis pour leurs qualités spécifiques, qui viendront compléter le parc de micros du studio. Avec Julien, le jeune ingénieur du son qui va lui servir d’assistant, il commence par inspecter les lieux pour déterminer la meilleure configuration possible. Il faut faire en sorte que tous les musiciens voient Bojan, afin de garder un contact direct avec celui qui dirige le morceau. La batterie de Seb Rocheford est installée dans la salle de billard, tout au fond. Un grand miroir lui permettra de garder le contact visuel avec le piano situé en contrebas alors que la bassiste Ruth Goller viendra prendre place sur la balustrade, entre les deux musiciens. Le contact entre la bassiste et le batteur est essentiel car ils constituent la base sur laquelle repose la mélodie. Si la section rythmique ne se comprend pas, il ne peut pas y avoir de décollage. Josh Roseman, le tromboniste, s’installera dans la cabine, face à Bojan et restera en contact avec les autres via le circuit de retour de casque qui permet à tout le monde de s’entendre et de communiquer pendant l’enregistrement.

Sur cette photo, on aperçoit bien la configuration de l'enregistrement: devant Bojan, la cabine du trombone à gauche, la basse au centre, sur la balustrade qui conduit à la salle de billard ou est installée la batterie

Bojan Z arrive peu après nous. Je l’ai déjà rencontré une fois chez Philippe mais c’est avec une certaine émotion que je le salue discrètement. J’ai beaucoup de respect et d’admiration pour ce grand musicien qui a su imposer son style grâce à des compositions personnelles qui se démarquent clairement du jazz académique. Aujourd’hui, Bojan est là pour concrétiser une aventure avec son nouveau groupe, le Tetraband, qui enregistre ensemble pour la première fois. Il apparaît détendu, alors que nous l’aidons à débarquer ses instruments, un Fender Rhodes classique (acheté sur eBay !) et le fameux Xénophone, qui vont venir prendre place de chaque côté du Fazioli accompagnés de leurs amplis. Cette opération effectuée, il se met au piano pour en tester la sonorité. Philippe en profite pour lui demander s’il ne voit pas d’inconvénient à ce que l’on enlève son couvercle. Cette configuration lui permettra d’installer six micros autour de la table d’harmonie, plus ou moins proches, afin d’obtenir un son à la fois plein, clair et dynamique. Comme Bojan accepte, Bernard, le propriétaire du studio et accordeur de métier dégonde le couvercle, que nous venons poser précautionneusement sur le Steinway placé un peu plus loin.

Pendant ce temps là, Bojan est parti cherché les musiciens Une dizaine de minutes plus tard, le voici de retour avec son Tetraband. En tête, une chevelure abondante et moussue passe la porte : c’est celle du batteur Seb Rocheford. Ce jeune homme presque inconnu en France s’est déjà fait remarqué de la scène britannique où il cartonne depuis quelques années avec le groupe de jazz punk (ou bien est-ce le contraire ?) Acoustic Ladyland dont le premier album Camouflage, hommage à Jimi Hendrix, a fait sensation. Depuis, on a pu découvrir Last chance disco et leur dernier album en date Skinny Grin, encore plus déjanté et bourré de vitamines pop/rock qui alimentent un groove sauvage motivé par les coups de baguettes de ce petit prodige du rythme et de la syncope. C’est sur scène que Bojan l’a remarqué avant de lui proposer de faire partie de son nouveau projet.

Derrière lui, comme pour faire contraste, le cheveu court et la petite taille élégante, c’est Ruth Goller, bassiste, qui officie également au sein d’Acoustic Ladyland. D’origine italienne, Ruth vit à Londres depuis maintenant neuf ans, dans un appartement qu’elle partage avec quatre autres musiciens. La seule pièce commune de l’appartement a d’ailleurs été transformée en studio de répétition, ce qui en dit long sur leur investissement dans la musique ! Bassiste éclectique, Ruth joue dans plusieurs groupes, mais son goût naturel l’entraîne plutôt vers le punk.

Le contraste, il est aussi dans ce géant noir et souriant qui fait son entrée dans la cabine avec son trombone. Josh Roseman est un homme imposant qui ne manque pas de style. À peine arrivé, il lance une blague et annonce la couleur : le boute-en-train du groupe, c’est lui ! Ce compositeur-interprète, qui n’hésite pas à produire ses disques, vient tout droit de New York où il s’est fait remarquer pour ses qualités d’improvisateur. Son dernier album, New constellations : live in Vienna est un brillant mélange qui n’hésite pas à refondre le son du live à l’aide d’échos, de réverbérations et de processing rajoutés par la suite en studio pour délivrer un objet sonore psychédélique et envoûtant dont j’aurai bientôt l’occasion de vous reparler.

Comme souvent au début d’un enregistrement, l’atmosphère est studieuse et un petit peu tendue. C’est la première fois que les musiciens se retrouvent dans le studio de Meudon et chacun cherche ses marques. En installant son Xénophone, Bojan m’explique comment il l’a élaboré. « Je l’ai assemblé à partir de plusieurs Fender Rhodes d’époques différentes, dont le son n’est pas totalement identique, puis je l’ai équipé d’une petite carte électronique qui enlève une partie des médiums qui caractérisent l’instrument pour lui donner un son tout à fait particulier que je peux moduler à partir d’une petite mollette. » Ses doigts courent sur le clavier pendant qu’il joue avec le potentiomètre de l’instrument et je retrouve quelques-unes des sonorités, plus proche de la guitare que du piano électrique, qui font désormais partie du vocabulaire personnel du musicien. Bojan a également modifié son Rhodes « classique » à partir de pièces provenant d’autres instruments pour lui donner une couleur bien à lui.

Trois heures d’installation sont nécessaires à monter la batterie, trouver l’emplacement de chaque micro et surtout effectuer la balance casque des musiciens. Comme le studio n’est pas équipé de mixettes individuelles qui permettraient à chacun de faire sa balance depuis sa place, il faut régler le son de chaque casque depuis la cabine. La balance casque est une étape essentielle car elle permet à l’interprète de prendre ses repères au milieu des autres et de trouver les éléments dont il a besoin pour se comprendre. Ainsi, un batteur ne demande pas à entendre dans son casque les mêmes choses qu’un bassiste, ce qui explique que la meilleure balance pour un musicien n’est pas celle qui sonne le mieux « globalement ».

En matière de disposition des instruments, Philippe et Bojan ont décidé d’isoler le trombone du piano afin de pouvoir mieux jouer plus tard avec la structure des morceaux. Séparer les interprètes permet d’éditer et de monter les prises sans se soucier des débordements (repisse) d’un instrument sur l’autre durant l’enregistrement. De la même manière, on a choisi d’installer la batterie dans la pièce du fond, à côté du billard, plutôt que dans l’une des deux cabines plus petites, afin de ménager de l’espace autour de l’instrument et profiter ainsi du son du local sur les morceaux les plus « rock » du répertoire prévu. On s’éloigne encore du quatuor de jazz classique pour se laisser l’opportunité d’expérimenter la matière du son, tout en conservant un compromis sonore qualitatif au moment du mixage.

La configuration que Philippe a adoptée sur le piano apparaît particulièrement judicieuse mais demande un positionnement précis du couple de micros omnidirectionnels qui surplombent le flanc droit de la table d’harmonie du Fazioli. Philippe explique : « J’essaye de m’adapter à ce que Bojan aime, tout en prévoyant l’évolution de son jeu lorsqu’il va rentrer dans le son. Je sais qu’il va avoir tendance à aller de plus en plus au fond de la touche (et donc jouer plus fort) et je dois garder une réserve d’air (de dynamique) sans compromettre la précision de la prise de son ». Le calage prend quelques minutes pendant lesquelles Bojan répète inlassablement les mêmes arpèges, jusqu’à ce que le Fazioli sonne à la fois précis, dynamique et équilibré sur les petites ProAc Studio 100.

La batterie de Seb Rocheford demande également une mise en place précise pour faire face aux écarts de dynamiques que prévoient les différents styles de morceaux. Philippe explique à Julien ce qu’il souhaite faire : « Il y a des morceaux qui vont être plus rock, plus texture et avec une dynamique particulière sur laquelle j’ai envie d’avoir de la room (ce qui consiste à mettre une paire de micros au dessus de la batterie pour reprendre également le son de l’instrument dans la pièce). La plupart du temps, j’enregistre les batteries de jazz de manière assez minimaliste, en omettant à dessein les micros sur les charlestons. Mais là c’est un peu particulier, et s’il y a des petits évènements binaires, j’aurais peut-être envie d’aller les chercher au mixage. La caisse claire, on va peut-être la prendre dessous, pour avoir un son un peu pop. Grosse caisse, caisse claire, caisse claire, les charleys, tom basse, tom médium et une paire de micros de room : ça fait dix micros, comme ça on est bien ! ».

Pour la basse de Ruth, Philippe mélange le son direct de l’instrument, récupéré à travers un boîtier DI ( Direct Injection Box : petit boîtier qui abaisse l’impédance de sortie du signal de la guitare et le symétrise pour lui permettre de parcourir de longues distances jusqu’à la console) au son indirect d’un ampli basse placé, avec le micro qui le reprend, dans la première cabine étanche.

La configuration du trombone va également demander un certain temps d’adaptation car Josh Roseman joue très fort et fait peur aux micros ! Au départ, Philippe a opté pour un Neumann (statique) et un micro à ruban dont il combine le son pour retrouver le timbre si particulier de l’instrument à coulisse. Mais après plusieurs essais, Philippe, Josh et Julien optent finalement pour un modèle dynamique à la place du Neumann, plus à même de supporter le souffle formidable du tromboniste. Il faut dire que ce monument est capable de passer d’un filet de gaz à la godasse de plomb avec une aisance assez impressionnante, ce qui ne facilite pas non plus le travail du préampli micro, dont Philippe ajuste le niveau à de nombreuses reprises avant de le changer carrément pour un modèle qui présente un meilleur compromis à fort niveau.
Finalement, autour de midi, tout le monde est calé et Bojan décide de nourrir son petit groupe pour mieux se préparer à l’enregistrement. Après un repas indien vite avalé, tout le monde est prêt à se lancer et c’est le début proprement dit de cette première séance. Au départ, les musiciens n’ont pas encore trouvé leur unité et semblent jouer chacun de leur côté. Mais au fur et à mesure des prises et des écoutes qui suivent, chacun prend sa place au sein du groupe et la musique trouve sa voie vers la console. Bojan ne fait pas partie de ces musiciens capricieux qui jouent la star à tout bout de champs. Au contraire, tout en apparaissant très concentré, il reste abordable et ouvert aux remarques des autres membres du groupe, afin de trouver le meilleur équilibre possible dans la mélodie. Un premier morceau puis un deuxième, répétés à plusieurs reprises, donnent une première vraie idée de ce que le projet pourrait devenir. Greedy est une mélodie entêtante qui se ballade à la frontière du jazz et de la pop, alors que celle que l’on appelle encore « Take 9 » se recentre clairement sur le jazz, avec l’opposition intéressante entre la frappe technique et rapide de Seb, la basse groovy de Ruth, la lumière puissante de Josh et le jeu tout en nuance et en fluidité de Bojan.
Cette première journée se termine vers 21 heures sur un constat positif. Le travail a bien commencé, le groupe interagit bien et Bojan apparaît impatient d’écouter les premières mises à plat chez lui.

2 ème jour

Ce matin, l’ambiance est nettement plus détendue qu’hier. Maintenant que la configuration est en place, que les musiciens se sont prouvés qu’ils pouvaient jouer ensemble, tout le monde est plus à son aise. Bojan arrive avec des croissants et le sourire. Visiblement, ce qu’il a entendu sur le CD de mise à plat qu’il a emporté hier soir lui a plu. On rentre ici totalement dans la psychologie des musiciens, mais l’acte de création nécessite ce petit temps d’adaptation et de recul pour se concrétiser librement. Bojan a beau être un grand professionnel, qui tourne toute l’année et connaît son instrument par cœur, il est toujours aussi curieux et anxieux de réaliser ce qu’il entend dans sa tête et l’énergie positive qu’il met dans son projet fait plaisir à voir.
Cette seconde journée commence donc rapidement après un café et l’échauffement des musiciens est placé sous le signe de la confiance. Il est toujours impressionnant de voir un groupe d’interprètes de ce niveau se mettre à l’œuvre. Evidemment, chacun a répété en solo, et certains d’entre eux ont déjà joué ensemble en concert, mais cette facilité apparente, cette manière instinctive de rentrer dans la musique, m’apparaît avec une évidence rare, alors que les doigts de Bojan passent d’un clavier à l’autre.
Au milieu de la matinée, Josh Roseman, le tromboniste, nous fait part de son inquiétude par rapport à ce qu’il entend dans son casque. Philippe gère le musicien avec tact, tout en marquant les limites de ce qu’il est capable de faire dans le temps qui lui est imparti. La solution, qui tiendrait dans un micro spécifique (un Sennheiser MD 441-U) qu’il sait approprié à son jeu, n’est pas disponible. Mais Philippe finit par le convaincre que la solution adoptée permettra sans problème d’obtenir un résultat satisfaisant au mixage. Personnellement, le son du trombone me semble déjà tout à fait conforme à ce que j’entends en direct, mais il est évident que chaque musicien travaille son propre son, comme une marque de fabrique qu’il tient à retrouver sur le disque.

Plusieurs prises du même morceau (August Song) sont ensuite enregistrées consécutivement avant que le groupe se retrouve en cabine pour écouter et comparer ses impressions. Comme souvent, bien que le dernier jet semble globalement le plus abouti, certaines phrases provenant d’autres prises plaisent plus à Bojan. Il s’en suit une répétition qui dérive sur une nouvelle prise. Bojan a demandé à Philippe de laisser tourner (c’est-à-dire de tout enregistrer), conscient que certaines phrases non préméditées peuvent donner d’excellents résultats au final, les musiciens se montrant parfois plus libres d’essayer quelque chose lorsqu’ils oublient qu’ils sont captés. Une fois que le morceau aura été exploré sous plusieurs axes, Bojan prendra le temps de tout réécouter chez lui et de sélectionner ce qui convient le mieux à sa vision du morceau dans chaque prise.

En fin d’après-midi, le quatuor nous gratifie d’un morceau aux frontières du punk, avec une base rythmique claquante. Bojan est allé voir Seb pour lui demander de se lâcher. Il faut dire que malgré sa participation à l’énergie d’Acoustic Ladyland, Seb Rocheford n’a rien d’un barbare, bien au contraire ! Il est capable d’une grande délicatesse de jeu, pour s’adapter précisément au répertoire qu’il aborde. Mais cette fois-ci, Bojan a besoin de toutes les ressources dont il est capable pour explorer le rythme en s’appuyant sur la basse tendue et modulée de Ruth. Comme le groove s’installe, le trombone prend la note au vol alors que le mélange de piano et des Rhodes de Bojan vient surfer avec virtuosité sur la mélodie, passant tour à tour du premier au second plan. Un cocktail détonant qui nous fait, Philippe, Julien et moi, tressauter sur nos fauteuils. Du bon, du très bon dès la prise, dont on peut attendre le meilleur une fois que l’ingénieur du son aura pratiqué sa magie au mixage.

Il y a de l'énergie dans cet homme là !

La séance se conclut par une nouvelle composition virevoltante de Bojan, qui s’inspire clairement de la musique balkanique. Pour enrichir son vocabulaire musical, il ajoute un clavier et une M-Box à son set. Le groupe est chaud, en confiance après l’écoute du résultat des prises précédentes, et la musique prend facilement naissance sous leurs doigts et dans le souffle puissant et maîtrisé de Josh, qui donne toute sa mesure pour apporter cet aspect cuivré qui caractérise souvent les airs traditionnels d’Europe de l’Est. Pourtant, les musiciens n’hésitent pas à reprendre de nombreuses fois une phrase ou une section complète du morceau, à la fois pour tenter de nouvelles choses, mais aussi pour mieux correspondre à la vision que Bojan a du morceau.

Il est près de 22 heures quand le groupe s’arrête finalement, apparemment satisfait du résultat. Ce soir Bernard Faulon nous a très gentiment préparé à dîner et nous nous installons dans la bonne humeur autour de la grande table de la cuisine pour partager le vin apporté par Bojan, et les excellentes bouteilles de bordeaux que Bernard a sorti de sa cave.

3 ème jour

Ce troisième jour est important, puisqu’il est le dernier de la session et qu’il reste pas mal de morceaux à explorer. Mais les musiciens semblent en forme, bien reposés et personne n’est inquiet. La fin de la matinée et le début de l’après-midi sont consacrés au fignolage de deux des titres déjà enregistrés sur lequel le groupe semble avoir désormais un peu plus de recul. Si bien que ce n’est que vers 17 heures qu’ils attaquent finalement les trois derniers morceaux du répertoire prévu qui n’ont pas encore été accouchés. Avec le soleil rasant le toit du studio de Meudon, la lumière est propice à quelques belles photos, mais aussi à quelques séquences vidéos que j’enregistre en essayant de ne pas déranger les musiciens et la prise de son. Je m’enferme un moment avec Seb, le batteur, pour filmer son jeu. Le niveau dans la pièce est ahurissant, tellement ce jeune homme au groove impressionnant joue fort ! De quoi faire exploser la plupart des systèmes audiophiles qui tenteraient de le restituer à niveau réaliste ! D’une manière générale, assister à une prise de son permet toujours de se remettre les idées en place, tant au niveau des timbres (le piano Fazioli est une vraie merveille en ce sens, tant il sonne différemment sous les doigts de Bojan et ceux de Bernard), qu’en termes de niveau sonore. Seule la basse électrique de Ruth et les Rhodes de Bojan, qui par définition ne donnent quasiment aucun son direct, permettent de s’y retrouver sans surprise. Les autres instruments, que ce soient le trombone, le piano ou la batterie, dégagent une telle énergie que très peu de chaînes hifi, même de très haut de gamme, seraient en mesure d’en reproduire la dynamique et le niveau sans tomber dans une distorsion insoutenable, sans même évoquer les problèmes d’acoustique qui découlent d’une telle bande passante. Il suffit pour s’en convaincre de « subir » les claques assénées (à un mètre de la console), par les deux petits boomers des ProAc Studio 100 motivés par un gros amplificateur Crown. Un vent sur les joues qui est pourtant loin de reproduire le niveau de la grosse caisse de Seb, ou les attaques du trombone de Josh...

En regardant Philippe travailler, on prend aussi conscience de l’importance du savoir faire de l’ingénieur du son, dont les partis pris d’enregistrement détermineront ce qu’il sera possible de faire de cette matière brute au moment du mixage. Ainsi, Philippe, qui a plus de 25 ans de métier derrière lui, mêle avec intelligence des choix d’enregistrement dictés par son expérience à une capacité d’improvisation qui lui permet de proposer des options différentes à Bojan. À l’image de cette porte ouverte entre la cabine du trombone ou de la batterie et le studio principal, qui change légèrement l’acoustique de la prise de son, quitte à perturber un peu l’enregistrement du piano.

Une attitude que l’on retrouve également chez Bojan Z, qui n’hésite pas à intégrer les autres musiciens à son processus créatif, afin de profiter au mieux de leurs ressentis et de leurs idées, sans pour autant dévier du fil directeur qu’il s’est fixé pour chaque morceau. Petit à petit, je commence d’ailleurs à comprendre l’unité qui se dégage du projet développé par Bojan, au-delà de la richesse et de la diversité des styles employés. Des frontières du jazz et de la pop jusqu’aux accents balkaniques de ses origines, Bojan fait son tour du monde musical, en suivant ses envies et ses influences, sans forcer le trait, mais avec l’énergie qui le caractérise, cette clarté de jeu qui stimule l’oreille et l’accroche à la mélodie. L’influence du duo basse-batterie venue du punk jazz anglais se fera sentir dans cette capacité à libérer un groove puissant autour de la mélodie, tout en étant capable d’exploser les frontières entre les genres pour faire renaître le morceau. Comme le phrasé du trombone qui perce la bulle et décale à volonté l’âme de la partition. Autant d’atouts sur lesquels Bojan Z s’appuie pour développer un jeu qui s’amuse du rythme sans lui être infidèle, force la dynamique pour mieux la contrôler et rebondir avec une aisance qui fait l’admiration et le sourire de l’auditeur.

Les musiciens joueront ce soir-là jusqu’à 22 heures 30, afin de donner forme à une dizaine de morceaux que Bojan va maintenant réécouter tranquillement chez lui, éditer, découper, avant de revenir vers Philippe pour le mixage. L’enregistrement est terminé, mais le travail est loin d’être fini. Il faut maintenant démonter batterie, câbles et micros, tout remballer et sauvegarder la musique sur plusieurs disques durs pour ne pas risquer de perdre accidentellement trois jours de travail.

L’aventure du Tetraband ne fait que commencer, puisque le groupe part en tournée dès le lendemain matin pour trois dates à Amsterdam, Vienne et Berne. Un autre type d’expérience, tout aussi exaltante, en attendant la suite des évènements qui donneront naissance au premier album de Bojan et de son Tetraband.

Je tiens à remercier tout particulièrement Bojan Z et Philippe Teissier du Cros de m’avoir permis d’assister au premier pas de cet album, Bernard Faulon pour sa convivialité et son intérêt, Julien Bassères, et tous les membres du Tetraband, Josh Roseman, Seb Rocheford et Ruth Goller pour avoir supporté ma présence et mes appareils de prise de vue pendant les enregistrements.

Crédit photo:
Les images de cette page ont été réalisées par mes soins à l'aide d'un Nikon D200 équipé d'un zoom AF-S Nikkor 17-55mm 1:2.8 G ED. Merci de ne pas reproduire sans mon autorisation préalable.

A l’occasion du concert de clôture de saison de tm+ Une interview de Laurent Cuniot

2008-05-24T17:07:00.011+02:00

Musique contemporaine

par Christian Izorce

Que le lecteur d’Ecoutez Voir se rassure ! La musique contemporaine n’est pas le seul domaine qui me passionne et j’aurai probablement l’occasion de vous faire partager mes autres goûts et découvertes en matière musicale. Si elle n’est pas le seul terrain musical que je fréquente, elle est en revanche un de ceux que j’arpente avec le plus d’appetit et de curiosité, et ce depuis d’assez nombreuses années. Rien ne m’y prédestinait, et en tout cas pas une éducation musicale qui m’aurait a priori familiarisé avec les écritures sérielle, probabiliste, spectrale ou avec quelque autre concept typiquement contemporain. Pour ma part, pas non plus d’appartenance à des cénacles très fermés d’érudits nombrilistes … Non, la création contemporaine actuelle n’est pas qu’une musique pour techniciens ou musicologues, ce que l’on lui reproche souvent ! Et donc, le goût de la découverte, de l’expérimentation sans limite imposée, la recherche du jamais entendu (ou vu) m’ont toujours guidé en matière artistique. Et m’ont notamment amené vers tm+, ensemble orchestral de musique d’aujourd’hui, auquel j’ai récemment eu l’occasion de consacrer un premier article sur ce blog. J’y soulignais déjà que cette formation suit une démarche constante de programmation mixte (entre nouvelles créations et œuvres du répertoire) et de collaboration étroite avec les compositeurs. Ceci rend ses concerts à la fois très vivants et « actuels », mais aussi plutôt accessibles, pour qui fait preuve d’un minimum de curiosité. Nous avons retrouvé cette formation le 23 Mai dernier et avons réalisé, en exclusivité pour nos lecteurs, une interview de son chef et directeur artistique Laurent Cuniot.

CI – Bonjour et merci de nous recevoir.
Laurent Cuniot – Bonjour …

CI - Laurent Cuniot, comment être vous entré en musique contemporaine ?
LC - Entré en musique contemporaine ? (rire) … Disons que j’y suis venu par l’envie de composer, alors que j’étais encore élève au Conservatoire … Et cela m’a naturellement amené à découvrir les compositeurs de mon temps.

CI - Mais cette vocation de compositeur semble passée au second plan aujourd’hui …
LC - Il est vrai qu’aujourd’hui, vu de l’extérieur, mon activité de chef, très liée néanmoins à la création grâce aux collaborations actives que nous développons avec les compositeurs, a pris le pas sur celle de compositeur. Mais, je vais revenir à la composition (sourire) … que je n’ai jamais vraiment quittée !

CI - Que signifie exactement « tm+ » ?
LC - On peut dire qu’aujourd’hui le sigle « tm » signifie « territoires musicaux ». Mais historiquement, l’ensemble s’est constitué en plusieurs strates, autour d’un trio initial fondé dès 1977. Il s’agissait du « trio musical + », formation alors spécialisée dans l’exploration de la lutherie électronique de l’époque, c'est-à-dire principalement les outils de synthèse sonore analogique. Nous étions en fait adossés au grm (Groupe de Recherche Musicale de l'INA), dont nous étions en quelque sorte l’organe de création des oeuvres, à l’instigation de François Bayle, son directeur. Nous étions très à la pointe de la recherche électro-acoustique et interprétions exclusivement des créations, c'est-à-dire de nouvelles œuvres qui venaient juste d’être composées. Nous explorions parfois aussi le domaine de l’improvisation. Mais la formation et la vocation de l’actuel tm+ ont vraiment pris corps vers 1986, avec le septuor que nous constituions à l’époque (violon, violoncelle, clarinette, cor, percussion et deux synthétiseurs). J’y occupais alors le poste de violoniste et de chef. A cette époque nous n’interprétions également que des créations, exclusivement suscitées par la forme même de l’ensemble. Progressivement j’ai introduit à notre répertoire des œuvres du répertoire, et progressivement aussi d’autres musiciens nous ont rejoints. Aujourd’hui l’ensemble compte vingt musiciens permanents, auxquels s’ajoutent des musiciens invités.

CI - Pourriez-vous citer cinq ou six œuvres contemporaines à découvrir, à destination de ceux de nos internautes qui sont peu familiers avec ce domaine musical ?
LC - Il est évidemment difficile de répondre à une telle question. Il faudrait sans doute considérer d’une part le public de culture classique, d’autre part le public n’en possédant pas ou peu, et qui est finalement peut être plus ouvert à ce que le répertoire contemporain peut représenter d’inouï, d’expérimental … Ce répertoire reflète d’ailleurs davantage ce qui est en nous, le monde tel qu’il est aujourd’hui, la vitesse de la vie actuelle … beaucoup mieux que la musique des siècles passés. Pour le premier public, je citerais volontiers des compositeurs tels que Dutilleux et Messiaen, qui restent d’une facture relativement classique. Pour ceux qui sont prêts à aborder d’autres contrées, je prescrirais la découverte de compositeurs vraiment actuels, qui intègrent une part de l’héritage contemporain du milieu du 20ème siècle tout en souhaitant quand même rester audibles … et programmés ! Ils réalisent une synthèse entre les acquis de l’avant-garde, son vocabulaire spécifique, et la possibilité d’être entendus et appréciés spontanément au concert. Car il est vrai que pendant les années 50 par exemple, l’avant-garde est allée très loin dans l’expérimentation, ce qui est un bien pour la musique, mais qui l’a rendu parfois hermétique, moins accessible en tous cas. Pour revenir à la question, j’aurais envie de citer l’excellent livre de Pierre Gervasoni (« La musique contemporaine en 100 disques »), ainsi que des compositeurs tels que Tristan Murail, Gyorgi Ligeti, et un compositeur actuel qui lui est très proche, Bruno Mantovani … Pascal Dusapin également. Mais la découverte de ce monde doit absolument passer par le concert, et par l’appréciation par le public du niveau d’excellence, de la virtuosité auxquels les musiciens qui se consacrent à ce répertoire sont parvenus. C’est un élément très important … celui de la découverte d’interprètes d’exception, et la possibilité d’être en contact direct avec les compositeurs, ce que nous tentons constamment de favoriser.

CI - Quelques mots maintenant … peut être même quelques scoops, sur la saison 2008/2009 ?
LC - Tout d’abord, nous effectuerons une tournée en Scandinavie en Octobre, où nous jouerons des compositeurs danois et français. De retour en France, nous programmons un concert-rêverie d’environ une heure, où les œuvres s’enchaîneront les unes aux autres, autour des compositeurs aussi divers que Rameau, Messiaen, Mantovani justement, et Debussy. Ensuite, nous aurons le plaisir de programmer un opéra-bouffe, qui sera donné début Janvier à la Maison de la Musique de Nanterre : Les quatre jumelles de Régis Campo, d’après la pièce de Copi. Nous donnerons également, dans l’espace de projection de l’Ircam, une pièce d’un compositeur italien, Andrea Vigani, qui nécessite la mise en oeuvre d’un important dispositif de spatialisation du son. Et au même programme, le Pierrot Lunaire de Schönberg, que nous essaierons d’interpréter dans l’esprit même du Sprechgesang (« chant parlé ») de l’époque, c'est-à-dire avec dans le rôle titre une comédienne allemande, Isabel Menke, plutôt qu’une chanteuse.

CI - Pas de compositeur à l’honneur la saison prochaine ?
LC – Non, pas cette année.

CI - Merci Laurent.
LC - Merci et à bientôt, pour la présentation de la saison 2008/2009 (Samedi 11 octobre 2008 à 18h30, date sous réserves)

Concert La Rose des Vents – Vendredi 23 Mai 2008 – Maison de la Musique de Nanterre – Grande Salle

Laurent Cuniot nous proposait donc, pour le tout dernier concert de cette saison 2007/2008, une palette d’œuvres haute en couleur, en forme d’incitation au voyage, inspirée du cycle de Mauricio Kagel intitulé La Rose des Vents. Rappelons par ailleurs que quatre concerts de tm+ avaient mis Philippe Manoury à l’honneur cette année. Le programme de ce concert donnait encore à entendre deux œuvres récentes de ce compositeur, dont Instants Pluriels, une commande dont tm+ est le dédicataire, et donnée ce soir là en création mondiale.

L’orchestre nous emmenait tout d’abord à la découverte du Nord-Ouest, composé en 1991 par Mauricio Kagel. Cette pièce, ainsi que Sud, donné en seconde partie, fait partie de son cycle La Rose des Vents (Stücke der Windrose). Kagel est sans aucun doute l’une des figures les plus ostensiblement drôles de l’univers des compositeurs d’aujourd’hui. Sa fascination pour les sonorités « étrangères » sinon étranges, pour les effectifs hors-normes, pour une certaine forme de théâtre musical, son attitude constante d’explorateur sans frontière en font une personnalité excessivement attachante dont la plupart des œuvres restent accessibles en première écoute, même pour le "non-initié".

Nord-Ouest se déploie tout d’abord comme une marche lente et plaintive à l’insolite polyrythmie, suivie par une seconde partie au contraire très enlevée. On y retrouve des fragments de musique andine qui résonnent comme des évocations de lieu beaucoup plus que comme de véritables citations musicales. Mais légèreté et chromatisme instrumental restent les déterminants de cette œuvre qui utilise quelques instruments exotiques (harmonium, sifflets). Tout au long de l’exécution, le chef Laurent Cuniot jouait effectivement le jeu de la contemplation, le regard tout d’abord fixé au Nord-Ouest, puis vers les autres points cardinaux du cadre de la scène, pour finalement descendre de son estrade et s’y asseoir, pensif, à l’issue du morceau.

Oi Kuu, de Kaija Saariaho, pour clarinette et violoncelle, venait en deuxième pièce. Ce duo a été composé en 1990 par la compositrice finlandaise, et constitue, au moins par sa brièveté et sa concision une manière de contrepoint aux superbes Du Cristal et … A la fumée, œuvres plus monumentales composées à la même époque (et dont on ne saurait trop recommander l’écoute). A la clarinette, Francis Touchard, ample chemise cubo-tachiste noire et blanche. Au violoncelle, Florian Lauridon, vêtu de fines rayures verticales. Ce duo tout en contrastes allait déployer la maîtrise dont il est capable pour tisser d’un souffle et d’un frottement une fine étoffe moirée. Issu du silence, l’accord liminal parfait entre vent et cordes se distendait bientôt et révélait les fêlures timbrales de chaque instrument. Une œuvre très contemplative, plutôt intérieure, elle aussi bien dans l’esprit du concert.

La soprano Rayanne Dupuis et tm+ dans Cruel Spirals - crédit photo Christophe Alary

Pour clore la première partie du concert, tm+ donnait, en création française, les Cruel Spirals pour soprano et ensemble (2007) de Philippe Manoury. Il s’agit ici d’une œuvre éminemment référentielle, basée sur des écrits de Jerome Rothenberg, poète américain rencontré par le compositeur lors de son actuelle résidence à San Diego. On assistait tout d’abord à la projection de la lecture du cynique « Cruel Majority » par son auteur, lequel poème est musicalement repris par Manoury dans le premier et le dernier mouvements de cette œuvre en neuf tableaux. Cette introduction et cette coda aux faux airs de Pierrot Lunaire font partie des mouvements sarcastiques et expressionnistes de l’œuvre. Mais il s’agit une composition très variée, qui se déplie comme un livre d’images musicales, alternant en un schéma symétrique des parties incantatoires et des mouvements plus douloureux d’un grand pouvoir émotionnel. Ces derniers sont inspirés de la série de 14 Stations écrites par Rothenberg. Quatorze camps nazis. Cinq évocations musicales de cet univers. Il s’y développe un climat évoquant la plainte, dont l’exécution en quart de ton contribue à faire ressortir la profondeur mais aussi l’angoissante beauté. Un lent battement de cœur continu, scandé à la grosse caisse, supporte et ajoute de la tension à ces mouvements.

Après l’entracte, départ vers le Sud de Kagel. Un sud de faux-semblants enfin révélés, lorsque qu’un motif rythmique de tarentelle se dilue peu à peu dans le temps, en se difractant comme par passage dans un prisme. Les composantes visibles (ici audibles) qui apparaissent dans ce spectre illustrent alors une forme d’amertume et de mélancolie. Les musiciens étaient de nouveau les comédiens de ce petit théâtre musical et ajoutaient du sens à l’œuvre par le biais de leurs gestes et attitudes. Ils achevaient d’ailleurs les derniers accords de la pièce d’une manière quasi-mécanique et dans un état apparent de pétrification et d’accablement.

tm+ interprétant Instants Pluriels - crédit photo Christophe Alary

Point d’orgue de la soirée, les Instants Pluriels de Philippe Manoury, composés en 2008 à San Diego, et dont on aurait souhaité qu’ils durent plus longtemps encore. Durée, instant, là sont bien les mots-clés de l’œuvre, qui repose sur les conceptions avancées de l’auteur sur le temps dans la musique. Un temps musical qu’il oppose par exemple au temps littéraire. Le propos de Manoury est aussi de faire ressortir le côté fragile et précaire des notions de simultanéité et de causalité, la construction d’une œuvre musicale ne renfermant pas la même exigence chronologique que celle d’un roman (exception faite peut être des expériences d’un Robbe-Grillet en la matière ?). Pour faire ressortir le caractère spécifique que ces instants peuvent acquérir selon la manière dont ils sont présentés, l’orchestre se subdivisait en deux sous-ensembles d’effectif équivalent, conduits l’un par Philippe Manoury, l’autre par Laurent Cuniot. Dans une figure de tandem ajusté à la microseconde, les deux chefs s’adressaient constamment des coups d’œil ou autres signes plus marqués de synchronisation. Et les deux ensembles se renvoyaient ainsi l’écho d’une composition qui, pour être sous-tendue par une mathématique complexe, n’en était pas moins étonnamment lisible et évidente pour l’auditeur. D’une position bien centrée dans la salle, on ne perdait rien en effet, ni de l’origine géographique précise de chacun de ces instants musicaux qui la structurent, ni du rayonnement global, alterné, conjoint ou glissant, de ces deux formations. Les déphasages sonores induits n’en étaient que plus éloquents.

tm+ donnait donc une fois de plus un bel exemple de partenariat entre compositeur et formation musicale. Si l’on excepte sa très prochaine participation au Festival di Nuova Musica au Palais Farnese de Rome (le 5 Juin) et au Concert des Jeunes Compositeurs du Conservatoire de Nanterre (le 14 Juin), il faudra désormais attendre la rentrée prochaine pour pouvoir assister à sa nouvelle saison …

Christian Izorce remercie Laurent Cuniot, Catherine Navarro et Christophe Alary pour leur aimable concours.

Discographie sélective :

Mauricio Kagel

Stücke der Windrose : Osten, Süden, Nordosten, Südosten ; Phantasiestück
Govert Jurriaanse : flûte – Marja Bon : piano – Schönberg Ensemble direction Reinbert de Leeuw

Editeur : Montaigne Auvidis/WDR (1994)

Kaija Saariaho

Works for cello (Petals, Oi Kuu, Spins and Spells, Mirrors, Sept Papillons, Près)
Alexis Decharmes : viloncelle - Nicolas Baldeyrou, clarinette - Jérémie Fèvre, flûte

Éditeur : Aeon 637 Harmonia Mundi (2006)

Du Cristal ,... à la fumée, Nymphea
Los Angeles Philharmonic - direction. Esa-Pekka Salonen - Kronos Quartet - Anssi Karttunen : violoncelle - Petri Alanko : flûte*

Éditeur : Ondine ODE 804-2 (1993)

Bibliographie :

« La musique contemporaine en 100 disques » par Pierre Gervasoni – Editions MF / Un guide d’écoute

Poursuite de la saison musicale de l'ensemble tm+

2008-05-14T00:56:00.023+02:00

Musique contemporaine

L'ensemble tm+ à la Maison de la Musique de Nanterre
Prochain concert le 23 mai, au même endroit

Le Geste – Concert du Dimanche 23 Mars 2008
par Christian Izorce

L’ensemble tm+ s’investit depuis plus de vingt ans dans l’interprétation sélective et clairvoyante d’œuvres de notre temps. Créée en 1986 par Laurent Cuniot qui la dirige depuis lors, cette formation protéiforme défriche inlassablement les territoires parfois arides de la musique contemporaine, le plus souvent dans le cadre de partenariats étroits avec les compositeurs.

L. Cuniot en présentation de saison (C.Izorce)

C’est ainsi qu’en Mars dernier, l’ensemble donnait, à la Maison de la Musique de Nanterre, un concert de chambre placé sous la thématique du geste, associant des œuvres de Kaija Saariaho, Philippe Manoury et Philippe Hurel. Comme à son habitude, Laurent Cuniot avait conçu un programme didactique, contrasté mais cohérent, pour le plus grand plaisir d’un public certes initié, mais qui remplissait sans peine l’Auditorium Rameau. Preuve supplémentaire de la réputation dont jouit cet ensemble, les trois compositeurs étaient venus assister à l’exécution de leurs œuvres.

Le compositeur et enseignant Philippe Manoury, né en 1952, était cette saison mis à l’honneur par tm+, qui lui consacrait quatre concerts.

Crédit photo brahms/ircam

Manoury, dont le nom est étroitement associé à l’IRCAM, revendique une filiation naturelle avec des compositeurs tels que Boulez, Stockhausen et Xenakis, et avoue un fort tropisme pour les processus compositionnels, souvent mis en œuvre chez lui à l’aide de l’outil informatique dont il est l’un des spécialistes. C’est ainsi que Jupiter (pour flûte), Pluton, La Partition du Ciel et de l’Enfer, Neptune, qui figurent parmi ses œuvres les plus connues (et, pardonnez cet abus, les plus citées) font appel au traitement du signal en direct ainsi qu’à la captation et à l’exploitation temps-réel des modes de jeu des instrumentistes. Il en résulte des pièces dont le procédé de composition est rigoureusement codifié, mais qui sont sans cesse renouvelées au gré de leurs exécutions - malheureusement trop rares, à l’instar de nombreuses œuvres contemporaines -, et dans lesquelles les interprètes agissent sur leur déroulement même. L’attrait pour l’évolution du motif musical au sein de compositions régies par des lois plus ou moins contraignantes se retrouvait à des titres divers dans toutes les œuvres de ce concert même s’il ne faisait pas appel à l’électronique.

Le programme commençait donc par l’étourdissant Solo pour vibraphone de P. Manoury, interprété de mémoire et de façon extrêmement virtuose par un Florent Jodelet à la fois très en forme et incroyablement précis. Cette pièce, très difficile pour l’interprète, affiche un chromatisme délié soutenu par un tempo souvent rapide, en alternant passages délicats et soudaines éruptions sonores (surprenants et éclatants clusters). Mais elle fait surtout appel au contrôle de la résonnance des lames du vibraphone, qu’il s’agit de freiner d’un geste approprié au moment voulu par le compositeur. En dépit du caractère naturellement cristallin et aérien de l’instrument, il s’agit donc d’une pièce très tenue, sous-tendue par une logique implacable, qui fixe pour chaque frappe individuelle des conditions de début et de fin rigoureusement définies.

L’on passait ensuite à Terrestre, composé en 2002 par K. Saariaho, qui constitue en fait le second mouvement de son concerto pour flûte Aile du Songe. L’effectif réunissait flûte solo, percussion, harpe, violon et violoncelle. Basée sur un recueil de poèmes de Saint-John Perse consacré aux oiseaux (« Birds »), la ligne soliste parfaitement maîtrisée par Gilles Burgos y fait grand usage de modes de jeu explorés au vingtième siècle (exacerbation et vocalisation du souffle, whistle-tone) … Une pièce un peu plus technique, plus démonstrative peut être que d’autres opus de la compositrice finlandaise, très habile à peindre de vastes fresques sonores en constante évolution, et qui reste toujours très attachée à déployer un savant espace tonal, subtil travail sur les timbres, affirmant ainsi une filiation revendiquée avec le courant dit spectral.

Retour au solo, ici dédoublé, des Loops III pour deux flûtes, composé par Philippe Hurel. Pièce qui n’est pas sans rappeler l’esprit des Sequenze de Luciano Berio, notamment pour son aspect théâtral et virtuose, obligeant physiquement les solistes Anne-Cécile Cuniot et Gilles Burgos à traverser l’espace de la scène pour suivre une longue partition déployée sur plusieurs chevalets. Ici, le traitement compositionnel vise notamment à faire fusionner les deux flûtes en un seul instrument dès lors pourvu de capacités contrapuntiques étendues. Selon les propos mêmes du compositeur : « chaque transformation des petits motifs énoncés conduit inévitablement à une boucle que l’on a déjà entendue, et l’auditeur est pris peu à peu dans une dans une sorte de toile d’araignée dont il lui est très difficile de s’échapper ». Il s’agit effectivement d’une pièce spectaculaire, lancinante, et qui pousse pratiquement les solistes – et les auditeurs - dans leurs derniers retranchements …

La seconde partie du concert commençait par l’exceptionnel Michigan Trio de Manoury, pièce qui lui fût commandée en 1992 par l’École de Musique de la Michigan State University. Toutes résonnances dehors, cette pièce concentrée et sobre bénéficiait ici de la très grande proximité entre musiciens et spectateurs. Cette œuvre intègre en effet dans son discours les divers modes de jeu et les résonnances de la table d’harmonie du piano, au même titre que les développements mélodiques et harmoniques en eux-mêmes. La qualité de silence requise pour en jouir pleinement est donc très élevée. On y appréciait notamment le jeu de Dimitri Vassilakis, incroyablement sombre et tendu dans le grave, cristallin et tranchant dans l’aigu, et qui devait souvent laisser les résonnances du piano s’exprimer jusqu’à leur dernier souffle ou presque. A plusieurs reprises, le clarinettiste Francis Touchard allait littéralement verser la fin d’une phrase musicale dans le piano ouvert, pour en faire surgir d’étranges échos, ou à l’inverse y récupérer la fin d’un accord en un savant et difficile jeu de morphing spectral, réalisé ici de manière purement acoustique. Le geste, toujours et encore. La perspective sonore irréelle ainsi créée par ces passerelles, la circulation maîtrisée de l’énergie acoustique entre instruments, ouvraient comme une dimension spatiale supplémentaire dans la scène. En dépit de son acoustique naturelle un peu claire, le lieu « mat » du concert se « réfléchissait » ainsi dans le corps même du piano, en une troublante mise en abîme d’un effectif musical resserré, au propos économe.

Le concert s’achevait par Pour Luigi, de P. Hurel, œuvre toute en contrastes (l’expression est galvaudée, c’est un fait !), tant sur le plan rythmique que sur celui de l’écriture. Hurel y mêle effectivement les rythmiques issues des «musiques populaires» au formalisme parfois complexe des «musiques savantes» d’aujourd’hui. Mais ici encore la forme même de la pièce, ses développements et ses régressions, sont excessivement travaillés par le compositeur, très au fait des procédés, vocabulaires et grammaires nouveaux développés dans la seconde moitié du vingtième siècle musical (utilisation des micro-intervalles, jeu sur les spectres, écriture probabiliste, intérêt pour les structures fractales). En dépit de l’érudition manifeste et presque austère qui sous-tend cette œuvre, l’interprétation très vivante qui en était donnée par les solistes de tm+ la débarrassait de tout caractère intellectuel ou abscons.

Nous retrouverons l’ensemble tm+ le 23 Mai prochain, toujours à la Maison de la Musique de Nanterre mais cette fois dans la Grande Salle, pour le dernier concert consacré à Philippe Manoury. Au programme de cette Rose des Vents : Nord Ouest et Sud de Mauricio Kagel, Oi Kuu de Kaija Saariaho et deux très récentes œuvres de Manoury : Cruel Spirals, créée à New-York le 4 Septembre 2007 et une pièce pour 16 instruments commandée par tm+, en création mondiale. Concert à ne rater sous aucun prétexte ! Pour ceux qui souhaitent découvrir les dernières avancées de la création musicale et redécouvrir des oeuvres un peu plus anciennes.

Discographie sélective :

Malheureusement, tm+ ne compte à son actif discographique aucune des œuvres données le 23 Mars (pour l'instant !), d’où la sélection suivante …

Philippe Manoury

La musique de chambre

Last (1997) – Michigan Trio (1992) – Solo pour vibraphone (1989) – Xanadu (1989) – Toccata pour piano (1998) – Ultima (1996)
Ensemble Accroche Note

Editeur : L’empreinte Digitale - 2007

Kaija Saariaho

Laconisme de l'aile – Concerto pour Flûte "L'Aile du songe"

Poèmes : Saint-John Perse - Camilla Hoitenga : flute - Amin Maalouf : récitant - Orchestre Symphonique de la Radio Finlandaise dirigé par Jukka-Pekka Saraste - Kaija Saariaho & Jean-Baptiste Barrière : électronique

Éditeur : Montaigne - 2002

Philippe Hurel

Ritornello in memoriam Luciano Berio - Loops I pour flûte - Loops II pour vibraphone - Loops III pour deux flûtes - Tombeau in memoriam Gérard Grisey
Anne Cécile Cuniot, flûte - Jean-Marie Cottet, piano - Juliette Hurel et Sophie Dardeau, flûtes - Jean Geoffroy, percussion

Éditeur : Nocturne - 2006

Fred Frith à la Fondation Cartier - Par Christian Izorce

2008-05-10T20:19:00.022+02:00

Je voudrais aujourd’hui ouvrir mes colonnes à un ami avec qui je partage bon nombre de passions, qu’elles soient musicales, audiophiles ou photographiques. Il y a des rencontres privilégiés dans la vie, et celle de Christian Izorce en est une, tant cet homme éclectique et sensible n’hésite pas à communiquer son enthousiasme à travers un vrai sens de la convivialité et du partage, à celles et ceux qui ont la chance de le connaître. Amateur éclairé de musique classique et contemporaine, touche à tout et bricoleur, oreilles attentives et curieuses lorsqu’il n’a pas l’oeil collé au viseur de son Leica à l’autre bout du monde, c’est avec un plaisir non dissimulé que je l’accueille ici en espérant que ce premier commentaire musical vous donnera envie de passer un peu plus souvent encore sur Ecoutez Voir !

Antoine Gresland

Fred Frith à la Fondation Cartier – Jeudi 8 Mai 2008

Il arrive silencieusement, silhouette carrée, chemise noire et cheveux grisonnants, se glisse derrière la petite scène bien encombrée d’ustensiles divers, d’une Gibson 335 électro-acoustique, de pédales, d’un sampler et de deux amplis-guitare. S’assoit et lance « Buena cera a tutti » au public parisien.

Le ton est donné !
Guitare posée sur les genoux, grattoir en main : ça va faire mal ! Sans autre forme de procès, Fred Frith commence à solliciter les cordes de son instrument, tapote la caisse, torture déjà la mécanique de la corde de mi à la recherche d’un effet de slide démultiplié …
C’est parti, pour près de quarante cinq minutes d’improvisation contrôlée émaillée d’accidents sonores improbables, de superpositions de motifs tressés à la main, au doigt, à l’ongle … et à la brosse à peindre ou à habits aussi ! Sélectivement incorporés au morceau en devenir et repris en de lancinants drones.

Fred développe un long morceau explorant des contrées sonores tour à tour arides et touffues, faites de la superposition d’aspérités sonores inouïes, émergeant comme par magie de bruits de jeu grossis à la loupe. Cris et chuchotements, souffles et crissements, elles sont le fruit d’une pratique instrumentale débridée mais totalement maîtrisée, qui ne s'impose aucun tabou.

Car il connaît ses guitares le bougre, il les aime, mais il leur fait subir les pires outrages, aussi. Qui aime bien … Vulgaires boîtes métalliques posées et frottées sur les cordes façon bottleneck d’arrière-cour, boîtes qu’il remplit de chaînes, saupoudre de légumes secs, puis dont il frotte le bord à l’archet pour les faire mugir …
Les cordes sont tirées, pincées, puis effleurées, pour être de nouveau frappées avec des baguettes de batterie … Non content de gratter, de frictionner, de taper avec toutes sortes d'objets, Fred-Duchamp (ou Fred-Cage, ou Fred-Lachenmann, comme on voudra) insère d’autres baguettes entre les cordes, les fait glisser, les tord et en tire des accords fluctuants qu’il met immédiatement en boucle. Et cette nouvelle accumulation de patterns rythmiques et harmoniques élabore de beaux développements à la fois planants et chahutés, qui se construisent et s’évanouissent au gré de l’inspiration du compère.

Fred Frith en action avec Massacre en 2003 – crédit photo C. Izorce

Corde à corde avec la guitare

Mais rien n’arrête Fred Frith, qui fait glisser des ficelles entre les cordes de sa guitare, les y noue et s’emploie maintenant à les écarter méthodiquement de leur position de repos, en un geste de string-bending démesuré, afin d’en tirer d’autres gémissements encore …
Et klong ! Une corde pète dans un virage ! Mais les dieux Fender et Les Paul sont avec lui, car même cet accident s’intègre à l’improvisation sonore ... Ca devait bien arriver, non ? Hey Fred, t'as même de la chance ! Avec ce que tu fais subir à ta gratte, elle aurait pu entrer en combustion spontanée !
Le public, amusé, émerveillé, médusé, est majoritairement assis par terre dans la petite salle de la Fondation Cartier, comme au bon vieux temps des happenings new-yorkais que beaucoup ici n’auraient d’ailleurs pu connaître. Il est totalement conquis par ce long et fascinant set, qui se découvre, se révèle et se savoure finalement d’un seul trait à mesure qu’il se construit. Nous buvons la performance du regard et des oreilles, sans ressentir le moindre inconfort, malgré notre station prolongée au ras du béton. Performance qui s’achève en un fading au noir, par lentes nappes d'une sorte de larsen exténué, tandis que Fred-le-clown simule l’assoupissement.
Silence.
De longs applaudissements ponctuent cet étrange voyage musical.
« Serait-ce déjà fini ? » - demandent ces mains crépitantes.
Pas tout à fait.
Retour sur scène, accompagné de Pauline Oliveiros à l’accordéon et du poète John Giorno, ainsi réunis grâce à la programmation Soirées Nomades conçue par Patti Smith.
Giorno entame « Everyone gets lighter », tandis que Pauline Oliveiros et Fred Frith tissent une impro étincelante toute hérissée d’acides fulgurances.
Nous sommes acquis à la cause !
Une ultime apothéose de duo accordéon-guitare ébouriffé clôt ce concert, mémorable moment d’une non-moins mémorable série d’événements, toute entière consacrée depuis Avril dernier à l’esprit beat dont Patti Smith fut il y a bientôt quarante ans l’une des égéries.

Christian Izorce

Discographie subjective

Impossible ici de citer tout Fred Frith, ou d’énumérer ses multiples collaborations. Voici donc une toute petite poignée de références :

Guitar Solos – 1974

Speechless – 1981

The technology of tears – 1988

Allies – 1996

Helmut Lachenmann

Autre iconoclaste expérimentateur, qui a poussé assez loin l'utilisation étendue, parfois paradoxale, des instruments classiques, dans le cadre plus "formel" de la création contemporaine. Écouter notamment les quatuors à cordes – Gran Torso et les 2ème et 3ème quatuors.

Françis Barrier présente ses photos de Jazz à la Bastille

2008-05-09T19:32:00.009+02:00

Le Jazz et la photographie ont toujours entretenu des rapports étroits. Depuis les années cinquante, on ne compte plus les clichés qui ont contribué à faire connaître et à médiatiser les petits et grands artistes qui ont jalonné l’histoire de ce genre musical. Que ce soit à travers les rideaux de fumé des clubs ou dans les festivals en plein air, lorsque la photo se nourrit de cette énergie magique qui transcende le musicien au moment de donner sa performance.

Francis Barrier a longtemps pratiqué la clarinette et fait des photos depuis 28 ans. C’est donc tout naturellement qu’il a décidé de joindre ses deux passions en 2002 en photographiant les musiciens de jazz dans les clubs parisiens.
« La musique est exigeante et le jazz encore plus : à moins d’une heure d’instrument par jour, il ne faut pas compter jouer en orchestre. Appuyer sur un déclencheur et tirer des photos ne nécessite pas la même assiduité. La photographie était le moyen le plus facile pour revenir dans ce milieu, indispensable pour moi, de la musique. La simplicité des jazzmen, leur rapport à l’image, la proximité dans les clubs m’ont permis de les aborder facilement et de véritables échanges musique-image se sont ainsi créés, comme si l’appareil photo devenait le cinquième instrument d’un quartet. Saisir l’intensité d’un engagement dans un solo, capter l’écoute toujours attentive des autres musiciens quand un jazzman ne joue pas, figer un échange de regards, graver pour l’éternité la note bleue, tel est mon but. »

Comme vous pourrez le constater sur les deux photos qui illustrent ce blog, Francis a vraiment du talent, ce petit quelque chose et cette empathie qui lui permet de saisir l’émotion de l’artiste à travers les pixels couleurs de son Nikon, lorsqu’il ne se laisse pas aller à quelques photos noir et blanc, sans nostalgie mal placée. Françis Barrier présente aujourd’hui les images de la série « Jazz Colours » sur le stand Deflandre, au salon d’antiquités brocante qui s’est installé place de la Bastille à Paris du 8 au 18 mai.

Je vous invite vivement à vous y rendre pour découvrir l’ensemble des clichés de ce photographe qui réunit avec sensibilité la lumière et la musique, et pourquoi pas, vous porter acquéreur de l'un de ces petits bouts d'éternité...

Pour obtenir une invitation gratuite au salon : http://www.joel-garcia-organisation.fr/evenement_137.html

Vers le site de l'artiste

Madonna - Hard Candy : Une pompe à fric sans intérêt

2008-04-25T23:40:00.008+02:00

Cette fois, c’est sûr : Madonna, Louise Ciccone n’a plus rien à dire ! Son dernier album Hard Candy ne mérite même pas qu’on l’écoute une fois. J’ai pourtant fait partie de ceux qui avaient apprécié le virage amorcé par la pope star avec William Orbit sur le magnifique album Ray of light où Madonna dévoilait une nouvelle facette de sa personnalité. J'ai ensuite frissonné aux effets sonores développés par Mirwais pour Music puis American Life, deux albums superbement produits qui démontraient sa capacité à se renouveler sans renier les fondements de son succès. J'avoue avoir été moins conquis par Confessions on a dance floor, mais le disque avait au moins le mérite d’annoncer clairement ce que l’on devait en attendre sur la pochette et dans son titre. C'est sans doute tout aussi vrai de Hard Candy mais je ne vois pas bien ce que l'on pourra trouver à ce ramassis affligeant de chansons insipides et sans saveur, dont la production n’arrive même pas à égailler mon système, pour en justifier l'existence. À vouloir imiter les petites reines du R&B, à coup de boucles et d'effets vus et revus, Madonna démontre simplement qu’elle n’a plus ce qu’il faut, et que son « inspiration » s’est tarie. Inutile d’en dire plus, vous m’aurez compris !

D'autres critiques musicale sur EcoutezVoir magazine : www.evmag.fr

Alain Bashung - Bleu pétrole

2008-04-21T19:44:00.007+02:00

Finalement, six ans après L’Imprudence, le nouvel album d’Alain Bashung est arrivé dans les bacs. J’avoue avoir mis du temps à glisser Bleu pétrole dans le tiroir de mon lecteur, par peur de ne pas retrouver la même intensité musicale que sur cet album devenu mythique à mes oreilles par ce mélange unique et touchant de sensibilité, d’introspection et d’inspiration poétique.
Dès la première écoute, on comprend d’ailleurs que Bleu pétrole ne cherche pas à chanter sur les traces de son glorieux aîné. Moins intemporel, plus facile d’accès, il transporte tout de même sa dose de noirceur et de mélancolie, mais elle reste en surface, alors que « l’imprudence » nous entraînait dans les bas-fonds, les pieds lestés par des gueuses de plomb, pour visiter les ruelles sombres de ses (dés)illusions perdues. Pour autant, le disque profite de quelques textes bien trempés (de pétrole) qui profitent de cette voix, de ce phrasé inimitable, qui donne de l’épaisseur à un mélange réussi de blues et de rock que l’on prend plaisir à découvrir, puis à écouter, jusqu’à tomber finalement sous le charme, simplement, même lorsque tout va bien. Car, au-delà du retour aux sources annoncé, Bleu pétrole est surtout l’occasion pour Bashung de retrouver son rôle d’interprète à travers de nouvelles collaborations qui le laissent en marge de la composition et de l’écriture. Réalisé par Gaëtan Roussel (l’auteur-compositeur du groupe Louise Attaque qui signe ici seul, ou accompagné, six morceaux) et Mark Plati (que l’on a retrouvé derrière les Rita Mitsouko ou David Bowie), le disque a, semble-t-il, pris son temps pour se trouver autour d’Armand Méliès, Gérard Manset et Joseph d’Anvers qui remplacent le tandem Bashung-Fauque des derniers albums, sans essayer à tout prix de « faire » du Bashung.
Si Bleu pétrole n’est pas pour moi le meilleur album du rocker français, il rappelle avec succès les bons moments passés ensemble à travers un sentiment diffus, d’un bout à l’autre du disque, qui ressemble à celui des retrouvailles attendues. Il symbolise l’envie d’un homme libre de retrouver le plaisir simple de chanter, de s’éloigner aussi d’une forme d’introspection et de recherche expérimentale qui aurait pu le conduire, de son propre aveu, aux frontières de la folie. Sans pour autant trahir la sensibilité qui me le fait préférer à tant d’autres et lui renouveler l’admiration respectueuse que l’on doit à un artiste de sa trempe.
Au final, voici un album à écouter sans a priori, qui pourrait bien conduire celles et ceux qui ne connaissent pas encore Bashung à entrer progressivement dans son univers, avant de s’attaquer au cœur de son œuvre, une fois le premier choc amorti.

Deux éditions, classique et luxe, en vente simultanément

Bleu pétrole profite d’une production "classieuse", principalement acoustique, qui remet à l’honneur guitares sèches et batteries, agrémentées tout de même de quelques claviers bien sentis, au sein d’une mise en espace convaincante et sans artifice. Équilibrée et relativement dynamique, elle restitue à merveille le timbre de la voix de Bashung et vous place dans la musique sans pour autant projeter l’image sonore sur vos genoux. L’édition Luxe comprend, en plus du disque, un beau livret illustré de quelques photos émouvantes de l’artiste, ainsi qu’un DVD Vidéo comprenant les sessions acoustiques de « Résident de la République », « Je t’ai manqué » et « Sur un trapèze » où l’on voit Bashung accompagné à la guitare par Gaëtan Roussel, ainsi qu’un documentaire qui retrace le cheminement du disque autour de ses auteurs-compositeurs.

Alain Bashung
Bleu pétrole
Edition: Barclay

Transporter Logitech : quand le monde informatique s’invite chez les audiophiles

2008-04-15T19:57:00.015+02:00

La dématérialisation du signal est en marche et de nouveaux serveurs musicaux destinés aux audiophiles s’apprêtent à faire leur entrée sur le marché français. L’importateur 0110 Audio vient de prendre la distribution du Transporteur de Logitech, qui nous arrive précédé d’une réputation flatteuse. Évidemment, pour un audiophile, le fait que cette machine d'un genre nouveau ait été conçue par un constructeur venant du monde de l’informatique n’inspire pas forcément confiance.

Il serait pourtant dommage d’aborder avec un préjugé négatif cet appareil au look vintage particulièrement réussi ( c’est mon avis) et dont la fiche technique ne manquera pas d’attirer l’attention. En effet, au-delà de ses larges compétences en matière de récupération de donnés à distance, de sa capacité à syntoniser des radios sur Internet, de son module Wifi 802.11g intégré et de sa compatibilité avec Mac OS X et Windows, il faut noter les efforts du constructeur pour rendre son appareil aussi convivial et musical que possible. Derrière une interface utilisateur que l’on nous promet intuitive et tactile ( merci pour le gros bouton rond en façade et pour la télécommande complète et ergonomique !) se cache la dernière génération de convertisseur AKM AK4396 multibits delta-sigma qui promet une gamme dynamique de 120 dB. Et ce n’est pas tout : afin de ne laisser aucune ambiguïté quant à sa vocation audiophile, le Transporter est équipé d’entrées ET de sorties numériques optique, coaxiales S/PDIF (en BNC et RCA) et AES/EBU, d’une liaison de synchronisation pour une horloge externe et de sorties analogiques asymétriques et symétriques ! Le Transporter prend en compte pratiquement tous les types de fichiers musicaux existants, compressés ou non, du MP3 à l’AAC en passant par l’Apple Lossless, le FLAC ou le WMA Lossless et, bien entendu, l’AIFF, le WAV et le PCM linéaire. Une bête de course, donc, que l’on trouvera bientôt chez nos revendeurs hifi pour 1990 euros. Un produit qui promet donc beaucoup et que je ne manquerai pas de tester bientôt pour vous.

Lien vers le site de 0110 Audio

Quelques spécifications techniques :

Entrées et Sorties :
• Sorties audio analogiques: symétrique XLR et asymétrique RCA sur connecteurs plaqué or
• Entrées / sorties numériques : optique TosLink, S/PDIF sur fiche RCA et BNC, AES/EBU sur connecteur XLR
• Entrée word clock pour la synchronisation avec une horloge externe sur fiche BNC

Système de conversion intégré :
• Horloge interne : oscillateur à quartz de haute précision ( sans boucle PLL)
• Convertisseur numérique / analogique AKM AK4396 multibit delta-sigma
• Fréquences d’échantillonnage supportées : 44.1 kHz, 48 kHz et 96 kHz sur 16 ou 24 bits en PCM linéaire
• Rapport signal / bruit : 120 dB
•Distorsion Harmonique totale : 0,00005 %

Formats audio supportés :
Avec compression sans perte : Apple Lossless, FLAC, WMA Lossless
Compressé avec perte : MP3, AAC, Ogg Vorbis, MP2, MusePack, WMA
Sans compression : AIFF, WAV, PCM
• Diffusion possible au format PCM (brut), MP3 (transcodé) ou FLAC (transcodé)
• Radio Internet

Architecture :
• Processeur RISC multiflux 325 MHz 8 canaux
• Architecture «Logiciel Pure» SlimDSP™
• Mise à jour de la puce Xilinx CPLD à distance
• 64 Mo de RAM haut débit
• 16 Mo de mémoire flash
• Réseau Wifi 802.11g sans fil intégré (peut être désactivé)
• Possibilité de connecter des dispositifs Ethernet au réseau par l’interface sans fil
• Débit maximal de 54 Mbps, interface PCI haut débit pour le module radio
• Détecte automatiquement les réseaux sans fil disponibles pour une configuration rapide
• Débit 100 Mbps
• Connecteur RJ-45 blindé CAT5

Interface domotique :
• Connecteur RS-232 pour l’intégration des systèmes de domotique tels que Crestron

Configuration requise:
• Tous les systèmes: 512 Mo RAM, réseau Ethernet ou sans fil, 40 Mo d’espace disque disponible
• Macintosh : Mac OS X 10.3 ou version ultérieure
• Windows : processeur Pentium 733Mhz avec Windows NT/2000/XP/Vista
• Linux/BSD/Solaris/Autre: Perl 5.8.3 ou version ultérieure

Interface utilisateur :
• Deux écrans fluorescents haute résolution
• Écran combiné 640x32 en niveaux de gris
• Visualiseurs plein écran haut débit
• Images et animations bitmap, polices multiples
• Contrôle de la luminosité
• Télécommande infrarouge avec 31 boutons rétroéclairés
• Format des données entièrement compatible avec la plupart des télécommandes programmables et universelles (Harmony)

Oracle Audio revient en France

2008-04-11T19:13:00.012+02:00

Le lecteur Oracle CD 2500 évolue en version MkII. J'espère pouvoir vous faire bientôt partager mes impressions d'écoute sur ce superbe objet !

Fans d'Oracle Audio, réjouissez vous ! Le constructeur canadien, qui fabrique notamment quelques unes des plus belles machines à lire les CD de la planète, vient de confier la distribution de sa gamme à l'importateur français Audio Focus et nous devrions la voir revenir bientôt dans les auditoriums.

Oracle s’est notamment fait connaître par la conception des châssis et suspensions de ses mécaniques de lecture CD, qui associent 12 matériaux dont le vinyle, le Delrin et l'Urethane pour absorber et éliminer les vibrations susceptibles de gêner la rotation du disque à l'intérieur du Drive. Oracle peut également compter sur un parternariat étroit avec Philips, qui adapte depuis plus de 20 ans ses bases mécaniques pour répondre aux besoins spécifiques des ingénieurs de la marque.

On retiendra aussi la beauté plastique de ces objets hors du commun, qui mélangent avec raffinement la transparence et l'aluminium pour proposer un look futuriste qui ne manquera pas d'interpeller les amateurs de beaux objets.
Le constructeur en profite pour annoncer l’arrivée en France des versions MKII de ses lecteurs intégrés CD 1500 et 2500 et de ses drives CD 1000 et CD 2000. Je ne manquerai pas la moindre occasion de les découvrir pour vous !

Vers le site d'Oracle Audio

Vers le site d'Audio Focus

Bojan Z entre en studio pour son premier album avec le Tetraband...

2008-04-07T14:55:00.002+02:00

Bojan Z découvre le piano Fazioli du studio de Meudon

... Suivez avec moi l'aventure d'un disque en devenir

J’ai eu la chance d’assister du 1er au 3 avril à l’enregistrement du prochain disque du pianiste Bojan Zulfikarpasic dit Bojan Z, un compositeur interprète que je considère comme l’un des meilleurs musiciens de jazz de sa génération.
Bojan Z est un pianiste de jazz différent. Un musicien de grande classe qui a su profiter de ses origines balkaniques pour s’émanciper d’une forme trop convenue du Jazz et faire sa propre trace d’abord chez lui, en ex Yougoslavie, puis sur la scène parisienne, depuis 1988, au côté de pointures telles que le contrebassiste Henry Texier ou le clarinettiste Michel Portal, puis en tant que leader de sa propre formation. Il y développe un style particulièrement dynamique, marqué par l’utilisation d’instruments tel que le Fender Rhodes, mélangeant des influences qui courent du blues à la pop, aux accents traditionnels des Balkans.

Parmi les jalons qui ont marqué l’ascension de ce musicien surdoué, on citera notamment son album Solobsession, ou il démontre seul au piano toute l’étendue de son talent, ainsi que sa collaboration avec le Label Bleu qui débouche sur le prix du meilleur artiste de jazz européen (Hans Koller Prize) en 2005 et sur celui du meilleur album de l’année aux Victoires du Jazz 2007 pour Xénophonia. Un disque somptueux que je recommande aussi bien aux mélomanes qu’aux audiophiles, tant les compositions et arrangements de Bojan Z se trouvent mis en valeur par la réalisation. On retrouve d’ailleurs aux faders de sa nouvelle aventure l’ingénieur du son Philippe Teissier du Cros, déjà responsable de la réussite technique du précédent, et auquel je dois ma rencontre avec Bojan Z.

Voyage au cœur de la création musicale

Aujourd’hui, Bojan Z s’engage dans la réalisation d’un nouvel album avec le Tetraband, un quatuor composé du tromboniste New yorkais, Josh Roseman, et d’une section rythmique basse / batterie particulièrement originale, constituée de la bassiste Ruth Goller et du batteur Seb Rochford, deux habitués de la scène londonienne où ils se sont fait remarquer au sein du groupe Acoustic Ladyland, un mélange décalé et sauvage de Jazz et de Punk dont j’aurai l’occasion de vous reparler.

L’enregistrement a eu lieu au studio de Meudon, un endroit chaleureux, habité par son créateur Bernard Faulon, qui nous a reçu avec beaucoup de convivialité tout en bichonnant le piano Fazioli sur lequel Bojan a exercé son talent. Qu’il soit remercié ici de son hospitalité généreuse.

Pendant trois jours, j’ai vécu avec les musiciens au rythme des séances, et j’avoue que c’est avec une certaine nostalgie que j’ai retrouvé hier la chaise de mon bureau de journaliste ! La naissance d’un nouveau groupe et du concept qu’il concrétise est toujours un grand moment d’émotion, surtout quand elle a pour origine le talent et l’inventivité d’un artiste de la carrure de Bojan Z.
C’est donc avec l’excitation d’un passionné que je vous propose de découvrir avec moi dans les semaines et les mois qui viennent l’élaboration de ce projet, en espérant vous faire apprécier toute l’énergie, le travail et l’émotion nécessaires à l’élaboration d’un album de jazz.

Pour commencer, vous trouverez ici même, dans quelques semaines, le premier chapitre des aventures du Tetraband à travers un journal de bord illustré de photos retraçant les trois jours d’enregistrement que je viens de vivre. J’essayerais ensuite de suivre pour vous tout le processus qui fera de la trentaine de pistes et autant de prises enregistrées à cette occasion, un album dans lequel l’artiste retrouvera, je l’espère, toute l'énergie musicale qu'il a voulu y développer.

Je tiens à remercier ici tout particulièrement Bojan Z et Philippe Teissier du Cros pour m’avoir permis de suivre avec eux les premiers pas de ce projet dans les meilleures conditions possibles.

À très bientôt pour le premier chapitre de cette belle aventure !

Lien vers le site de Bojan Z

Pioneer et le plasma, une histoire qui continue !

2008-03-31T22:19:00.008+02:00

Sur cette photo inédite, on aperçoit la neuvième génération de plasma Pioneer, en compagnie de l'amplificateur intégré multicanal "Susano". Le PDP-LX5090 promet un rapport de contraste de 100.000:1 et une taille de guêpe. De quoi rassurer les aficionados des écrans plats de la marque japonaise !

Je lis un peu partout sur le Net et dans certains magasines que Pioneer s'apprêterait à arrêter le plasma pour se concentrer sur la technologie LCD. Une bien triste nouvelle pour les amateurs, dont je fais partie, des écans plasma dont Pioneer est l’incontestable spécialiste haut de gamme. Heureusement pour nous, il s’agit de la part de ces internautes et de ces journalistes, d’un mal entendu regrettable... ou du besoin viscérale de faire un scoop !

La qualité d’un écran plasma dépend à la fois de la qualité intrinsèque de la dalle mais aussi de l'adressage des pixels et du traitement d’image qui lui est appliqué. Mais pour un constructeur de moyenne dimension tel que Pioneer, qui se concentre avant tout sur la qualité, le volume de dalle vendu ne suffit plus à rentabiliser les investissements consentis dans l’outil industriel nécessaire à les fabriquer. Conscient de ses spécificités, Pioneer a donc décidé d’arrêter la fabrication de la dalle en elle-même pour se fournir chez d’autres constructeurs dont les volumes de fabrication sont désormais plus en phase avec le modèle économique recherché.

Cela ne veut pas dire pour autant que Pioneer va arrêter le plasma ! Cela veut dire que la marque fournira un cahier des charges précis au fournisseur de la dalle pour se concentrer sur les éléments qui sont susceptibles de faire la différence avec les écrans de la concurrence. Il s’agit d'abord du filtre placé devant la dalle, responsable de la qualité des couleurs (l'une des grandes forces des plasmas Pioneer), de l’adressage des cellules, qui permet d’obtenir un meilleur contraste, et de l’électronique de traitement de l’image proprement dit, domaines dans lesquels le constructeur possède une expertise inégalée.
Pour les plus inquiets, il reste encore à découvrir une dernière génération d’écrans plasma entièrement fabriquée par Pioneer, puisque le lancement de la neuvième génération de téléviseurs Kuro est prévu pour la fin de l’été 2008, l’arrêt de production des dalles ne prenant effet que courant 2009.

En marge de cette nouveauté, Pioneer a décidé de s’associer activement avec Sharp, l’un des grands spécialistes du LCD, pour développer une gamme de téléviseurs LCD dotée du traitement d’image Pioneer, afin de proposer une plus large gamme d’écrans, notamment dans les petites tailles, tout en offrant une qualité d’image conforme à sa réputation.
Comme on peut le voir, l’investissement de Pioneer sur le marché de l’écran plat n’est pas près de s’arrêter, bien au contraire ! Et l’on murmure même dans certains couloirs que le bureau d’étude du constructeur serrait déjà concentré sur une des technologies qui devraient, à moyen terme, remplacer à la fois les technologies LCD et Plasma…

Expo photo - Pierre Arnaud, un regard personnel sur les enfants de Madagascar

2008-03-25T23:17:00.004+01:00

La photo sait parfois, quand elle est faite avec humanité et talent, donner du sens à ce que l'on voit. Lorsque le photographe prends conscience que ses images constituent un témoignage unique de l'existence de celles et ceux qu'il rencontre, un lien se crée avec le sujet pour dépasser le cadre de l'anecdote et tendre vers l'Art.

Les photos que Pierre Arnaud a faites à Madagascar font partie de celles-ci.

En octobre 2004, il part à Madagascar avec sa femme dans le but d'adopter un enfant. Mais alors qu'ils viennent de rencontrer le magnifique petit bonhomme qui va devenir leurs fils, ils découvrent que toutes les procédures d'adoption ont été gelées pour des raisons alors inconnues. Au lieu de baisser les bras, Pierre décide de rester à Madagascar pour venir à bout de tous les obstacles qui le séparent, lui et 250 autres familles, de l'adoption tant désirée.

Pendant les neuf mois suivant, il va vivre le quotidien des centres d'accueils, se faire accepter, avec un regard bien différents de celui des journalistes qui tentent de médiatiser, sans aucun recul, l'histoire de ces jeunes enfants et de celles et ceux qui se sont consacrés à les sauver de l'abandon.

Dans ces photos, Pierre a chercher au contraire à saisir la solidarité, le jeux, l'échange et la complicité qui font de ces orphelinats des lieux d'émotions et de partage, comme un pont entre deux mondes, pour ces enfants qui attendent parfois indéfiniment, le moment où ils retrouveront une famille.

Une belle aventure humaine, qui reflète autant la sensibilité d'un photographe tendre et sincère, que son talent à saisir l'ineffable et la lumière si particulière des tropiques, filtrées par le clair-obscur des bâtiments.

De son expérience, Pierre Arnaud a sélectionné 38 tirages barytés en 30 x 40, traité au sélénium, qui donne à ces photos des nuances et une densité malheureusement invisible sur le site qui sert de galerie à l'artiste, cette dernière ayant été constituée en scannant les négatifs.

Liens vers la galerie de photos de Pierre Arnaud

Il serra pourtant bientôt possible de les découvrir tel que Pierre les a voulu, en vous rendant à l'exposition "Madagascar: regards d'enfants" organisé du 31 mars au 30 avril à l'Espace Paris Adoption. Ne manquez pas cette occasion de découvrir ces photos émouvantes.

Exposition photographique:

"Madagascar: regards d'enfants"

Du 31 mars au 30 avril à l'Espace Paris Adoption
54, avenue Philippe Auguste - 75011 Paris

Horaires d'ouverture: du Lundi au vendredi, de 9h à 17h30
Entrée libre

Handel & Magdalena Kozena : Ah ! mio cor

2008-03-03T20:18:00.010+01:00

Cet album, qui présente une anthologie d’airs tirés des opéras et des oratorios de George Frideric Handel porte bien son nom. Car il s’agit bien de célébrer une histoire d’amour ( Ah ! mon cœur) entre le compositeur d’origine allemande et la belle mezzo-soprano tchèque Magdalena Kozena.

Les compositions de Handel font parties de celles qui me touchent au cœur et cette sélection d’air ne fait pas exception, surtout lorsqu’elles profitent de la voix délicate et lumineuse de Magdalena Kozena accompagné pour la première fois par la formation prestigieuse d’Andrea Marcon : le Venice Baroque Orchestra qui propose une interprétation tout en subtilité de ces grands classiques.

Cette compilation se penche avant tout sur la période italienne du maître, sans faire pour autant tout à fait l’impasse sur sa période anglaise, avec notamment le « Where shall I fly ? » tiré de son « Hercule », trois morceaux en tout qui sont d'ailleurs de loin les moins réussis de cet album, tant on sent la cantatrice à la peine avec la langue de Shakespeare. Pour le reste, la technique imparable, le charme et l'expressivité de Magdalena Kozena font merveille pour révéler la palette de sentiments utilisés par Handel, avec toute l'émotion que l'on attend de ces morceaux de bravoure qui dévoilent l'exceptionnel sensibilité du compositeur.
Au milieu de cette anthologie, on appréciera notamment la magnifique interprétation de « Scherza infida in grembo al drudo » extrait de l’opéra Ariodante qui propose, avec une douceur extrême, l’un des « tubes » du compositeur. Une relecture tout en nuance bien différente de celle, tout aussi exceptionnelle et somptueuse mais plus démonstrative, d’Anne Sophie von Otter ( Ariodante – les musiciens du Louvre, Mark Minkowsi – chez Archiv production), qui entraîne vers la rêverie, porté par la voix parfaitement maitrisée, tendue, fluide et cristalline de Magdalena Kozena.
L’enregistrement fait la part belle à la voix de la chanteuse dont la dynamique est reproduite avec soin malgré quelques saturations discrètes sur les "forte", et une spatialisation intéressante, qui manque juste d’un peu de profondeur pour égaler les meilleurs exemples du genre. D'une manière générale, Ah ! mio cor reste une excellente manière de (re) découvrir Handel et de toucher du doigt l'art inimitable de ce maître en matière de chant et d'harmonie, avec cette capacité à émouvoir qui repose sur la remarquable cohérence du discours musical, délicieux équilibre entre une technique implacable et une inspiration débordante.

À celles et ceux qui tomberont sous le charme de cette compilation, je conseillerais plusieurs autres albums édités ces dix dernières années et qui rappellent que Handel est sorti de sa cage historique pour revenir sur le devant de la scène. On citera notamment un autre exemple précoce du talent de Magdalena Kozena, avec le très beau recueil de cantates profanes extraites de sa période italienne : Handel Italian Cantatas dans lequel elle collabore avec Marc Minkowski et « ses » musiciens du Louvre pour offrir un feu d’artifice vocal. Un bel enregistrement de Radio France édité chez Archiv Production, globalement très musical, même s'il peine parfois à suivre les envolés ahurissantes de la cantatrice en offrant une ou deux duretés que l’on pardonnera facilement devant la réussite globale de l’entreprise. On évoquera également L’allegro, il penseroso ed il moderato dirigé par John Eliot Gardiner chez Erato (techniquement et musicalement remarquable) et le récent Guilio Cesare qui regroupe une distribution époustouflante : Kozena encore, mais aussi Anne Sofie von Otter et Marijana Mijanovic sous la baguette décidément très prolixe de Marc Minkowski.

George Fridiric Handel
Ah ! mio cor
Air d'opéra & Arias interprété par:
Magdalena kozena - Andrea Marcon / Venice baroque Orchestra
Chez: Archiv Production

Retrouvez cette découverte musicale et bien d'autres sur EcoutezVoir magazine : www.evmag.f

Pioneer SC-LX90 " Susano" Un nouveau poid lourd de l'Audio Vidéo

2008-02-24T12:04:00.004+01:00

Retrouvez ce test et bien d'autres sur EcoutezVoir magazine : www.evmag.f

Il est assez rare que j’ai spontanément envie de tester un amplificateur Audio Vidéo intégré aussi performant soit-il sur le papier. Ce sont souvent de mauvais compromis sur le plan musical et je sais par expérience qu’il est préférable d’avoir une installation stéréo de haut de gamme pour regarder un film qu’un système Home Cinéma mal optimisé par manque de place ou de moyen.
Pourtant, quand un constructeur de l'envergure de Pioneer « pète les plombs » en proposant un appareil sans concession tel que le nouveau SC-LX90 « Susano », la tentation est grande de jeter un œil et deux oreilles sur les derniers délires des ingénieurs.
Et en matière de délire, on peut dire que nos amis japonais n’ont pas fait les choses à moitié avec cette bête imposante dotée de tout ce dont on peut rêver pour faire du multi canal dans les meilleurs conditions !
Equipé des derniers décodeurs Dolby TruHD et DTS-HD Master Audio et d'un scaler vidéo capable d'upscaler la résolution de l'image jusqu'au 1080p, cette bête de course est prête pour le Blu-ray. Ses circuits d'amplification originaux associeraient en outre la technologie numérique ICE Power de Bang & Olufsen aux technologies de la marque pour délivrer 7 x 200 watts ou 10 x 140 watts / 8 ohms. Reste à savoir si cette puissance numérique ferra du Susano un agréable compagnon musical.

Le prix du SC-LX90 n'a pas encore été révélé mais selon des rumeurs insistantes, il devrait se situer largement au dessus de la barre des 5000 euros. C’est dire si ce beau bébé porte en lui la fierté des ses concepteurs. A vérifier à l’écoute, ce que je ne manquerais pas de faire à la première occasion !

Caractéristiques techniques :

Vidéo : 1080p/24, convertisseur numérique avec décodeur 12 bits 3D et encodeur 297 MHz/12 bits, scaler vidéo, QDEO Marvell, HDMI deep Color xv color...

Audio : Nouveaux convertisseurs audiophiles Wolfson 192 kHz/24 bits ( excellent) , nouveau calibrage automatique MCACC

- Double châssis séparés, alimentation isolée, pieds amortissants TAOC...
- Agrément THX ULTRA 2 Plus et certifié MONITOR REFERENCE par les Studios AIR de Londres.

- Ampli 7 x 200 Watts ou 10 x 140 W, sous 8 Ohms
- Ecran d'affichage frontal couleurs, 13 cm de diagonale
- 3 Processeurs de contrôle : 2 x Shark 3ème Génération et 1 Freescale
- Certifié audio/vidéo DLNA et PlayForSure, firmware Update
- Multizones x 3
- 6 x entrées + 2 sorties HDMI 1.3 Deep Color xv color
- 2 x i-Link, USB, Ethernet, iPod
- Audio numériques : 4 in + 1 out optiques, 7 in + 1 out coaxiales
- Vidéo : 4 S-vidéo, 5 YUV assignables... ( la liste est interminable mais tout est là !)

Pioneer annonce une disponibilité courant Avril 2008. Je vous tiens au courant.

Acte de décès du HD-DVD

2008-02-19T23:08:00.007+01:00

Le CES de Las Vegas a marqué un tournant dans le match que se livrait les deux formats de disque Vidéo Haute Définition : le Blu-ray et le HD-DVD. En annonçant son intention de se concentrer désormais exclusivement sur le standard Blu-ray, Warner Home Vidéo, qui représente 20% des ventes de DVD aux Etats-Unis, portait un rude coup au clan adverse représenté par Toshiba, son créateur. La marque Japonaise tenta bien de nous rassurer par de nombreux communiqués de presse annonçant le déploiement d’une nouvelle stratégie commerciale encore plus agressive, mais c’était bientôt au tour de Wall-Mart, géant américain de la distribution, de porter l’estocade en déclarant son intention de ne miser que sur le Blu-ray.

Finalement, ce matin, Toshiba a décidé sagement de jeter l’éponge pour laisser le champ libre au Blu-ray et ramener enfin la sérénité dans le marché de la vidéo Haute Définition.

Avec un peu de recul, on peut se demander comment les grands constructeurs ont osés imposer une nouvelle guerre de standards aux consommateurs après nous avoir déjà éprouvés avec le match VHS contre Betamax, le DCC ( une K7 numérique dont personne ne se souvient) contre le Minidisc et plus récemment le duel DVD-Audio contre SACD qui devrait couter la vie à un digne successeur Haute Définition du CD. En obligeant le consommateur a faire son choix entre le HD-DVD et le Blu-ray, cette nouvelle guerre de l’inutile, caractéristique d’une société de consommation qui ne sait plus comment faire de l’argent, a surtout « réussi » à faire reculer les ventes de DVD sans pour autant faciliter l’accès à son successeurs, faisant perdre au passage beaucoup d’argents aux éditeurs. C’est d’ailleurs probablement motivé par ce triste constat que Warner a pris sa décision, conscient que la cohabitation des deux standards ne faisait que ralentir la progression des ventes de disques HD dans son ensemble.

Mais les constructeurs et les éditeurs ont sans doute perdu plus encore en favorisant l’émergence d’un troisième acteur de la Haute Définition : la VOD ( ou Vidéo à la demande) qui permet aujourd’hui aux Etats-Unis, et bientôt chez nous, de télécharger moyennant finance un film directement sur Internet, sans compter les sites de téléchargement illégaux qui proposent déjà les séries TV américaines et certains « blockbusters » en 720 ou en 1080p…gratuitement.

Evidemment, la compression qui se rattache à ce type de flux numérique ( streaming) ou de fichier DivX ne permet pas encore d’obtenir une qualité d’image et de son comparable à ce que l’on peut trouver sur un Blu-ray, mais on fait des progrès tout les jours, et ces nouveaux médias dématérialisés ont l’avantage de ne pas impliquer de dépense matériel inutile.

Le communiqué de presse reçu ce matin : vous noterez au passage la manière avec laquelle les dirigeants de la société tentent de se justifier, tout en essayant de se raccrocher aux branches pour ne pas risquer de perdre totalement la face sur le marché de la Haute Définition. N’aurait-il pas été plus sage et plus mature de se mettre autour d’une table pour discuter ensemble dès le départ, entre constructeurs, afin d’éviter ce triste gâchis d’argent et de compétence ?

19 février 2008

Toshiba annonce l’arrêt de l’activité HD DVD

L’entreprise confirme néanmoins son objectif de garder son leadership dans la mise à disposition de sources Haute Définition pour les consommateurs

Puteaux—Toshiba Corporation vient d’annoncer aujourd’hui qu’elle s’engageait dans une révision en profondeur de sa stratégie globale sur le HD DVD, et qu’elle arrêtait le développement, la fabrication et la commercialisation des lecteurs de salon et des enregistreurs HD DVD. Cette décision fait suite à des modifications majeures qui ont affecté le marché récemment. Cependant, Toshiba continuera à apporter un support total en matière d’informations produits et de service après-vente à tous les possesseurs de produits HD DVD Toshiba.
Le HD DVD a été développé pour offrir aux consommateurs à un prix abordable, l’accès à l’exceptionnelle qualité de la Haute Définition et les préparer à la convergence numérique de demain qui verra la fusion progressive des univers IT et Electronique Grand Public.
“Nous avons longuement analysé et évalué quel serait l’impact sur le long terme de la poursuite de ce qui apparaît comme une “guerre pour le format nouvelle génération” et nous sommes arrivés à la conclusion qu’une décision rapide contribuera mieux au développement du marché” a déclaré Atsutoshi Nishida, Président et CEO de Toshiba Corporation. "Tout en exprimant notre déception pour l’entreprise et encore plus particulièrement pour les consommateurs, force est de constater que le marché de masse relatif aux contenus Haute Définition reste encore inexploité et à cet égard, Toshiba est prêt et déterminé à faire usage de tous ses talents, sa technologie et sa propriété intellectuelle pour faire de la convergence numérique une réalité.”
Toshiba continuera à être à la pointe de l’innovation, sur une palette très large de technologies qui donneront au marché de masse l’accès aux contenus Haute Définition. En particulier, citons les nouvelles mémoires flash NAND à haute capacité, les disques durs de très petite taille, la nouvelle génération de processeurs (« CPU »), et toutes les nouvelles technologies afférentes au traitement de l’image, à la transmission sans fil et aux modes de cryptage. L’entreprise s’apprête à faire prochainement des annonces concernant des progrès stratégiques réalisés dans le domaine de ces technologies dites de convergence.

Toshiba va commencer à réduire ses livraisons de lecteurs de salon HD DVD à la distribution avec pour objectif un arrêt de ces activités à fin Mars 2008.

Cette décision n’affectera en rien l’engagement de Toshiba au format DVD et l’entreprise continuera à commercialiser des lecteurs et des enregistreurs DVD conventionnels. En tant que membre du DVD Forum, une organisation internationale regroupant plus de 200 sociétés et dont l’objectif est de définir les formats optimaux de disque optique pour les consommateurs et les industries concernées, Toshiba souhaite maintenir sa contribution au développement de l’industrie du DVD.
Toshiba souhaite également maintenir sa collaboration avec les sociétés qui ont contribué à construire avec Toshiba le marché du HD DVD , incluant Universal Studios, Paramount Pictures, et DreamWorks Animation et les plus importants studios européens et japonais, ainsi que les leaders de l’industrie IT, à savoir Microsoft, Intel, et HP. Dans la perspective de futures opportunités commerciales, Toshiba étudiera la possibilité de mettre en place une coopération avec ces entreprises, basée sur les nombreux actifs acquis dans le cadre du développement du HD DVD.

Avishai Cohen - As Is... Live At The Blue Note

2008-02-13T20:33:00.014+01:00

J’ai découvert Avishai Cohen il y a quelques années dans une petite boîte de Jazz parisienne nommé le Bilboquet ou ce bassiste et compositeur d’origine israélienne démontrait son talent entouré d’une bande de musiciens venus des quatre coins du monde ( the International Vamp Band) pour jouer un jazz mâtinée d’un mélange détonnant de rythmes judéo afro américain. Remarqué par le grand Chick Corea à New York (qui l’embarqua plus d’une fois en tournée), son troisième album en tant que leader, Unity, m’avait déjà fait forte impression en démontrant une vraie maturité à travers sa capacité à s’effacer devant la musique. J’y découvrais, en marge de la contrebasse, son talent de pianiste à travers des mélodies originales véhiculant la passion, la mélancolie et la joie de vivre d’un musicien en pleine découverte de lui-même.

Trois disques plus tard, le voici de retour avec As Is… Live At The Blue Note enregistré, comme son nom l’indique, au Blue Note, boite New-yorkaise mythique s’il en est, en compagnie de Sam Barsh au piano (remarquable) et au mélodica, Mark Guilliana aux percussions, Diego Urcola à la trompette et Jimmy Green au saxophone. L’album contient à la fois un CD et un DVD pour une expérience totale de ce moment forcément privilégié pour l’artiste.
Sans être révolutionnaire, ce concert mérite toute votre attention. On y trouvera un mixe de ses meilleurs morceaux ainsi qu’un certain nombre de nouvelles mélodies, enrichies par le saxophone et la trompette, ainsi qu’une version intéressante de la « Caravan » de Duke Ellington et Juan Tizole, joliment arrangé et interprété par un groupe de musiciens qui prend visiblement plaisir à jouer ensemble.
Avishai Cohen, à la basse électrique et à la contrebasse, souligne et explore la mélodie avec conviction et un touché qui n’est pas sans rappeler parfois celui de Paul Jackson sur le célèbre album d’Herbie Hancock Head hunters. Bien aidé par le piano de Sam Barsh, le saxophone d’un Jimmy Green brillant et les rythmes enlevés de Mark Guilliana, on se laisse ainsi emporter pendant une grosse heure par la passion communicative qui se dégage de ce concert.
Une motivation que l’on retrouve d’ailleurs sur le DVD qui restitue bien l’ambiance si particulière du Blue Note et permet de mieux découvrir le talent de Sam Barsh au piano, l’énergie réjouissante d’Avishai Cohen…et la santé de la piste PCM qui accompagne des images dont la qualité est forcément un peu bridée par le manque de lumière : bruit vidéo, cross colore et fourmillements au programme. D'une manière générale, le concert a été enregistré avec soin et pourra s’écouter comme un album studio, agrémenter de l'ambiance inimitable de la salle, les bruits de fourchettes et de verres et cette tension qui n'appartient qu'à la scène, constituant du même coup un Best of d’Avishai Cohen parfaitement recommandable auprès de celles et ceux qui voudront le découvrir.

Avishai Cohen
As Is… Live At The Blue Note
Edition: Half Note

Retrouvez cette découverte musicale et bien d'autres sur EcoutezVoir magazine : www.evmag.f

An experience of the Linn Klimax DS - First High End digital stream music player

2008-02-10T16:35:00.002+01:00

Linn Klimax DS - tested at home for 5 days

1/ Owner’s visit
2/ Operating the Klimax DS
3/ A growing user interface
4/ Comparative listening : Linn Klimax DS vs Linn CD 12

Not so long ago, I was rather afraid of the inevitable process of recorded music dematerialisation. Once the CD would be over, I was picturing myself wandering across the Internet, in search of uncompressed files that would allow me to discover new releases in hardly decent conditions, with my personal computer connected to the audio system … but in the final hope of finding some old Duke Ellington LP in order to enjoy the real plentiness of music as it had been conceived. Hopefully, since Linn’s new Klimax DS has come visiting my system, I feel relieved. CD stopping and the failure of SACD will not frustrate the audio-freak and music-lover that live within me, far from it. Even if I cannot currently afford spending 15 000 € to acquire this beautiful piece of work, the Klimax DS is demonstrating that music can eventually benefit from this behavioural and technological revolution.

1/ Owner’s visit

From the birth of the cult-ish Linn Sondek LP 12 turntable, and till the not less famous CD 12 player, the Scotland-based Linn Products has made its speciality designing analog and digital front-end which are musically and technically outstanding. Facing the issue of medium dematerialisation, Linn’s design centre has put all its guts on the conception of a system which mission is to even outperform the CD 12. This latter box was the result of Linn’s own research program in the aim of “extracting as much information and music as possible from a mere CD”. The Klimax DS device uses in its turn a mass storage device to record the information extracted from a CD or downloaded from the Internet, thus removing - once for all - the vibrational problems, errors and jitter proper to CD optical replay. In practical terms, the Klimax DS is a sophisticated digital-to-analog converter, linked to an external hard-disk drive (or to that of your personal computer), which contains uncompressed .wav or FLAC files (this format being an open, lossless encryption scheme). The resulting stereo signal is then delivered to the preamp under the analog form, using either symmetrical or asymmetrical outputs, as with any conventional player.

From left to right : the analog outputs (both symmetrical and asymmetrical), an earthing post, two RS232 connectors, the Ethernet port, the power switch and IEC socket.

Technically speaking, the Klimax DS is able to read any LPCM encoded audio file, up to the 24 bits - 192kHz format. Its architecture is based on a Xilinx chip which performs oversampling at 384 kHz or 352,8 kHz (depending on the original sampling frequency), before it passes the data stream to a Wolfson WM8741 D-to-A converter of the latest generation, working in a multi-bit and Delta-Sigma mode. The whole thing is driven by a floating master clock which also buffers the stream coming from the HDD through an Ethernet link, keeping jitter as low as can be. Although Linn does not disclose too much information about it, one can think that an important part of the Klimax DS sound quality just comes from the specific attention drawn to the clock and buffer management. As for the others guys of the Klimax family, the building quality of the DS is no less than exceptional : from component selection to the chassis itself (machined from billet aluminium in order to individually house all sub-parts, carefully shielded one from the other), everything has been done to draw the utmost performance from any single part of this very innovative circuitry.

On this image, one can clearly see the display and logic circuitry on the front, the switching power supply to the right, the data processing and conversion set at the center, and the analog output stages on the left of the box, well isolated one from the other.

The Klimax DS does not feature any digital output, nor any digital input that could be linked to an external drive unit (or integrated player). It cannot either reproduce motion soundtracks or any other digital media that would be read by your own computer, as some more conventional servers do. This lack seems to be the price to pay for achieving the extreme quality level of the Klimax DS. It will supposedly not bother music lovers in search of an ultimate front-end allowing them to enjoy their music in the best condition. Still, spending much of my daytime in front of a computer, I regret that I cannot use it as a more universal converter.

Controlling the Klimax DS is done through a proprietary graphical interface (named Linn Gui), accessible from a Tablet PC featured with touch-screen and WiFi facilities. This allows browsing through your music library and editing playlists. As soon as these playlists are created, it is possible to browse titles as anyone can do on a standard CD player, either via the Tablet PC or thanks to the small remote control provided with the machine. The Klimax DS can also be managed from any other computer (PC compatible, at the time being) or be integrated into a full IP network, but its prime function is to play the music stored on a HDD. Full stop.

2/ Operating the Klimax DS

To start with, one needs a computer to load CD contents or stored files into the HDD data bank. Linn recommends using Exact Audio Copy, a piece of software which makes CD copies by repeating misled tracks replay until they are fully understood. This operation, although non-critical, can take up to 15 minutes or so per CD. Linn retailers are invited to find local partners likely to transfer your whole CD library to the HDD for you. I’ve got 2000 CD : I would then spend some 500 hours doing it by myself … probably a good idea to give it to someone else !
Ideally, the Klimax DS has to be connected to the Internet, on which it will recover all useful information related to the recordings (artist, titles and timings, …), and also high-resolution music files (24 bits – 96 or 192 kHz). As of now, one can buy them from sites like Linn Records, the sister company to Linn Products, which offers its entire music catalogue with master-like quality.
Still, once all information is stored on the disk, it is also possible to use the DS thing without a connection to the Web, through a router device (that is, a network distribution thing) able to attribute an IP address to any component in the connected system. But the DS still needs an external WiFi modem, in order to communicate with the Tablet PC that acts as a smart remote control. This WiFi link will also allow copying CD information from the computer to the HDD while getting rid of one more wire connection.
I still regret, by the time of installation, that the supplier has not integrated the whole thing into one box. I can appreciate that a WiFi modem would have compromised the Klimax DS ultimate sound performance (WiFi standard is also due to evolve, and this would make an integrated modem become obsolete soon), but less understandable is the fact that The Klimax DS is not the very center of the system, by incorporating the IP router facility. One could even have imagined the possibility of a direct link to a CD ROM player, together with an integrated copy software that would have eased the databank daily update. If Linn wished to offer the ultimate front-end and nothing else than that, best would have been to offer a totally integrated physical interface. But future is not written down yet ! The Klimax DS has just been released and overall development is starting now. No doubt that new features will soon be added to the initial ones, in order to provide a more ready-for-use device.

3/ A growing user interface

As you may have understood, installing the Klimax DS requires a minimum level of networking skills, and your retailer will normally deal with this. The machine is a wonderfully looking component, simple and elegant, machined in billet aluminium, but deprived of any key or button, and hence has to be remotely controlled.
To be frank, the Linn Gui user interface currently provided is not up to the device’s standard. Building playlists requires using a graphical menu featuring neither scrolling facility nor search engine that would have facilitated usage. Once prepared, the playlist only show track titles, but no clue on the album it comes from nor on the artist who did it : we’ve seen best ! Hopefully, one can swap from a track to another via the small plastic remote control provided with the machine … which still does not have rewind or forward functions, but can only skip to the previous or to the following track. What a pity ! Especially when one thinks that signal is coming from a HDD.
But all this is due to evolve quickly. Linn has chosen the open UPnP network protocol for controlling their machine. Peripheral and remote control suppliers will hopefully undertake developments around this spreading programming language, for the sake of the user-friendliness. At the time I am writing, one can already replace the Tablet PC that I used with a Nokia N800 Pocket PC. Both smaller and smarter, it will soon offer new features and a more intuitive management of the Klimax DS.

Shown above, the Nokia N800 provided with a graphical interface which allows controlling the DS. We are still far from i-tunes ergonomics, but a lot of evolution is forecasted within the coming months, including the display of the selected record covers.

4/ Comparative listening : Linn Klimax DS vs Linn CD 12

One could argue that, due to my personal attachment to Glasgow’s flagship HiFi Mark, I miss the necessary objectivity to judge the Klimax DS. Believe me, this is damn wrong ! Some years ago, when time had come for me to spent more than 15 000 € on a reference front-end, I spent some time scanning all the competition that market offered before choosing the CD12. A competition that I keep on knowing well and enjoying much, as an audio journalist.
At once, I have been convinced that the Linn Klimax DS was an exceptional music front-end. The kind of music flow that suddenly irrigated my system was pretty much comparable to that of a high-end turntable. This homogeneity, this total lack of stress was all the more blatant as comparisons were done with the very same tracks played on the Linn CD12 then on the DS.
On Hadouk Trio Baldamore live album, the CD12 makes quite an excellent job. Despite its age (almost 6 years for the 24/96 version which I am the happy owner), it develops a musical quality, a liquid character and trackability which I think are still unrivalled. Ok, there is the same sort of material sense and natural expressiveness on a Nagra CDC or a Naim CD 555, but these qualities are not fully present on a DCS Puccini or an Esoteric X-01 D2. These latter references can give the impression they go further in terms of accuracy and raw dynamic range, all fields in which they benefit from the technology of their last generation circuits and computational power. Their merits are clear to the careful ear, but they don’t bring me more listening pleasure. The Nagra CDC possesses the same sensual and liquid ability, this lack of digital stress, whereas the Naim CD 555 pushes forward its marvellous sense of rhythm and an equally impressive full spectrum. But none of these two really outperforms the CD 12 on pure musical terms.
Still, with the Klimax DS, the marvellous diversity of Steve Shehan’s hand touch and groove sense on the track “Hijaz” appear under a new light, being like magnified by the length of tones extinction, together with the tonal perfection of the sound of metal ringing under its fingers. The drum kick seems even more focused in space, and when Loy Ehrlich gumbass comes in, it underlines the track with a fully controlled energy, totally integrated to the melody. This gives an additional depth to the stereo image : indeed, the whole soundstage has just opened in front of our ears. The sense of presence and the tonal quality of Didier Malherbe’s doudouk brings an hallucinating realism to this wonderful live recording. Nevertheless, it is going back to the CD 12 that I can better pinpoint the differences in subtlety and details richness between the two components. As it is always easier to figure out exactly which gap has been jumped when going back to a source of “lesser” quality.
Faced to the homogeneously spread out sense of rhythm and energy of the Klimax DS, the CD12 seems more reserved, almost dark, as if information was missing for a perfect recovery of instrumental micro-dynamics. What is really striking is that analog recordings as badly transferred to CD as Pink Floyd ‘s The Wall benefit from being “played” on the Klimax DS. On the track “Nobody Home”, which starts by the remote sound of a TV set and a yelling man’s voice, the Klimax outlines the sound perspective with an outstanding accuracy, whereas one very progressively discovers the heartbeat coming from the far end of the soundstage. On a global basis, each and every added detail is more delineated, better focused and still perfectly integrated into the melody. As a result, the rhythm seems to have slowed down, become more peaceful, and one finds out a new perspective on the track’s elements, gaining a depth which recalls that of vinyl replay. This is an impression I also felt on “The plaint”, from the magnificent songs collection Music for a While by Henry Purcell starring Alfred Deller. On this track, recorded in a church, Deller’s voice is accompanied by a harpsichord and a bass viol, and the melody’s melancholy is revealed with a new truth. To the extent one could think of having swapped to another master ! The violist’ breath, the density of the viol’s body, the plucking of the harpsichord, everything has acquired a new suppleness, without any loss of detail, whereas the voice, even more delicate as with the CD12, is better set in its acoustic space.
Here, the Klimax DS demonstrates its ability to resolve low-amplitude signals, all these reverberations, these resonances that are the life and the presence of the music. The Klimax DS succeeds in bringing full tonal richness and articulation, or alternately in reproducing the genuine dryness of a chord, without falling into the caricatural trap of a soliciting and irritating over-definition. Clearly, it extracts any available piece of information, just to integrate it into the melody and not for a cold analysis of its single parts only. Do not think that this seductive elegance hides any flabbiness, some kind of excessive softness, or suffers from lazy attacks on a more kicking program. In this field, the huge but cleverly applied dynamic compression of Madonna’s American Life will show the opposite. A great credit is given here to the engineer’s work. The natural and soft depiction of all intricated layers of effects, re-recording gimmicks, synth bass impulses, that the Klimax DS brings invites to raising the volume again and again, beyond reasonable measure. What a kick ! Stereophonic artefacts blossom, invade the whole room, and going back to the CD 12 is strikingly felt as image-shrinking and tone-darkening. Obviously no one has lowered instrument pitch, but the upper part of the spectrum is so detailed and the bass is also so defined with the Klimax DS that I discover a new side of this album I know so well.
Same impression prevails on Broken Rhythms by Trilok Gurtu, where traditional indian percussions are bouncing off with unheard joy and fluidity. The quality of tones’ attacks is properly astounding. On the second track “Kabir”, one feels like being surrounded by all the percussions, whereas the singer’s voice dominates this rhythmic avalanche with ease.
Be it on Bill Evans’ piano, Miles Davis’ trumpet, the wild progamming schemes of Radiohead’s tracks or on Laurie Anderson’s psychedelic delirium, the Klimax DS always displays its superiority over the CD 12, with a varying degree of importance. In general, the DS lets one enter into the music more easily, brings more things to hear, and blows the traditional stereophonic triangle limits. The image completely fills the room, with no degree of projection or roughness.
Strangely, I have been less impressed by the differences between tracks stored under the CD format (16 bits – 44 kHz) and their 24 bits – 96 kHz version, than between the same track played on the CD 12 and then on the Klimax DS. So wide is the gap jumped by the Klimax DS reading a mere extract from an ordinary CD, that I had hoped the same sort of difference between standard and high resolution excerpts. The better sharpness of hi-res files is nevertheless sensible : there is a gain on depth and precision, especially on the upper part of the spectrum. But this listening test will have to be done again when there is more material available than the three tracks provided with the machine.

Conclusion

On a performance point of view, the Klimax DS is a really astounding front end, another total success to be credited to one of the best design team in the whole audio industry. It is certainly the most musical digital gear I had the opportunity to hear. One can always criticise the elitist approach of the company, since there are other suppliers which propose more versatile and far less expensive devices to whom wants to enjoy dematerialised music formats. But if one takes into account to the task that has been set to its designers – namely turn out the best digital source for the years to come – the Klimax DS component has no real competition to face. Surely, the user’s interface remains to be improved for day to day operation, and also for users of Macintosh computers, which probably represent a number of potential purchasers. No doubt that the choice of UPnP will lead to the availability of many smarter solutions for the management of the DS, be they brought by Linn or by independent developers.
In the end, those who think that the Klimax DS’ price tag is far too high will have to consider the following : on the one hand, this innovative player surpasses to date every no-compromise front end. Including machines which price equals or exceeds that of the DS. On the other hand, Linn already proposes a more flexible and less costly platform with the Akurate DS. … This component is priced around 6000 € and will soon be met by another machine using the same sort of technology, at half its price.
The question of transferring CDs on a server device will remain. Beyond the recourse to a tier party doing it for you, I suggest that Linn turns out a complementary piece of equipment housing both a CD/DVD ROM player and a resident copy software, to be connected to the Klimax DS. This box could also contain the Ethernet server plus a WiFi modem in order to be an integrated device of great user-friendliness.

The Klimax DS has been created to offer the best of digital for today’s and tomorrow’s use. By contrast with other current digital front-ends, its open architecture together with its 24 bits – 192 kHz capability and its independent storage device are a guaranty over obsolescence. This is the same sort of philosophy that prevailed to the Sondek LP12 spirit in its time … what a reference !

Playback system : CD player: Linn Sondek CD 12, preamplifier: Linn Kisto, Power amplifiers: Linn Akurate 3200 ( x 2) and 4200, Linn Akurate 242 loudspeakers and their dedicated 5 ways active filters, Bass reenforcement subwoofer: Linn AV5150. Interconnect: Cardas Golden Cross, Linn Silver Interconnect ( new connector), speaker cable: Linn K400 & K600.

Tranche de vie avec le Linn Klimax DS - Premier serveur musical sans compromis

2008-02-02T18:08:00.005+01:00

Linn Klimax DS - durée du test : 5 jours

Pour faciliter la lecture, j’ai divisé l’article en quatre sections :

- 1/Petit tour du propriétaire
- 2/Mise en œuvre
- 3/Interface utilisateur
- 4/Écoute comparative

Il n’y a pas si longtemps encore, la dématérialisation inévitable de la musique enregistrée me faisait un peu peur. Le CD disparu, je m’imaginais condamné à errer sur Internet. Partir à la recherche de fichiers non compressés pour découvrir dans des conditions à peine décentes les dernières nouveautés sur un ordinateur branché à ma chaîne... en attendant de dénicher ce vieil enregistrement de Duke Ellington en vinyle pour savourer encore le bonheur d’écouter la musique telle qu’elle a été désirée. Pourtant, depuis que le Linn Klimax DS est passé faire un tour dans mon système, je me sens rassuré. L’arrêt du CD et la faillite du SACD ne frustreront pas l’audiophile et le mélomane qui cohabitent en moi, bien au contraire. Même si je n’ai pas les moyens d’investir les 15000 euros nécessaires à l’acquisition de ce bel objet pour l'instant, le Klimax DS démontre que la musique peut finalement bénéficier de cette révolution des mœurs et de la technologie.

1/Petit tour du propriétaire.

Depuis la cultissime platine vinyle Linn Sondek LP 12 jusqu’au non moins célèbre lecteur Linn Sondek CD-12, le constructeur écossais Linn Product s’est fait une spécialité de concevoir des sources analogiques et numériques musicalement et techniquement exceptionnelles.
Confronté à la dématérialisation du support, le bureau d’étude de Linn ne s’est pas donc pas dégonflé en se lançant dans la conception d’un système dont la mission est de dépasser clairement les performances du CD 12. Si ce dernier se voulait l’aboutissement des recherches menées par le constructeur pour extraire le maximum d’information et de musique d’un CD, le Klimax DS utilise une mémoire de masse pour stocker les informations extraites d’un CD ou téléchargées depuis Internet, supprimant ainsi purement et simplement les problèmes de vibrations, d’erreurs et de jitter inhérents à la lecture d'un disque optique. Pratiquement parlant le Klimax DS est donc un convertisseur numérique sophistiqué, attaché à un disque dur externe ou à celui de votre ordinateur, contenant des fichiers wav (- c’est-à-dire non compressés) ou FLAC ( un format de compression sans perte non propriétaire) haute résolution. Le signal stéréo est délivré au préamplificateur en analogique via ses sorties symétriques et asymétriques comme avec n’importe quel lecteur conventionnel.

A droite, les sorties analogiques asymétrique et symétrique, une borne de masse, deux prises RS232, le port Ethernet, la mise sous tension et l'embase IEC du cordon d'alimentation.

Techniquement parlant, le Klimax DS est capable de lire tous les fichiers audio LPCM jusqu’au 24 bit / 192 kHz. Son architecture est basée sur une puce Xilinx qui effectue un suréchantillonnage en 384 ou 352,8 kHz ( - en fonction de la fréquence d’échantillonnage initiale) avant de confier le flux numérique à la dernière génération de convertisseurs numérique - analogique Wolfson WM8741 fonctionnant à la fois en multi bit et en Delta Sigma. L’ensemble est piloté par une horloge maître flottante qui se sert d’un étage tampon pour optimiser le flux numérique en provenance de la liaison Ethernet qui le relie au disque dur, afin de garder le jitter aussi bas que possible. Si le constructeur ne s’étend pas vraiment sur la question, on peut penser qu’une partie importante des qualités du Klimax DS provient de la gestion spécifique de cette horloge et de son buffer. Comme d'habitude sur la série Klimax, la qualité de fabrication du DS est exceptionnelle: la qualité des composants, le boitier creusé dans l'aluminium pour ménager des espaces séparés et totalement blindés à chaque partie importante de l'appareil, tout a été mis en oeuvre par le bureau d'étude pour tirer le maximum de performance d'un schémas novateur à bien des égards.

Sur cette photo, on aperçoit bien l'affichage et la logique de commande sur le devant, l'alimentation à découpage à droite, le circuit d'acquisition et de conversion au centre et l'étage de sortie analogique clairement isolés les uns des autres afin de ne pas se perturber électromagnétiquement.

Le Klimax DS ne possède pas d’entrée ou de sortie numérique conventionnelle pour y connecter un lecteur de CD ou un Drive et ne peut pas non plus reproduire le son d’un film ou de tout autre média lu directement sur votre ordinateur comme le ferait un serveur traditionnel. Cette limitation semble être le prix à payer pour offrir le niveau de qualité extrême dont le Klimax DS est capable et ne gênera sans doute pas les audiophiles et mélomanes à la recherche d’une source ultime pour savourer leur musique dans les meilleures conditions. Je regrette pourtant, moi qui passe une grande partie de ma journée devant un ordinateur, de ne pouvoir simplement m’en servir comme d’un convertisseur universel.

Le pilotage du Klimax DS s’effectue par l’intermédiaire d’une interface graphique propriétaire (baptisée Linn Gui), accessible depuis un Tablet PC doté d’un écran tactile et d’une liaison Wifi (sans fil), qui permet de naviguer dans votre discothèque et de constituer des listes de lecture. Il est dès lors possible de naviguer dans la liste de lecture comme on le ferait avec n’importe quel CD, soit par l’intermédiaire du Tablet PC, soit via la petite télécommande fournie avec l’appareil. Bien entendu, on peut aussi piloter le Klimax DS directement depuis son PC ou l’intégrer dans un réseau comprenant d’autres appareils, mais sa fonction première est de lire de la musique depuis un disque dur, un point c’est tout.

2/Mise en œuvre.

Au départ, il faut donc un ordinateur pour charger les disques ou les fichiers dans la banque de données du disque dur. Linn recommande l’usage d’un programme nommé Exact Audio Copy qui va scanner le CD en repassant autant de fois que nécessaire sur la piste pour s’assurer qu’il ne lui manque aucune information. Cette opération, bien que facile, prend une quinzaine de minutes par disque. Les revendeurs Linn sont incités à trouver des partenaires susceptibles d’effectuer le transfert de votre discothèque sur le disque dur à votre place. J’ai 2000 CD : il faudrait donc 500 heures pour effectuer l’opération moi-même… c’est peut-être une bonne idée de s’en remettre à un prestataire !

Idéalement, le Klimax DS doit être relié à Internet, sur lequel il va pouvoir récupérer les informations relatives au CD (artiste, nom et durée des pistes…) ainsi que les fichiers musicaux haute-résolution 24 bits 96 ou 192 kHz qu’il est désormais possible d’acheter auprès des sites tels que Linn Records, la compagnie éditrice sœur de Linn Products, qui propose l’ensemble de son catalogue musical en qualité master.

Il est pourtant possible d’utiliser le Klimax sans Internet, une fois les informations stockées sur le disque, à travers un routeur (- c’est-à-dire un distributeur réseau) capable d’attribuer une adresse IP aux différentes parties du système. L’appareil a encore besoin d’une borne Wifi afin de communiquer sans fil avec le Tablet PC qui va lui servir de télécommande intelligente. Cette liaison Wifi permettra également de copier les informations des CD depuis l’ordinateur sur le disque dur par la voie des airs, et de se débarrasser d’une liaison filaire supplémentaire.

Reste que l’on regrette un peu au moment de l’installation que le constructeur n’ait pas intégré le tout dans la boîte. On comprend que le module Wifi soit susceptible de perturber cet appareil conçu avant tout pour la performance audio (- d’autant plus que les normes Wifi sont amenées à évoluer ce qui le rendrait, à terme, obsolète) mais je comprends moins que le Klimax DS ne soit pas le centre du système en intégrant son propre générateur d’adresse IP, et donc le routeur nécessaire à piloter l’ensemble des éléments ( disque dur, borne Wifi et télécommande Tablet PC) qui lui sont reliés. On aurait même pu imaginer une connexion directe à un lecteur optique et un programme intégré de copie CD vers disque dur qui aurait facilité la mise à jour de la banque de données au quotidien. Si Linn a voulu concevoir une source extrême et rien que cela, autant simplifier la vie de l’utilisateur en lui offrant une interface physique totalement intégré. Mais ne présageons pas de l’avenir. Le Klimax DS vient de sortir et son développement commence à peine. Nul doute que de nouvelles possibilités viennent s’ajouter bientôt à celles de base, pour en faire un appareil vraiment facile à brancher.

3/ Une interface utilisateur en devenir

Comme vous l’aurez compris, l’installation du Klimax DS demande un minimum de compétences informatiques et c’est donc votre revendeur qui se chargera de l’opération. L’appareil en lui-même est magnifique dans son coffret au design simple et élégant, taillé dans un bloc d’aluminium usiné dans la masse, mais il ne comporte aucune commande en façade et il faudra donc impérativement le piloter à distance.

Pour être clair, l’interface utilisateur « Linn Gui » actuellement fournie avec le Klimax DS n’est pas digne de l’appareil. La constitution des listes de lecture impose de se servir d’un menu dépourvu d’ascenseur, sans l’aide d’un simple moteur de recherche, qui aurait pourtant largement facilité l’opération. La liste ainsi constituée ne comporte plus que le nom des morceaux, mais aucune indication de l’album dont il est extrait ou même de son interprète : on a déjà vu mieux ailleurs ! Heureusement, une fois la liste de lecture constituée, on peut passer d’un morceau à l’autre par l’intermédiaire de la petite télécommande en plastique livrée avec l’appareil… qui ne comporte pas d’avance ou de retour rapide mais uniquement les sauts de plage. Un comble alors que le signal provient d’un disque dur.

Mais tout ceci est amené à évoluer rapidement. Linn a choisi le protocole de communication réseau ouvert Upnp pour piloter son appareil. Ce langage de programmation, de plus en plus répandu, permet d’espérer des développements rapides chez tous les constructeurs de périphériques et de télécommandes réseau, au grand bénéfice de la convivialité de l’interface utilisateur. Au moment ou j’écris ces lignes, on peut déjà remplacer le Tablet PC dont je me suis servi par un Pocket PC Nokia N800. À la fois plus petit et beaucoup plus élégant, il offrira bientôt de nouvelles fonctionnalités et un pilotage beaucoup plus intuitif au Klimax DS.

Le Nokia N800 doté de l'interface graphique qui permet de piloter le Klimax DS. On est encore très loin d'itune, mais de nombreuses évolutions sont prévues dans les mois à venir, avec notamment la possibilité d'afficher les pochettes des albums sélectionnés.

4/ Écoute comparative : Linn Klimax DS contre Linn Sondek CD 12

Certains pourront penser que, compte tenu de mon attachement à la marque de Glasgow, je manque d’objectivité pour juger le Klimax DS. Croyez-moi pourtant, il n’en est rien. Quand il s’agit de dépenser plus de 15000 euros pour acquérir une source de référence tel que le CD 12, on fait le tour de la concurrence sans état d’âme. Une concurrence que je connais bien pour la fréquenter, et l’apprécier souvent, dans le cadre de mon travail de journaliste Hifi.
Le Klimax DS se révèle d’emblée une source de musique tout simplement exceptionnelle. Il délivre à travers mon système un flot de musique d’une fluidité qui fait immédiatement penser à une platine vinyle de très haut de gamme. Cette homogénéité, cette absence de crispation numérique est d’autant plus flagrant que la comparaison se fait à partir du même morceau lu par un lecteur CD du calibre du Sondek CD 12.
Sur le live d’Hadouk Trio Baldamore, le CD 12 ne démérite pourtant pas. Malgré son âge (presque 6 ans déjà pour la version 24/96 dont je suis l’heureux possesseur), il développe à mon oreille des capacités musicales, une fluidité et une lisibilité dont peu de références actuelles sont encore capables. On retrouve bien cette sensation de matière et d’expressivité naturelle sur un Nagra CDC ou sur un Naim CD555, mais pas totalement sur un DCS Puccini ou un Esoteric X-01 D2. Ces deux derniers pourront donner l’impression d’aller encore plus loin en matière de précision et de dynamique pure, domaines dans lesquels ils imposent la technologie de leurs circuits de dernière génération et leur puissance de calcul. Leurs qualités sont évidentes à l’oreille attentive, mais ils ne me donnent pas pour autant plus envie d’écouter de la musique. Le Nagra CDC possède cette même liquidité charnelle, cette absence de crispation numérique alors que le Naim CD555 impose un merveilleux sens du rythme et une bande passante toute aussi impressionnante. Mais aucun des deux ne dominent vraiment le CD 12 sur une écoute musicale.
Pourtant, sur le morceau « Hijaz », la merveilleuse diversité des frappes et le sens du groove de Steve Shehan apparaîssent sous un nouveau jour avec le Klimax DS, comme magnifiés par la longueur des fins de notes et la subtilité des timbres du métal qui sonne sous ses doigts. Le pied de batterie apparaît encore mieux dessiné dans l’espace, et quand la gumbass de Loy Ehrlich fait son apparition, c’est pour souligner le morceau avec une énergie contrôlée totalement intégrée à la mélodie, pour donner une dimension supplémentaire à la profondeur de l’image stéréo.
En fait, c’est l’intégralité de la scène sonore qui vient de s’ouvrir devant nos oreilles. La sensation de présence et la qualité de timbre du Doudouk de Didier Malherbe donne un réalisme hallucinant à cette magnifique prise de son Live. Pourtant, c’est au retour en arrière que l’on découvre avec davantage d’acuité encore la différence de subtilité et de richesse d’informations entre les deux machines, tant il est toujours plus facile de prendre conscience de ce que l’on a perdu en revenant sur une source de qualité « inférieure ».
Confronté au sens du rythme et à l’énergie parfaitement répartie du Klimax DS, le CD 12 apparaît plus réservé, presque sombre, comme s’il manquait des informations pour reconstituer parfaitement la micro dynamique des instruments. Ce qui est encore plus bluffant, c’est de découvrir que même un disque aussi mal transféré sur CD que The Wall de Pink Floyd profite des bienfaits du Klimax DS. Sur « Nobody Home » qui commence par le son lointain d’une télévision et la voix d’un homme qui hurle, le Klimax définit les plans sonores avec une précision inouïe alors que l’on découvre le battement d’un cœur en arrière plan jusqu’alors à peine esquissé. D’une manière générale, chaque élément rapporté apparaît simplement plus lisible, à la fois mieux détaché et pourtant parfaitement intégré à la mélodie. Du coup, le rythme semble subjectivement plus lent, comme apaisé, alors que l’on découvre une nouvelle articulation des différents éléments du morceau en gagnant une profondeur dont on avait gardé le souvenir sur le vinyle sans jamais la retrouver sur le CD.
Une impression que l’on retrouve également sur « The Plaint » extrait du magnifique recueil de chansons Music for a while d’Henry Purcel, interprété par Alfred Deller. Sur ce morceau, enregistré dans une église, la voix du haute-contre est accompagnée d’un clavecin et d’une viole de gambe et la mélancolie de la mélodie apparaît avec une nouvelle évidence. À tel point que l’on a presque l’impression d’avoir changé de master !. Le souffle du gambiste, la densité de la caisse de la viole comme le pincement des cordes du clavecin acquièrent une nouvelle souplesse, sans pour autant perdre en détail, alors que la voix, toujours plus délicate, vient prendre sa place dans l’acoustique du lieu.
Ici, le Klimax DS démontre sa capacité de résolution sur les petits signaux, toutes ces réverbérations, ces résonances qui font la vie et la présence de la musique. Le Klimax DS réussit à communiquer l’articulation et la richesse des timbres, l’aridité ou la sécheresse d’un accord sans jamais tomber dans la caricature d’une hyper définition racoleuse et vite fatigante. D’évidence, il extrait la moindre information disponible, mais c’est pour la mettre au service d’une reproduction homogène de la mélodie et non pas d’une froide analyse des éléments qui la constituent.
Et n’allez pas croire que cette séduisante élégance cache une quelconque forme de mollesse, une souplesse excessive ou des attaques paresseuses sur une musique plus tapageuse. Dans ce domaine, la compression ravageuse (mais intelligente parce que sélective) de l’album American Life de Madonna vous démontrera le contraire. Le travail de l’ingénieur du son est ici à l’honneur. Les différentes couches d’effets, les jeux de re recording, la frappe d’une basse synthétique, tout concourt à faire de cet album rempli d’énergie un pousse-au-crime où la douceur et le naturel du Klimax DS donnent envie de mettre toujours plus fort pour profiter de l’énergie débordante dont il est capable. Quelle claque ! Comme libérés de leurs gangues, les effets stéréophoniques envahissent la pièce et le retour au CD 12 est vécu comme un repliement de l’image stéréo et une sensation d’assombrissement saisissante alors que cet album passe d’habitude remarquablement chez moi. Pourtant, la hauteur des timbres n’a pas changé, mais le haut du spectre apparaît si détaillé et le grave si défini que je découvre une nouvelle approche de cet album que je connais pourtant par cœur.
Même impression sur le Broken Rhythms de Trilok Gurtu où les percussions traditionnelles indiennes rebondissent avec un entrain et une fluidité que je ne leur connaissais pas. La qualité des attaques est tout bonnement époustouflante. Sur la deuxième plage « Kabir », on se trouve au milieu des peaux alors que la voix de la chanteuse domine avec aisance cette avalanche de rythmes entrelacés.
Que ce soit sur le piano de Bill Evans, la trompette de Miles Davis, les programmations sauvages de Radiohead ou les délires psychédéliques de Laurie Anderson, le Klimax DS affirme systématiquement, avec plus ou moins d’ampleur, sa supériorité sur le CD 12. Avec le DS, on rentre plus facilement encore dans le morceau, on entend plus de choses alors que l’image stéréo oublie totalement le triangle stéréophonique pour remplir la pièce sans aucune forme de projection ou de dureté indésirable.
Curieusement, j’ai été moins impressionné par la différence entre un morceau stocké au format CD ( 16 bit / 44,1 kHz) et sa version 24 bits / 96 kHz que par la comparaison du même morceau joué par le CD 12 puis par le Klimax DS.
La résolution supérieure est pourtant bien perceptible, alors que l’on gagne encore un peu en profondeur et en précision, notamment dans le haut du spectre. Mais le Klimax DS parvient à creuser un tel écart avec le signal extrait d’un simple CD que l’on en espérait un de même ampleur entre un format standard et la haute résolution d’un signal 24 / 96. Une expérience à réitérer lorsque les morceaux en Haute Définition serrons plus nombreux et plus diversifiés que les trois exemples qui étaient fournis avec l’appareil.

En conclusion

Sur le plan des performances, le Linn Klimax DS est une source musicale véritablement époustouflante, une réussite totale de plus à mettre au crédit d’un des meilleurs bureaux d’étude que compte l’industrie audio et certainement la source numérique la plus musicale qu’il m’ait été donnée la chance d’entendre.
On pourra toujours critiquer l’approche élitiste du constructeur à l’heure où certains de ses concurrents moins prestigieux proposent des solutions à la fois plus souples et considérablement moins onéreuses à ceux qui souhaitent profiter de la dématérialisation du support. Mais si l’on s’en tient à la mission que lui a confiée ses concepteurs, à savoir proposer la meilleure source de musique numérique possible pour les années à venir, le Klimax DS est une machine sans réelle concurrence.
Bien sûr, il reste aux ingénieurs de la marque à perfectionner l’interface utilisateur de l’appareil afin de le rendre plus agréable et facile à utiliser au jour le jour, sans oublier les utilisateurs de Macintosh, qui représentent un nombre important d’acheteurs potentiels de ce genre de machine sans concession. Nul doute qu’en choisissant un standard de communication tel que l’Upnp, de nombreuses solutions se verront bientôt offertes aux clients pour piloter le Klimax DS avec élégance, qu’elles soient proposées par Linn ou par des développeurs indépendants

Enfin, à tous ceux qui pensent que le prix du Klimax DS est outrageusement disproportionné, je rétorquerai deux choses : d’une part, ce lecteur d’un nouveau genre dépasse en qualité musicale tout ce que j’ai pu entendre à ce jour en termes de sources numériques sans compromis. En incluant des machines dont le prix égale ou dépasse largement celui du Klimax DS.
D’autre part, le constructeur propose déjà une solution à la fois plus souple et moins onéreuse de cette plateforme à travers l’Akurate DS. Une machine proposée autour de 6000 euros qui se verra bientôt complétée par un petit frère deux fois moins cher mais doté de la même technologie.
Reste le problème de l’enregistrement des disques sur le serveur. En dehors de la solution qui consisterait à confier sa discothèque à une société susceptible de le faire à votre place, je suggère à Linn de concevoir une boite supplémentaire contenant à la fois une mécanique CD/DVD Rom et un programme de copie en liaison avec le Klimax DS afin de faciliter cette opération au jour le jour. Elle pourrait également contenir un serveur Ethernet ainsi qu’un module Wifi afin de constituer une solution intégrée d’une grande convivialité pour l’utilisateur final.

Le Linn Klimax DS a été créé pour offrir le meilleur du numérique aujourd’hui et demain. Son architecture ouverte et ses capacités de conversion 24 bits / 192 kHz alliées à un système de stockage indépendant, le garantissent contre l’obsolescence qui pénalise à terme l’intégralité des sources numériques traditionnelles. Une démarche finalement assez proche de celle qui avait présidé en son temps à la création de la platine vinyle Linn Sondek LP-12… Une sacrée référence !

Système d'écoute: Lecteur CD Linn Sondek CD 12, préamplificateur Linn Kisto, amplificateurs Linn Akurate 3200 ( x 2) et 4200, filtre actif 5 voies et enceintes Linn Akurate 242, caisson de grave Linn AV5150. Câbles de modulation: Cardas Golden Cross asymétrique, Linn Silver Interconnect ( nouveau connecteur) symétrique & asymétrique, câble HP Linn K400 & K600.

Je tiens à remercier Linn France et toute l'équipe d'Audio Synthèse pour m'avoir permi d'effectuer cet essais complet dans les meilleures conditions.

Marcel Kanche: Vertiges des lenteurs

2008-01-29T20:29:00.000+01:00

Le dernier album de Marcel Kanche, vertiges des lenteurs , n’est pas à proprement parler une nouveauté, puisqu’il est sorti en 2005, mais j’éprouve le besoin urgent de vous en parler avant qu’il ne disparaisse, peut-être définitivement, des bacs des disquaires. Marcel Kanche fait partie de ces rares poètes français, auteur, compositeur et interprète, qui ne cherche pas à plaire à tout le monde mais à développer son univers au rythme de son inspiration. Si vous cherchez une musique réjouissante et sautillante pour faire la fête entre amis, choisissez autre chose ! Car l’homme est ombrageux et son œuvre, pour tout dire, délicieusement sombre, extra lucide et romantique, marquée comme au fer rouge par une sensibilité à fleur de peau, portée par une voix granuleuse et fêlée, parfois à la limite de la rupture dans sa fragilité non feinte.
Vertiges des lenteurs est donc un album qui touche au cœur ou ne touche pas. Et s’il entraîne parfois à la mélancolie, fleuretant même avec le désespoir quand il entonne « rien ne sera comme avant » ou « Elle t’alite », c’est pour nous entraîner dans un univers ou les mots, sculptés comme une matière rythmique et sonore, éveillent les sens et l’essence même du poète.

Pour donner vie à ses vertiges, ce marginal atypique de la chanson française s’est donné le temps de composer des mélodies ciselées et souvent sensuelles, dans lesquelles le silence a sa place au même titre que les expériences qui constituent le travail de sa vie. Fleuretant sur les concepts, à la lumière des « lucioles oscillantes », il a su s’entourer de musiciens de grands talents, amis et amies de tous horizons pour l’accompagner dans ce long voyage au limite de l’âme humaine. Milo Malan à la batterie, Nicolas Pabiot au piano, à l’orgue et à l’harmonium et Marcel Kanche à la guitare et à la mandoline constitue une base inventive que vient enrichir, par petite touche, la présence du guitariste John Greaves, le violoncelle magique de Vincent Segal ou l’harmonica de Pierce Faccini, pour ne citer que quelques uns des protagonistes de ce disque résolument différent.

Il faut dire encore que Vertiges des lenteurs profite aussi du magnifique travail de réalisation de Philippe Teissier du Cros qui signe ici une mise en forme particulièrement impressionnante, à la fois épurée et complexe, qui magnifie encore la musique de Marcel Kanche. Dopé par un enregistrement naturel qui laisse tout entendre, un grave redoutable d’efficacité et de définition et une image sonore bluffante, cet album est un vrai bonheur pour libérer le potentiel d’un système hifi de haut de gamme. Une raison de plus d’acheter ce disque que sa faible diffusion devrait bientôt rendre difficile à trouver.

Marcel Kanche
Vertige des lenteurs
Edité au Label Bleu

Plein les oreilles !

2008-01-24T00:12:00.000+01:00

J’ai eu peu de temps pour vous écrire ces derniers jours, mais je ne résiste pas à l’envie de partager avec vous l’enthousiasme qui m’étreint au vue du programme de ces prochains jours : Vendredi, le serveur Linn Klimax DS serra enfin installé chez moi pour une petite semaine. Largement de quoi partager quelques bons moments de musique avec cette source d’un nouveau genre et d’établir des comparaisons intéressantes avec le lecteur Linn CD 12 qui me servira de référence. Je ne manquerais pas de vous faire part de mes impressions, recueillies sur une base que je connais par cœur, et de celles de mes amis ingénieurs du son et musiciens qui viendront me rendre visite pour le découvrir avec moi.

Comme un bonheur n’arrive jamais seul, j’aurais bientôt le plaisir de partager quelques heures de musique avec les monstrueux blocs monophoniques Karan Acoustics KA-PAM 1200. L’occasion pour moi de vous parler d’une rencontre hors du commun avec le créateur de ces électroniques yougoslaves, Milan Karan, et de revenir sur l’écoute de leur petit frère stéréo KA-PAS450 ( 80 kg et 450 Watts / 8 ohms tout de même !) que je considère comme l’un des meilleurs amplificateurs de puissance qui me soit jamais passé devant les oreilles.

Bonne musique et à très bientôt donc !

Panasonic et Pioneer au secours du plasma au CES de Las Vegas 2008

2008-01-16T19:49:00.000+01:00

Je suis un fervent défenseur de la technologie plasma que je trouve bien plus performante que la technologie LCD dès lorsqu'il s'agit de reproduire l'image cinéma sur grand écran. Les dalles plasmas offrent en effet un bien meilleur rendu du noir et des contrastes, tout en affichant une palette de couleur plus étendue. Dans ce contexte l'émulation a parfois du bon. Devant les progrès considérables réalisés par les écrans LCD ces dernières années, Pioneer et Panasonic, les deux principaux constructeurs impliqués dans le développement des écrans plasmas, ont rivalisé d'audace et d'inventivité au dernier CES de Las Vegas pour convaincre de la supériorité technologiques de leurs produits.

Pioneer: le maître du noir

Pioneer est depuis longtemps considéré par la presse spécialisée comme le meilleur fabricant d'écrans plats au monde, et pour de bonnes raisons. Au lieu de se disperser dans le développement parallèle des deux technologies plasma et LCD, le constructeur japonais s'est concentré sur les écrans plasmas, en se basant sur son savoir faire en matière de gravure optique acquis à l'époque du Laserdisc, au point de posséder aujourd'hui une avance considérable sur ses concurrents directs.

L'une des valeurs les plus importantes à considérer au moment de l'achat d'un téléviseur ou d'un écran plat reste le rapport de contraste. Ce dernier correspond à la différence entre le blanc le plus blanc et le noir le plus noir affichable simultanément par un écran, et à toute la palette d’intensités intermédiaire entre ces deux extrêmes. Plus le rapport de contraste est important, plus l’image et les couleurs apparaissent nuancées. L’écran doit être capable de produire simultanément un noir intense et une belle palette de nuances de gris et de couleurs dans les hautes lumières pour donner toute sa définition à l’image. Dans ce domaine, les pixels d'un plasma possèdent un avantage de fait sur celles d'un LCD: alors que ces dernières s'efforcent de bloquer la lumière constamment diffusée par le rétro-éclairage placé sur les côtés de l'écran, chaque cellule d'un plasma génère individuellement la lumière dont elle a besoin. Encore faut il être capable de concevoir une dalle plasma performante, d'adresser de manière optimum le message à chaque cellule, et de filtrer les lumières parasites, une maitrise que le bureau d'étude de Pioneer à pousser plus loin qu'aucun autre constructeur concurrent.

S'il est parfois compliqué de comparer les données des fiches techniques des constructeurs, qui n'utilisent pas toujours les mêmes procédures pour mesurer le rapport de contraste de leurs écrans, nul besoin d'un œil exercé pour constater la supériorité des 20000:1 de rapport de contraste annoncé par le plasma 50 pouces de Pioneer face au 1500:1 réel ( c'est à dire natif et non pas "dynamique") des meilleurs téléviseurs LCD ! La différence, lorsque la démonstration est correctement réalisée ( ni à la FNAC ni dans les grandes surfaces) saute littéralement aux rétines et convaincra le plus fervent détracteur de la technologie plasma.

Mais à Las Vegas, Pioneer a été encore plus loin. Alors que le succès de la dernière génération ( la huitième déjà ) de téléviseur Pioneer se confirme en haut de gamme, le constructeur y présentait un prototype hallucinant de 50 pouces ( 127 cm de diagonal) affichant seulement 9 mm d'épaisseur, tout en offrant un rapport de contraste "non mesurable". Une performance dont nous ne pourrons pas profiter tout de suite en série, mais qui démontre le potentiel impressionnant que l'on est en droit d'attendre de Pioneer et de la technologie plasma dans les années à venir.

Le Pioneer PDP-LX608D: le meilleur écran plat qui me soit passé à ce jour devant les yeux.

Panasonic: Toujours plus grand !

Devant cette avance technologique insolente, difficile pour Panasonic de rivaliser sur le stricte plan des performances, même si le constructeur a déjà démontré à de nombreuse reprises son savoir faire, notamment en matière de rapport qualité / prix . C'est donc dans le domaine de la taille que le géant japonais affiche depuis quelques années sa supériorité. L'année dernière le constructeur nous avait présenté le premier plasma 103 pouces, ( 260 cm de diagonal ). Un monstre pesant pesant près de 220 kg, vendu 100000 euros à quelques riches amateurs capable de l'accueillir dans leur salon.
Cette année, Panasonic est allé encore plus loin en présentant un 150 pouces soit 3 mètres 80 de diagonal ! Reste à savoir si plus grand rime systématiquement avec meilleur... Une question qui taraude l'égo de l'espèce humaine depuis toujours.

Non, cette photo n'est pas truquée, l'écran de gauche n'est pas un 82 cm et la jeune femme à droite n'est pas une naine... Voici le 103 pouces et le 150 pouces Panasonic réunis sur la même image.

Ma vérité sur l'iPhone

2008-01-10T22:44:00.001+01:00

J’en entends d’ici ! C’est indigne d’un audiophile qui se respecte… Comment un mélomane peut-il craquer pour ce gadget ?
Mais franchement, l’avez-vous déjà touché et utiliser ? Avez-vous déjà eu son écran de 320 x 480 pixels hyper lumineux devant les yeux ?

Je ne vais pas vous refaire le compliment sur cette petite machine de 11,6 mm d’épaisseur à l’interface utilisateur révolutionnaire, mais je dois dire que je suis tombé amoureux de ce bel objet bien dans l’air du temps. Comme tout amateur de musique, j’aime à être accompagné de quelques bons albums pour faire passer le temps dans les trains et les avions, patienter dans les salles d’attente et me balader dans Paris. Si mon vecteur musical peut aussi être mon téléphone, un vrai navigateur Internet, récupérer mes mails et stocker quelques photos, pourquoi pas ?
Je ne rentrerais pas dans le débat qui oppose les partisans du Mac et du PC, des smart phones branchés qui savent, parait-il, tout faire mieux que l’iPhone et pour moins cher, pour me contenter d’une revue objective des deux fonctions de l’appareil qui m’intéressent en priorité : la fonction baladeur audio et l’appareil/visionneuse de photo.
Ce n’est pas parce que je pars en vadrouille que je néglige la qualité musicale. Et dans ce domaine, les iPods avec lesquels j’ai pris plaisir à vivre se sont révélés beaucoup plus convaincants que les autres baladeurs numériques que j’ai eu l’occasion d’écouter. Pendant longtemps, les casques livrés d’origine avec les iPods étaient de qualité très quelconque et je leur préfèrerais mon Sennheiser PX200 qui m’a servi fidèlement ces trois dernières années. Mais le casque livré avec mon iPhone, et qui comprend pourtant aussi un dispositif « main libre » pour le téléphone, me paraît désormais tout à fait convenable et même assez équilibré, sans pour autant rejoindre les performances des modèles intra auriculaire de haut de gamme tel que le Shure SE530 mais dont le prix ( plus de 400 euros tout de même, c’est à dire le prix de l’iPhone !) et le confort laisse à désirer. Je vais m’attacher à trouver un meilleur compromis et je vous en reparlerais ultérieurement.
Si je vous parle de casque, c’est parce que la fiche mini Jack qui y est attachée ne pénètre pas toujours dans la prise femelle de l’iPhone, profondément encastrée dans le boîtier. C’est plus irritant que vraiment insoluble, une fois qu’on y a enfiché le petit adaptateur Belkin proposé un peu partout, sur le net comme dans les magasins, pour quelques euros.

Pour le reste, le baladeur d’Apple est un vrai bonheur à utiliser. L’interface utilisateur est tout simplement somptueuse, amusante et tellement ergonomique ! On y retrouve l’organisation d’itune et même « Cover Flow » qui permet de feuilleter les couvertures de ses albums en basculant l’iPhone à l’horizontal. Il suffit de toucher l’une d’entre elles pour qu’elle vous révèle les titres de l’album et une pichenette plus tard, le son parvient à vos oreilles.

Afin de comparaison, j’en ai profité pour me confectionner des listes de lecture comprenant le même morceau encodé en MP3 192 kbps, en AAC 256 kbps, en Apple Lossless et en Wave. Rappelons au passage ce que désignent ces acronymes barbares et les caractéristiques du signal audio qui se cachent derrière.
- MP3 est l’abréviation de MPEG Audio Layer 3 ( MPEG étant à son tour l’abréviation de « Moving Picture Experts Groupe » du nom du groupe d’experts qui définit les standards de compression de l’industrie Audio Visuel). Concrètement, il s’agit d’un algorithme de compression audio qui diminue drastiquement la quantité de données qui constitue le signal audio à travers des technologies de codage enthropique et de filtres psycho-acoustique sensé limiter la perte de qualité sonore du signal original. Il en existe plusieurs versions définies par le débit d’information souhaité et la compression qui en résulte.
- AAC est l’abréviation d’Advanced Audio Coding et désigne un autre algorithme de compression avec perte de données ayant pour but d’offrir un meilleur compromis entre qualité et compression que le MP3. Il a été notamment choisi par Apple et Real Networks pour promouvoir la qualité sonore de diffusion musicale.
- L’Apple Lossless est un format d’encodage sans perte développée par Apple pour tirer profit d’itunes et de l’augmentation de capacité mémoire des nouvelles générations d’iPod. L’Apple Lossless réduit la taille d’un fichier Audio de 40 à 50 % sans aucune perte de qualité du signal.
- Le WAVE ( pour WAVEform audio format) est un standard de stockage digital en provenance de Microsoft et IBM. Il ne s’agit pas d’un format d’encodage ou de compression mais bien d’un type de fichier ou « contenant » qui permet à l’ordinateur d’organiser des données audio. Son pendant chez Macintosh s’appelle AIFF et je l’utilise pour stocker les donnés non compressé rigoureusement identique à celle du morceau original ( en l’occurrence le signal PCM 16 bits / 44,1 kHz que l’on trouve sur un CD).

La capacité de stockage de mon iPhone est limitée à 8 Giga, ce qui rendrait tentant l’utilisation d’un système de compression MP3 ou AAC afin de se constituer une discothèque de taille convenable. N’en faites rien, car la différence de qualité entre un même morceau encodé en MP3 ou en AAC et en Apple Lossless ( c’est à dire sans perte) est considérable et parfaitement audible aux oreilles de celles et ceux qui apprécient la qualité musicale. La première chose qui frappe l’auditeur à l’écoute du MP3, c’est une simplification du message qui donne l’impression d'être en présence de faux instruments. En essayant d’analyser cette sensation à travers une comparaison directe avec l’original, on perçoit immédiatement le manque d’information aux deux extrémités du spectre. Le grave a perdu de sa tension et de son extension, il est souvent brouillon et peu expressif, ce qui donne l’impression que la musique classique et le jazz manque d’assise et de densité. La disparition des aigus est tout aussi perturbante, car elle prive le cerveau de ces petites réverbérations, artificielles ou pas, qui donnent du corps aux instruments et de l’espace autour d’eux. Pourtant, le MP3 comme son concurrent AAC a fait de gros progrès ces dernières années, et il faut reconnaître que la dynamique subjective suffira largement à reproduire le message ( déjà très compressé au mixage) que l’on trouve trop souvent aujourd’hui sur les disques de R&B et de variété en général. Mais ne leur demandez pas de reproduire harmonieusement le double concerto pour violon de Bach ou la Traviata, les timbres du piano de Keith Jarrett ou la ligne de basse de Richard Bona: ils n’ont pas été conçus pour ça.
Il serrait pourtant dommage de s’arrêter à ce constat, car l’iPhone gavé de musique non-compressé m’a très favorablement impressionné ! Première bonne nouvelle: la différence entre un morceau en Apple Lossless et en WAVE est inaudible. Nous venons de gagner 50% de place dans la mémoire ! Armé d’un bon casque ( je me suis même amusé à lui connecter un casque professionnel Sennheiser HD600), l'iphone délivre une qualité sonore supérieur à celle des baladeurs CD même les plus sophistiqués, grâce notamment à sa puce de conversion Wolfson, un fondeur de composants dont le nom n’est pas inconnu des passionnés de Hifi de haute gamme. Equilibré, délivrant une bande passante très satisfaisante aux deux extrémités du spectre et une dynamique confortable, il se révèle musical et peu fatigant. Un avantage qui permettra même d’envisager de regarder un film sur son écran pas si ridicule que ça à courte distance, surtout lorsque l’on n’a pas d’autre choix sous la main !

Quand à sa fonction appareil photo, le moins que l’on puisse dire, c’est que l’iPhone déçoit d’autant plus que son écran, justement, est d’excellente qualité. Car pour visualiser des photos importés depuis votre ordinateur ( un jeu d’enfant avec itune, tout du moins sur un Mac) l’iPhone est parfait. Redimensionnées par itune au moment de l’exportation pour gagner de la place, les photos en 160dpi issues de mon Nikon D200 apparaissent vivantes et largement assez précises pour garder près de soi les quelques images auxquelles on tient. Si la photo est à l’horizontal, il suffit de basculer l’appareil pour qu’elle s’affiche sur l’intégralité de l’écran alors qu’en écartant deux doigts à l’endroit désiré, on zoom dedans en un clin d’œil. Jouissif ! On se croirait dans le monde de « Minority Riport » à la place de Tom Cruise.

Mais les choses se gâtent lorsque l’on tente de prendre des photos avec la pauvre lentille placée au dos du boîtier qui utilise une focale grand angle en guise de mise au point. Elle est accompagnée d’un capteur 2 Megapixels qui se révèle largement suffisant pour restituer la résolution du cul-de-bouteille qui lui sert d’objectif. C’est vraiment dommage. Les images qui en résultent sont tout juste acceptables en pleine lumière….

…mais deviennent très, très bruitées et souvent flou dès que l’on se retrouve dans un environnement plus sombre.

Il reste donc des progrès à faire dans ce domaine, mais nul doute qu'Apple prépare déjà la suite des évènements, avec un iPhone 2 doté, on peut rêver, d'un capteur 5 mégapixels et d'une optique autofocus, comme c'est le cas sur certains produits concurrents tel que le Sony Ericsson K850i qui embarque un vrai appareil photo numérique digne de ce nom.

Reste que l'iPhone est un joujou extra ! Un excellent petit baladeur numérique doublé d'une visionneuse de photos performante qui se révèle en outre un agréable compagnon de voyage, un téléphone intuitif et un surprenant navigateur Internet dont on peut réellement se servir, ce qui n'est pas si courant.

Radiohead: In Rainbows

2008-01-06T20:59:00.000+01:00

Je suis un fan de Radiohead de la première heure. Ce mélange inventif, unique, puissant et mélancolique, à la fois sombre et lucide, de pop et d’électro m’a toujours fait vibrer jusqu’au bout des oreilles. C’est donc avec intérêt et un certain amusement, que j’ai observé la sortie de leur dernier album In Rainbows sur Internet, le 10 octobre 2007. Séparé de sa maison de disque EMI depuis 2006, le groupe proposait alors son album en téléchargement « payant »…au prix décidé par le consommateur. Une manière unique et originale de s’instituer producteur à travers laquelle le groupe espérait éviter, au moins en partie, les téléchargements illégaux tout en incitant ses fans à venir les découvrir en concerts, dont le groupe tire aujourd’hui la plus grande part de ses revenus.
Comme on pouvait s’en douter, de nombreux internautes ont téléchargés l’album gratuitement en MP3, ce qui en dit long sur le comportement de certains consommateurs et le peu de considération qu’ils accordent à la valeur artistique d’une œuvre. À leur décharge, il faut avouer que le téléchargement de fichiers de piètre qualité sonore, délivrés sans illustration, livret ou commentaire ne présente pas un intérêt particulier pour un vrai amateur de musique dont le plaisir réside dans la découverte d’un album dans les meilleures conditions possibles. Personnellement, j’aurais apprécié de pouvoir télécharger le disque en qualité CD, voir en haute définition, et j’aurais dès lors trouvé normal de payer pour cela un prix décent, fixé à l’avance. Pour être tout à fait honnête, le site de Radiohead proposait bien aux plus exigeants le « discbox » : un système de pré commande comprenant un téléchargement de l’album en MP3 et, dans un deuxième temps, un coffret contenant l’album en CD et en double disques vinyles, un deuxième CD comprenant 8 morceaux inédits ainsi qu’un livre sur le groupe, mais là, il fallait carrément débourser 40 Euros !

Pourtant ma première appréciation de la situation semble aujourd’hui battue en brèche par les informations qui circulent sur Internet. Le groupe n’a pas souhaité communiquer clairement sur les résultats de ce marketing particulièrement audacieux, mais il se murmure que l’album se serait tout de même vendu à 1,2 millions d’exemplaires en MP3 à un prix moyen de 7,5 Euros. Voilà qui prouve en tout cas que les fans de Radiohead ne sont pas des ingrats et que leur impatience à découvrir In Rainbows valait bien le sacrifice de la qualité, quitte à racheter le CD dans un deuxième temps.

Le CD, je l’ai dans les mains depuis hier soir. Il s’agit en fait d’un Kit qui comprends une pochette en carton dans laquelle on trouve le disque dans un étuis, un livret pour le moins succinct et deux autocollants reconstituant la jacket ( face et arrière) d’un CD en boitier cristal. Pourquoi pas. J’aurais tout de même apprécié un livret un peu plus explicite et complet, mais à 14,90 Euros chez Virgine en prix nouveauté, c’est déjà ça.

Et la musique dans tout cela ? In Rainbows est un excellent album de Pop, beaucoup plus facile d’accès que Hail to the Thief ou Kid A, tout en restant suffisamment différent et original pour demander plusieurs écoutes avant de s’offrir tout à fait à son auditoire. On y retrouve ce mélange unique d’enthousiasme et de mélancolie, de morceaux électro-pop déjantés et pêchus tel que « 15 Step » et de balades redoutables d’efficacité telle que « videotape », portée par le piano et la voix unique de Tom York. D’une manière générale, In Rainbows fait d’ailleurs beaucoup moins appel aux programmations sauvages que ses prédécesseurs pour revenir au basics efficaces de la pop, batterie et guitare en tête. Et s’il reste sombre comme il se doit pour un album de Radiohead, il s’affirme plus lumineux que Hail to the Thief sans pour autant tomber dans le pathos, je vous rassure !
Au final, In Rainbows est donc un disque réussi, même si avec moins de 43 minutes en tout, il laisse un peu sur sa faim le fan que je suis. On devine facilement en le réécoutant la latitude que s’est laissé le groupe pour le réinventer en scène et j’attends avec impatience le « Live » qui devrait en être déduit un jour. Mais au moment de conclure, je ne peux pas m’empêcher d’évoquer le dernier album solo de Thom York, The Eraser, sorti voici quelques mois et qui me semble aller plus loin dans tous les domaines.

Avec 41 petites minutes, il est pourtant plus court encore que In Rainbows, mais il s’agit d’un véritable petit chef d’œuvre musicale que j’ai bien dû écouter une cinquantaine de fois depuis que je l’ai acheté. A la fois plus sombre et porteur d’espoir, superbement produit, bourré de programmations ravageuses et d’orchestrations inventives et touchantes, il me semble plus abouti et plus profondément encré dans la musique que In Rainbows et en ce sens, devrait mieux résister au temps que ce dernier.
Si vous aimez la voix de Thom York et si vous aimez Radiohead, The Eraser est donc tout à fait indispensable à votre discothèque et, ne serait ce que pour « Analyse », une merveille que je place parmi les quatre ou cinq plus beaux morceaux de l'année 2007, un album intrinsèquement plus fort que celui du groupe…

Radiohead
In Rainbows
Auto produit

Thom York
The Eraser
Auto produit